He aquí una visión panorámica de la producción de Félix Mendelssohn (1809-1847) para cuarteto de cuerdas:
- Quince fugas, 1821
- Cuarteto en mi bemol mayor, 1823
- Cuarteto No. 1 en mi bemol mayor, Op. 12, 1829
- Cuarteto No. 2 en la menor, Op. 13, 1827
- Cuarteto No. 3 en re mayor, Op. 44 No. 1, 1838
- Cuarteto No. 4 en mi menor, Op. 44 No. 2, 1838
- Cuarteto No. 5 en mi bemol mayor, Op. 44 No. 3, 1838
- Capriccio en mi menor, 1843
- Cuarteto No. 6 en fa menor, Op. 80, 1847
- Andante en mi mayor, Op. 81 No. 1, 1847
- Scherzo en la menor, Op. 81 No. 2, 1847

De esta lista se desprende el hecho de que Mendelssohn estuvo atento al cuarteto de cuerdas durante un lapso de 28 años, componiendo dos obras para esta dotación durante el último año de su vida. Mientras que algunos analistas abordan la obra de Mendelssohn para cuarteto incluyendo todas las obras arriba citadas, otros prefieren concentrarse únicamente en los seis cuartetos numerados “oficialmente”. En el Cuarteto Op. 13 el compositor reflejó de manera subjetiva una serie de sentimientos amorosos de juventud, mientras que en el Cuarteto Op. 12 Mendelssohn parece aludir directamente al Cuarteto Arpa de Ludwig van Beethoven (1770-1827). La influencia de Beethoven, menos anecdótica pero más sólidamente asimilada, es evidente en los tres Cuartetos Op. 44, considerados como las cumbres de Mendelssohn en este género. A su vez, el Cuarteto No. 6, Op. 80, es la reacción musical de Mendelssohn a la muerte de su querida hermana Fanny, ocurrida el 14 de mayo de 1847. El musicólogo Karlheinz Köhler anota lo siguiente:

En el último cuarteto de Mendelssohn, en fa menor, el dolor por su hermana Fanny es expresado como un pesimista alejamiento de la forma clásica. Dolorosa angustia, salvaje anhelo, urgencia dramática y desasosiego espectral dominan las ideas temáticas, que no sugieren una solución optimista a los problemas del compositor, que no estaba lejano de su propia muerte.

En abril de 1829, se inició para Mendelssohn un período que habría de estar marcado por numerosos viajes por Europa: ese año tocó el turno a Inglaterra. El joven compositor y pianista visitó, entre otros lugares, Londres, Edimburgo, Abbotsford (para visitar a Sir Walter Scott), y la isla de Staffa, que le inspiró la composición de una de sus mejores obras orquestales, la obertura Las Hébridas, también conocida como La gruta de Fingal. En el mes de septiembre Mendelssohn visitó Gales y emprendió el camino de regreso a Londres el día 10 de ese mes; su Cuarteto Op. 12 está fechado el 14 de septiembre de 1829. Si bien el compositor terminó la obra en Londres, es probable que la haya iniciado en Berlín antes de emprender su viaje a Inglaterra.
El musicólogo Köhler hace este comentario específico sobre la relación del Cuarteto Op. 12 de Mendelssohn y la música de Beethoven arriba citada:

El Cuarteto en mi bemol mayor Op. 12, por otra parte, sugiere una confrontación musical con Beethoven. La idea inicial sugiere los perfiles básicos (y una inversión) de los temas del Cuarteto Arpa de Beethoven, que también está en mi bemol mayor, y estos elementos permean el primer movimiento.

La partitura del Cuarteto Op. 12 fue dedicada por Mendelssohn a Betty Pistor, una joven cantante por la que sentía un aprecio particular. Al saber del compromiso de la muchacha con el Dr. Ernst Rudorff, el compositor manifestó su deseo de cambiar la dedicatoria original a “B.P.” por otra, a “B.R.”

Se dice, con razón más que justificada, que el entorno familiar en el que nace y crece un artista determina de manera categórica no sólo el desarrollo de su personalidad sino, de manera no menos importante, la orientación de su producción artística. En este sentido, las líneas iniciales del libro titulado Manuel M. Ponce (publicado en 1971) que David López Alonso dedica a la figura del compositor zacatecano, son especialmente elocuentes:

Cerca del Templo de San José –antes San Juan de Dios, de la ciudad de Aguascalientes- había una vetusta casa con patios, fuentes y árboles frutales, recámaras espaciosas, sala rectangular, grandes ventanas, gruesos muros que fueron testigos de las virtudes preclaras de la familia Ponce Cuéllar. Allí anidó el matrimonio de don Felipe de Jesús Ponce de León y de la señora María de Jesús Cuéllar, “católicos y llenos de temor de Dios”. Tuvieron doce hijos. Manuel fue el benjamín. La voz de los padres se obedecía sin réplicas. No había gritos ni malos modos. Amables y reservados en grado superlativo, nunca se les vio en bailes o tertulias, ni hubo un Judas que manchara aquella moral ortodoxa.

Sin duda, es posible intuir en el significado profundo de estas palabras el perfil básico de la música de Ponce. Por más que se diga y se suponga que Manuel M. Ponce es uno de nuestros compositores más conocidos y difundidos, esta percepción es en realidad un espejismo. Sí, su Concierto del sur se toca con frecuencia; sí, todo mundo arregla, transcribe, toca y canta su canción Estrellita; de vez en cuando aparecen en los programas sinfónicos obras como Chapultepec, Ferial, Estampas nocturnas o Instantáneas mexicanas; los guitarristas, como debe ser, tocan mucho Ponce; y los pianistas, a veces, también. Pero hay un área especialmente poco explorada de su producción, que es su música de cámara. En este ámbito, una de las contribuciones principales de Ponce se encuentra en sus obras camerísticas para diversas combinaciones de cuerdas. Como muestra de esta área de su trabajo creativo se encuentran su Cuarteto, su Sonata en dúo, su Pequeña suite en estilo antiguo, las Cuatro miniaturas, y el Cuarteto de cuerdas. (Resulta interesante saber que la Sonata, la Suite y las Miniaturas llevan sus títulos originales en francés. El Trío (violín, viola y violoncello) fue escrito por Ponce en un corto lapso de tiempo, en enero de 1943, y su estructura contempla los cuatro movimientos tradicionales de una forma sonata extensa. La cronología del Trío indica que se trata de una obra contemporánea del Concierto para violín de Ponce. Si desde el punto de vista estructural el Trío se apega con rigor a los modelos clásicos, en lo expresivo se trata de una obra en la que los títulos de sus movimientos individuales pueden ser engañosos. En efecto, una audición del Trío de cuerdas de Manuel M. Ponce permite percibir un ambiente general de nostalgia y contemplación que recorre prácticamente toda la obra. Incluso en el Rondo scherzoso que concluye la obra, hay algo de sarcástico que remite al oyente a una alegría no del todo abierta, no del todo completa. La partitura del Trío de cuerdas fue dedicada por Ponce al violoncellista mexicano Carlos Prieto (quien por entonces era un niño pero ya había iniciado su aprendizaje del instrumento) y a sus padres.