Scott Yoo: Grace Park toca Nielsen | Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México

Esta página documenta un concierto pasado.

Información: ¡Concierto precedido por música de cámara en el LOBBY!

Solista y músicos de la OFCM tocan una obra música de cámara antes del concierto. Disfruta nuestro programa de preconciertos.

Sábado, 21 de septiembre, 17:00 horas
Sala Silvestre Revueltas CCOY

Domingo, 22 de septiembre, 11:30 horas
Sala Silvestre Revueltas CCOY

GRACE PARK, violín
FERNANDO VELÁZQUEZ, violín
SCOTT YOO, viola
MIRJAM WILHELM, viola
ADOLFO RAMOS, chelo
BARBARA KAMINSKA, chelo

JOHANNES BRAHMS - Sexteto No. 2 en sol mayor, Op 36

Sábado, 21 de septiembre, 18:00 horas
Sala Silvestre Revueltas CCOY

Domingo, 22 de septiembre, 12:30 horas
Sala Silvestre Revueltas CCOY

SCOTT YOO, director
GRACE PARK, violín

Alejandra Odgers (1967)

Toni alossaan

Toni alossaan

Juan Arturo Brennan

Un primer dato importante sobre la obra de la compositora mexicana Alejandra Odgers titulada Toni alossaan es que fue un encargo de la Orquesta de la Universidad de Montreal por haber ganado (ex -- aequo) el Concurso de Composición 2007 de dicha institución. (La otra ganadora de concurso fue la compositora croata Margareta Jeric con su obra Upload).

Otros datos relevantes respecto a Alejandra Odgers:

Además de compositora, es oboísta, egresada de la hoy Facultad de Música de la UNAM.
Entre sus trabajos de investigación se encuentra un útil e interesante CD-ROM con un extenso catálogo de música mexicana para oboe.
Obtuvo su maestría y su doctorado en composición en la Universidad de Montreal.
En la actualidad define su nacionalidad como mexicana-canadiense.
Mario Lavista, Arturo Márquez, Jean-Jacques Nattiez, Alan Belkin y José Evangelista se cuentan entre sus maestros.
Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2011-2013 y 2018-2021).
Ha sido becaria, en tres ocasiones, del Consejo de Artes de Longueuil.
En 2017 fue finalista del Premio Charles Biddle, creado para reconocer a un(a) creador(a) inmigrado(a) a Quebec y cuyo compromiso personal y profesional ha contribuido al desarrollo cultural y artístico de la provincia a nivel local, nacional e internacional.
Ha sido ganadora del Premio Creación en Artes Escénicas en la Gala de la Cultura de Longueuil
Ganó también el concurso para componer una obra en memoria de las víctimas de los sismos ocurridos en 1985 en México.
Entre las orquestas mexicanas que han tocado sus obras se encuentran la Sinfónica Nacional, la Sinfónica Carlos Chávez, la Sinfónica del IPN, la Filarmónica de la Ciudad de México y la Sinfónica de Xalapa.
La Orquesta Metropolitana de Montreal le encarga una obra que es estrenada en el marco del 375 aniversario de la fundación de la ciudad.
El 27 de junio de 2019, bajo la dirección de Yannick Nézet-Séguin (director musical de la Ópera Metropolitana de Nueva York) se estrena su obra más reciente, Menahanis ("Islita" en lengua abenaquí), compuesta por encargo de la Orquesta Metropolitana de Montreal para la inauguración del Espace 67, espacio público para conciertos y eventos situado en el Parque Jean-Drapeau.
He aquí las palabras de Alejandra Odgers sobre su obra orquestal Toni alossaan:

En Quebec, el fin del invierno y el inicio de la primavera es la época del azúcar o la época en que se saca el agua de azúcar para producir el jarabe de arce o miel de maple. En esta época en Quebec es frecuente ir a degustar una comida tradicional en las cabañas de azúcar en donde a la mayoría de los platillos (huevos, frijoles, sopa de habas, jamón, crepas, pasteles, etc.) se les agrega una buena cantidad de miel. En 2007 decidí ir a la Casa Amerindia, en la que se ofrecía una comida de cabaña de azúcar un tanto particular con el maíz como ingrediente principal, pero sobre todo porque se presentaba ahí un espectáculo con cantos amerindios. Llegado el día, pude escuchar a una mujer abenaquí (Nanantasis, o Colibrí) transportarnos a su mundo con cantos, leyendas y su muy agradable y generosa manera de compartir los conocimientos aprendidos de su abuelo, y que han sido transmitidos de generación en generación. No pude evitar invitarla a una conversación más extensa, para grabar sus cantos (que le dije que querría utilizar para una composición en el marco de mi doctorado) y para que ella me platicara más sobre su cosmogonía. En este segundo encuentro, pude escuchar la leyenda de la creación, la leyenda de Glousgap, así como más de una docena de cantos, relacionados con el nacimiento, la amistad, el agua, la tierra, alguno para darse valor y otros que se cantan en los ritos de paso. Fue con algunas de estas melodías que compuse esta obra. Con esta pieza quise rendir un pequeño homenaje a todos aquellos que han contribuido a perpetuar los cantos, las tradiciones y las leyendas a través del tiempo.

Entre quienes han hecho esa contribución se encuentran los abenaquí ("los que viven a la salida del sol"), que cantan sus cantos en una de las lenguas algonquinas, y que a lo largo del tiempo han habitado principalmente la región de Quebec en Canadá y el estado de Maine en los Estados Unidos. El título de la obra de Alejandra Odgers, Toni alossaan, quiere decir "¿a dónde vas?", y es el inicio de un canto responsorial cuyas primeras frases son: "¿A dónde vas? ¿Te quedas aquí? No, sigo adelante".

Toni alossaan recibió su estreno absoluto el 1 de diciembre de 2007 en la Sala Claude Champagne de la Universidad de Montreal, con la orquesta de esa casa de estudios dirigida por Jean-François Rivest. El estreno en México ocurre el 21 de septiembre de 2019, con la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México dirigida por Scott Yoo.

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Carl Nielsen (1865-1931)

Concierto para violín y orquesta, Op. 33

Concierto para violín y orquesta, Op. 33

Juan Arturo Brennan

Bien puede decirse que el Concierto para violín de Nielsen es el resultado lógico de una relación cercana, aunque no muy intensa, con el instrumento. Niño aún, Nielsen recibió las primeras lecciones de violín de su padre, en cuya pequeña banda tocó durante algún tiempo. El padre de Nielsen solía asombrarse de la capacidad de su hijo para improvisar en su pequeño violín de 3/4. Otro dato significativo de la relación de Nielsen con el violín: entre todas las obras de su catálogo, la más temprana es una polka para violín. Aunque al paso del tiempo el joven Nielsen aprendió también a tocar el cornetín de pistones, no abandonó del todo el violín; de hecho, tomó clases con el maestro Tofte, quien había sido alumno del gran violinista Joseph Joachim. Gracias a su preparación técnica, Nielsen llegó a ser contratado como segundo violín en la Capilla Real de Copenhague, en donde trabajó intermitentemente entre 1886 y 1905, año en el que abandonó definitivamente ese puesto para dedicarse de lleno a la composición.

Nielsen inició la creación de su Concierto Op. 33 durante una visita a Nina Grieg, la viuda del gran compositor noruego, en cuya casa de Troldhaugen se hospedó. Un análisis de la partitura de la obra indica claramente que Nielsen poseía un conocimiento especial de los problemas técnicos y las capacidades expresivas del violín. Además, concibió la obra con la idea de dedicarla al famoso violinista danés Peder Møller, quien gozaba de una gran reputación por toda Europa.

En una de sus cartas, Nielsen escribió un interesante párrafo acerca de su Concierto para violín. Decía el compositor danés:

"El Concierto progresa lento pero seguro. La tarea es ciertamente difícil pero al mismo tiempo placentera. Esta debe ser música buena, pero también debe tomar en cuenta el desarrollo del instrumento y mostrarlo bajo la mejor luz posible: sólido, popular y brillante, pero sin llegar a lo superficial. Estos contrastes pueden y deben unirse y formar una unidad superior. Esta obra me causa una gran alegría."

La partitura del Concierto para violín de Carl Nielsen está fechada el 13 de diciembre de 1911, y el estreno de la pieza se realizó bajo condiciones tensas para el compositor. Resulta que Nielsen tenía por yerno a un buen violinista, llamado Emil Telmanyi, quien sintió celos de que su ilustre suegro no le hubiera dedicado a él su Concierto para violín. Nielsen, hombre sensible y generoso, comprendió bien los sentimientos de su yerno, pero siendo hombre de palabra, mantuvo la dedicatoria original de la obra para Møller. Así, un par de meses después de quedar concluido, el Concierto Op. 33 de Carl Nielsen fue estrenado en Copenhague, el 28 de febrero de 1912, con Møller como solista y la Real Orquesta Danesa bajo la batuta del compositor.

La obra fue muy bien recibida por el público y la crítica, y en los años subsecuentes Nielsen y Møller realizaron varias giras interpretando el concierto en diversos escenarios, siempre con éxito.

Respecto a la relación de Nielsen con el violín, vale la pena anotar que el Concierto Op. 33 es su única obra para violín con acompañamiento orquestal. Además de esta pieza, en el catálogo de Nielsen hallamos algunas sonatas para violín y piano, un dueto para dos violines, un Preludio, tema y variaciones para violín solo, y un Preludio y presto, también para violín solo. Y aunque Nielsen no volvió a componer para violín y orquesta, sí abordó la escritura concertante en otras dos ocasiones, componiendo dos conciertos realmente muy valiosos: uno para flauta, en 1926, y otro para clarinete, en 1928.

En el plano estrictamente anecdótico se sabe que este Concierto para violín fue la última obra suya que Nielsen escuchó. Ya muy enfermo y debilitado, el compositor oyó por radio, desde su cama de hospital, una interpretación de su Concierto para violín. Pocas horas después de esta audición a distancia, Carl Nielsen murió a los 66 años de edad.

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Preludio. Largo-Allegro cavalleresco
Poco adagio
Rondó. Allegretto Scherzando

Carl Nielsen (1865-1931)

Sinfonía No. 5, Op. 50

Sinfonía No. 5, Op. 50

Juan Arturo Brennan

He aquí el conflicto del hombre, en el que sus instintos progresivos y constructivos están en guerra con otros elementos (también humanos) que lo confrontan con la indiferencia e incluso con la hostilidad. Nielsen encontró que la mejor manera de reflejar este drama era en una obra en dos movimientos, el primero de los cuales habría de contener el centro del conflicto mismo y el segundo sería un* finale* que surgiera de las cenizas en un gran manantial de energía regenerativa. Este finale no estaría libre de dificultades, pero habría de ser finalmente irresistible.

Con estas palabras, el musicólogo Robert Simpson realizó una escueta descripción de la Sinfonía No. 5 de Carl Nielsen en uno de los capítulos de su libro Carl Nielsen, sinfonista, considerado como uno de los más importantes estudios sobre la música del compositor danés. Estas palabras de Simpson resultan particularmente interesantes porque el propio Nielsen no propuso ninguna intención programática o descriptiva para esta obra; en el párrafo citado arriba, el musicólogo inglés interpreta la Sinfonía No. 5 de Nielsen como una reacción a la Primera Guerra Mundial, postura discutible si se considera que Nielsen puso títulos descriptivos solamente a cuatro de sus seis sinfonías, presentando la Primera y la Quinta como obras cabalmente abstractas. He aquí el panorama:

Sinfonía No. 1 en sol menor Op, 7, 1890-1892
Sinfonía No. 2 Op. 16, Los cuatro temperamentos, 1901-1902
Sinfonía No. 3 Op. 27, Sinfonía expansiva, 1910-1911
Sinfonía No. 4 Op. 29, Lo inextinguible, 1914-1916
Sinfonía No. 5 Op. 50, 1921-1922
Sinfonía No. 6, Sinfonía simple, 1924-1925

Y en el contexto de esta cronología, quizá también podría discutirse la teoría de Simpson respecto a que la Quinta sinfonía de Nielsen es una reacción a la Primera Guerra Mundial, ya que el compositor inició la redacción de esta obra tres años después del fin del conflicto. En todo caso, es más verosímil la postura de Hugh Ottaway, otro destacado especialista en la música de Nielsen, quien afirma que su Quinta sinfonía es más bien una expresión de la preocupación del compositor ante los rumbos contradictorios y no siempre lógicos que la música (al igual que el resto de las artes) había tomado después del fin de la Primera Guerra Mundial. Dice Ottaway:

La Quinta sinfonía de Nielsen es su más penetrante obra maestra. Es la obra de un hombre a la mitad de sus años 50s y no tiene nada en común con las efímeras evasiones de los jóvenes y brillantes compositores de su tiempo. Uno puede percibir de inmediato que la Quinta es el clímax de un largo período de desarrollo, tanto en lo musical como en lo filosófico, y también que contiene el germen de muchas cosas nuevas. Se trata de una obra heroica y poderosa en la que la vena "trágica" --la necesidad de expresar piedad, compasión incluso desesperanza- nunca oscurece los temas involucrados. Esta es otra manera de decir que en la Quinta sinfonía Nielsen logró una notable unidad de forma y contenido. El resultado es una expresión directa, casi literal, que es peculiarmente suya.

Cabe señalar que aunque la estructura de la Quinta sinfonía de Nielsen pareciera estar diseñada en seis movimientos (o en cuatro, según se vea), la verdad es que, estrictamente, presenta solo dos, debido a que las distintas secciones de la partitura están ligadas de esta manera:

Tempo giusto -- adagio non troppo*

Allegro -- Presto -- andante un poco tranquillo -- Allegro

El propio Nielsen se encargó de dirigir el estreno de su Quinta sinfonía en Copenhague el 24 de enero de 1922. Un par de años después la obra se interpretó en Estocolmo bajo la dirección de Georg Schnéevoigt y en esa ocasión ocurrió un verdadero motín en la sala de conciertos. Las crónicas de la época afirman que después de increpar vehementemente a Nielsen, muchos oyentes abandonaron el recinto, incapaces de tolerar el uso intensivo, insistente y ciertamente obsesivo de la tarola y el clarinete en el primer movimiento. Esta presencia intrusiva, sobre todo de la tarola, se ha convertido en la característica más comentada y destacada de la Quinta sinfonía de Nielsen En la segunda sección de la obra, las preocupaciones formales de Nielsen se presentan a través la inclusión de algunos episodios fugados. La partitura de la Quinta sinfonía de Carl Nielsen está dedicada a Vera y Carl Johan Michaelsen.

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Tempo giusto
Adagio non troppo
Allegro -- Presto
Andante un poco tranquillo -- Allegro

Scott Yoo
Director(a)
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Scott Yoo

Director(a)

Scott Yoo es director principal y director artístico de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y director musical del Festival Mozaic. Es también anfitrión y productor ejecutivo de la nueva serie de PBS Now Hear This, primera serie sobre música clásica en la televisión estadounidense agendada para prime time en 50 años. Es director del festival de música de Colorado College y fundador del Medellín Festicámara, programa de música de cámara que reúne a artistas de talla mundial con jóvenes músicos desfavorecidos.

En el último año, el Mtro. Yoo dirigió la London Symphony Orchestra y la Royal Scottish National Orchestra en grabaciones para Sony Classical. Ha dirigido las sinfónicas de Colorado, Dallas, Indianápolis, Nuevo Mundo, San Francisco y Utah, y a la Orquesta de Cámara de St. Paul tanto en su festival propio, el Elliott Carter, como en su debut en el Carnegie Hall. En Europa ha dirigido la English Chamber Orchestra, la City of London Sinfonia, la Britten Sinfonia, la orquesta filarmónica de Radio Francia, el ensamble orquestal de Paris, la Odense Symphony y la Sinfónica Nacional de Estonia. En Asia el Mtro. Yoo ha dirigido la Orquesta sinfónica Yomiuri Nippon en Tokio, la Filarmónica de Seúl y Filarmónica de Busan en Corea.

Como defensor de la música de nuestro tiempo, Yoo ha estrenado 71 obras de 38 compositores. Con la orquesta de cámara Metamorphosen, grabó American Seasons de Mark O'Connor para Sony Classical; con la orquesta de cámara John Harbison, trabajando con la soprano Dawn Upshaw para Bridge Records, consiguieron la nominación al National Public Radio Performance Today; y los ciclos de canciones de Earl Kim con las sopranos Benita Valente y Karol Bennett para el sello New World, grabación que recibió el Critics Choice en el New York Times. Otros de sus proyectos de grabación incluyen la obra integral para orquesta de Earl Kim con la Orquesta Nacional de Irlanda RTE para el sello Naxos, las obras de Carter, Lieberson y Ruders, y el ciclo de conciertos para piano de Mozart.

Como violinista, Yoo se ha presentado como solista en la Boston Symphony, la Dallas Symphony, la San Francisco Symphony, la Colorado Symphony, la Indianapolis Symphony, la New World Symphony y la Orquesta de St. Luke's. También ha sido invitado a festivales de música de cámara en todo Estados Unidos, como el Bargemusic, el propio de la Boston Chamber Music Society, con la Chamber Music Society del Lincoln Center, el Kingston Chamber Music Festival, Laurel Music Festival, New Hampshire Music Festival y el Seattle Chamber Music Festival.

Tras comenzar sus estudios musicales a la edad de tres años, recibió el primer premio en el Concurso Internacional de Violín Josef Gingold en 1988, el Young Concert Artists International Auditions en 1989 así como la beca de carrera Avery Fisher en 1994. En 1993 fundó la orquesta de cámara Metamorphosen, que ha dirigido en los conciertos por suscripción en la Jordan Hall en Boston y en el Troy Savings Bank Music Hall en Troy, Nueva York; de gira también en lugares como Avery Fisher Hall y 92nd Street. 'Y' en Nueva York y la Biblioteca del Congreso en Washington.

Scott Yoo nació en Tokio y se crió en Glastonbury, Connecticut. Hijo de madre japonesa y padre coreano, asistió a la Universidad de Harvard, donde obtuvo la licenciatura. Estudió violín con Roman Totenberg, Albert Markov, Paul Kantor y Dorothy DeLay, y dirección orquestal con Michael Gilbert y Michael Tilson-Thomas.

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Grace Park
Violín
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Grace Park

Violín

Laureada por el San Francisco Chronicle como "fresca, diferente y estimulante", y por la revista Strings como "intensamente forjada y consolidada", la violinista Grace Park cautiva al público con su arte, pasión y virtuosismo. Ganadora del Concurso internacional de violín Naumburg 2018, se muestra como una solista dinámica y dedicada en su quehacer cotidiano y en la música de cámara.

Su siguiente temporada de conciertos, incluye su recital debut en el Carnegie Hall, la premiere mundial de la primera sonata para violín de Mason Bates, su concierto debut con las orquestas: Filarmónica de la Ciudad de México, la Des Moines Symphony y recitales en el Krannert Center, el Memorial Dame Myra Hess y la Merkin Concert Hall en Nueva York.

Park ha aparecido como solista, recitalista y músico de cámara en los Estados Unidos, Europa, Asia y Canadá en reonocidos espacios como el Walt Disney Hall, The Kennedy Center, el Rudolfinum en Praga, el Metropolitan Museum of Art, Jordan Hall y Tri-noon en la Universidad Rockefeller. Se ha presentado en festivales como Music @ Menlo, IMS Prussia Cove, festival Mozaic, Yellowbarn y Perlman Music Program, donde ha actuado con muchos de los artistas más famosos de la actualidad.

Docente devota y apasionada, Grace Park es alumnus del Ensemble Connect del Carnegie Hall y ha impartido clases magistrales y fungido como coach en el Conservatorio de Música de Cartagena, la Mannes School of Music, el Festival Mozaic, las universidades de Arkansas, Washington y Lee, la estatal de Dakota del Norte y el Skidmore College.

Nacida en los Ángeles, California, Park comenzó a tocar el violín a la edad de 5 años durante su formación en la Escuela de Música Colburn. Continuó sus estudios en el Conservatorio Colburn y el Conservatorio de Nueva Inglaterra para los títulos de bachillerato y maestría en Música. Entre sus principales maestros se encuentran Donald Weilerstein, Miriam Fried, Sylvia Rosenberg y Robert Lipsett. Al momento del a redacción de esta nota, reside en la ciudad de Nueva York.

Toca un instrumento de 1739 construido por Domenico Montagnana, préstamo de un patrocinador anónimo.

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