CHARLES DANIELS (1985)

Hacia lo profundo

Entre los detalles interesantes del currículum de Charles Daniels destaca la abundancia de música orquestal en su catálogo. Sus partituras sinfónicas han sido interpretadas en México, los Estados Unidos, Lituania y Hungría. Además de su música de concierto, ese catálogo incluye algunas partituras para el cine, así como para danza. Cabe mencionar, también, la variada actividad docente de Daniels, concentrada principalmente en la Academia de Arte Florencia, el Núcleo Integral de Composición y la Facultad de Música de la UNAM. Realizó su propia preparación académica en el CIEM, en México, con estudios acreditados por el Trinity College de Londres.
Nadie mejor que el propio Charles Daniels para presentar su música; he aquí sus palabras:

Hacia lo profundo fue compuesta hacia finales del año 2021 expresamente para la convocatoria del Premio Nacional de Composición Orquestal "Raíces" de la Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco y la Orquesta Filarmónica de Jalisco. El jurado, compuesto por Javier Álvarez, Ana Lara y Ricardo Zohn-Muldoon, le otorgó a esta obra el primer premio en el certamen.

Interrumpo aquí al compositor para decir que este premio es un pretexto ideal para mencionar otros reconocimientos obtenidos por su música:

Finalista en el Concurso de Composición para Cuarteto de Alientos “Música Xtrema”, Sinaloa, México – 2008

Representante de México ante la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO – 2011

Primera mención en el Concurso de Composición para Cuarteto de Cuerdas “Nuestra América”, México – 2012

Medalla de plata en los Student Academy Awards como parte del equipo del cortometraje Crescendo, de Percival Agüero - 2020

Primer lugar en el Concurso Internacional de Composición Sinfónica “Future Symphony” en Vilna, Lituania – 2020

Premio a la excelencia en el Concurso Internacional de Composición Orquestal “Premios a la Creación Artística” en Hangzhou, China - 2021

Y aquí, de nuevo, las palabras de Charles Daniels:

La pandemia por COVID 19 tuvo un impacto sobre la obra, ya que las condiciones de sana distancia exigían el uso de un ensamble pequeño, con alientos a uno, es decir sin doblajes. Añadido a esto, la convocatoria marcaba el uso obligatorio de un saxofón soprano dentro de la sección de maderas. Esta obra surge de un momento a otro en que una nota en la imaginación evoluciona y se transforma en una textura; a la textura le crecen melodías, y así surgen más y más materiales musicales entrelazados. A través de los sonidos esta pieza nos invita a la introspección, a ir de la mano de la música hacia lo profundo.

El estreno absoluto de Hacia lo profundo se realizó el 5 de diciembre de 2021 en el Teatro Degollado en Guadalajara, con la Orquesta Filarmónica de Jalisco bajo la dirección de Jesús Medina.

El hecho de que la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México incluya Hacia lo profundo en la programación de su Temporada 2022 (siendo ésta la segunda interpretación de la obra) tiene un significado especial para Charles Daniels, ya que esto representa un reencuentro del compositor con la OFCM, ensamble que quince años antes, en 2007, estrenara su primera obra orquestal, Invocación.

OTTORINO RESPIGHI (1879-1936)

Aires y danzas antiguos para el laúd, Suite No. 1
Balletto Il Conte Orlando
Gagliarda
Villanella
Passo mezzo e mascherada

A pesar de haber disfrutado de una sólida reputación durante su vida como uno de los más importantes compositores italianos, su gran facilidad técnica siempre estuvo por encima de su capacidad creativa, de modo que muchas de sus obras tardías reflejan una conspicua falta de inventiva musical, siendo quizá una excepción María Egipciaca, la séptima de sus nueve óperas.

Tal es el juicio crítico de Lionel Salter sobre Ottorino Respighi, un juicio que sin duda tendrá sus defensores y sus detractores en igual número. Entre los detractores de Salter se encuentra Guido Gatti, quien ha escrito lo siguiente:

De todos los compositores italianos que vivieron en el primer tercio de este siglo (el siglo XX), con la excepción de Puccini y los otros compositores de ópera de la escuela verista, Ottorino Respighi ha sido sin duda el más prominente. Entre los compositores modernos, un grupo al que el público siempre ha visto con un cierto grado de desconfianza, Respighi fue el único que supo, de acuerdo con las opiniones actuales, balancear los elementos clásicos con ciertas tendencias reformistas que atrajeron en mayor o menor grado a todos los compositores de su tiempo. Su facilidad técnica, su gran capacidad de asimilación, y por otra parte la ausencia de una convicción estética definida, hacen difícil la tarea de seguir una clara línea de desarrollo musical en su prolífica producción y de establecer un punto de partida y un punto de llegada dentro de un estilo expresivo claramente respighiano. Está ausente también un grupo de fórmulas, ciertos modos de expresión que, oídos por primera vez, pueden ser reconocidos como característicos del idioma del autor de Las fuentes de Roma. La suya es una manera elegante de escribir, en el sentido de la retórica de otros tiempos; una bella forma de armonizar, un espléndido método de orquestación y, con ellos, un deseo siempre presente de ser agradable, comedido y respetable a toda costa. Son estas las cualidades que el crítico está obligado a considerar en su valor real, que no es poco. Pero a la larga, tales cualidades no reflejan los lineamientos musicales de una época ni los de una verdadera individualidad artística. En suma, tales cualidades parecen ser más detalles de gusto que de arte, más justificables y productivos en un intérprete que en un creador de formas artísticas.

Así pues, sin ser una clara alabanza a la obra de Respighi, el texto de Gatti muestra un cuadro crítico relativamente matizado respecto a este compositor que se hizo famoso por sus opulentas descripciones orquestales de diversos aspectos de Roma, a pesar de haber sido él mismo nativo de Bolonia. Ottorino Respighi, hombre culto y estudioso, nunca ocultó su interés por la música antigua de Italia y por la obra de compositores anteriores a su propio tiempo. Buenos ejemplos de ello son su suite Rossiniana y su ballet La juguetería fantástica, basado también en temas de Gioachino Rossini (1792-1868). Entre las obras más conocidas y apreciadas de Respighi están sus Aires y danzas antiguos para el laúd, cuya fuente es el repertorio del laúd de los siglos XVII y XVIII. En estos Aires y danzas, Respighi supo tomar el espíritu renacentista y barroco y adaptarlo a su propio idioma musical. De las transcripciones de música antigua para el laúd, Respighi hizo tres suites que fueron publicadas, respectivamente, en 1917, 1923 y 1932. Las cuatro piezas que forman la Suite No. 1 de los Aires y danzas antiguos para el laúd fueron realizadas por Respighi a partir de música original de Simone Molinaro (ca. 1565-1615), Vincenzo Galilei (ca. 1530-1591), padre del ilustre Galileo Galilei y compositores anónimos.
En el año de 1937, Elsa Olivieri Sangiacomo, la viuda de Respighi, quien había sido su alumna y también se dedicaba a la composición, arregló las suites de los Aires y danzas antiguos para un ballet ideado por Claudio Guastalla (libretista de varias de las óperas de Respighi), que fue representado en el Teatro de La Scala en Milán ese mismo año.

Dolor, sobriedad, sentido de la proporción, buen humor, profundidad, ligereza de espíritu… En este compacto resumen de las cualidades de la buena música francesa realizado por Francis Poulenc, es posible hallar una de las claves, quizá la más importante, de la visión creativa de este notable (y quizá incomprendido) compositor; de hecho, esa ligereza de espíritu que es cualidad fundamental en su música, llegó a ser catalogada como superficialidad por algunos críticos serios y solemnes. Es probable que tales críticos hayan olvidado que Francis Poulenc no sólo fue un músico básicamente autodidacta, sino que una parte importante de su aprendizaje ocurrió bajo la influencia de las músicas de cabaret y de las obras del music hall. La combinación de estos y otros elementos dio como resultado un estilo musical muy personal, que ha sido definido así por Lionel Salter:

Poulenc combinó el espíritu bromista de Satie con una lucidez casi clásica (como reacción contra el impresionismo), una delicada vena de sentimentalismo y una pizca de armonía stravinskiana.

Aunque estos y otros textos pudieran dar la impresión de que el estilo de Poulenc no es más que un collage de influencias, lo cierto es que su música presenta cualidades altamente individuales. Buena parte de la solidez de su música está en la importancia suprema que Poulenc dio siempre a la melodía, y en el hecho de que por lo general se apegó al sistema armónico tonal-modal que heredó de la generación anterior.
Una rápida revisión de la presencia de la música de Poulenc en las salas de conciertos demostrará que sus obras orquestales más difundidas son su Concierto para órgano y su Concierto para dos pianos; en menor medida, su Concierto campestre para clavecín hace esporádicas apariciones. En el resto del catálogo de Poulenc hay numerosas obras de indudable atractivo; entre ellas, por ejemplo, sus óperas Las tetillas de Tiresias, Diálogos de las Carmelitas y La voz humana. Muy interesantes resultan, también, sus partituras de música incidental para el teatro, así como un puñado de composiciones para el cine. Entre sus obras de música coral destacan las Letanías a la virgen negra, la cantata Figura humana y el poderoso y emotivo Gloria. En sus sonatas instrumentales y sus obras para diversos ensambles de cámara hay numerosas riquezas por descubrir. Pero es en sus canciones donde, según los especialistas, radica lo mejor de la producción de Francis Poulenc. Son piezas de un gran refinamiento, tanto melódico como armónico, y hay en ellas una asombrosa variedad de expresión. Con justicia plena, se considera a Poulenc como el heredero principal (y continuador) de la gran tradición francesa de la canción de concierto, ya que en sus mélodies la inspiración y el artesanado impecable van de la mano. Un estímulo particular para la creación de su espléndido catálogo de canciones fue su asociación profesional y personal con el gran barítono francés Pierre Bernac.
Es bien sabido que la sinfonía no ha sido un género particularmente cercano al espíritu creativo de los compositores franceses, al menos no en la medida que si lo es en la esfera cultural germánica, en la historia de la música rusa y en algunos otros ámbitos. En este sentido, nadie diría que Poulenc fue un sinfonista importante, pero sí sería posible decir que escribió al menos una sinfonía muy interesante. Se trata de su Sinfonietta, obra que a pesar de su designación tiene todos los elementos formales y estructurales de una sinfonía; el título de Sinfonietta se debe sin duda a la ligereza de su espíritu y sus texturas y, en menor medida, a los aires de danza que parecen habitar sus distintos movimientos. Más de un musicólogo ha señalado que la Sinfonietta de Poulenc parece ser un discreto homenaje a las sinfonías de Franz Joseph Haydn (1732-1809), y en ese sentido quizá sería posible hallar algunos puntos de contacto entre esta obra y la Sinfonía clásica (1917) de Sergei Prokofiev (1891-1953). La Sinfonietta ha sido descrita asimismo como una obra poliestilística y ecléctica con claros tintes neoclásicos, y con frecuencia suele mencionarse su experta orquestación. Una buena muestra de la variedad de enfoques abordada por el compositor en la Sinfonietta está en el hecho de que su desarrollo armónico transita elegantemente entre lo modal (que por momentos imparte a la pieza un cierto ambiente arcaico) y una armonía abiertamente romántica. Poulenc compuso la Sinfonietta en 1947 en respuesta a un encargo de la BBC, y la obra fue estrenada en Londres el 24 de octubre de 1948 por la Orquesta Filarmonía bajo la batuta de Roger Désormière.