Mann/Justus: Chávez | Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México

Esta página documenta un concierto pasado.

Sábado, 16 de marzo, 18:00 horas
Sala Silvestre Revueltas CCOY

Domingo, 17 de marzo, 12:30 horas
Sala Silvestre Revueltas CCOY

PHILIP MANN, director
ADRIÁN JUSTUS, violín

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Obertura de la ópera Don Giovanni, K. 527

Obertura de la ópera Don Giovanni, K. 527

Juan Arturo Brennan

Pocas obras en la historia de la música han sido más analizadas, glosadas, comentadas, parafraseadas, imitadas y exploradas que la ópera Don Giovanni de Mozart, escrita sobre un libreto de Lorenzo Da Ponte, quien tomó como fuente primordial la legendaria figura del libertino Don Juan. Esta figura había hecho ya muchas apariciones en la literatura y el folklore de Europa, y de hecho, el Don Juan ya había sido trasladado al escenario de ópera, en particular a partir de un libreto escrito por Giovanni Bertati. A su vez, Da Ponte tomó como su modelo la obra de Tirso de Molina, El burlador de Sevilla, que es probablemente el texto más importante escrito sobre la legendaria figura.

En su forma original, el mito de Don Juan nos cuenta que este libertino, en el punto culminante de su prodigiosa carrera amatoria, seduce a una inocente muchacha y mata al padre de ella cuando éste intenta vengar la honra de su hija. Más tarde, Don Juan ve en el cementerio una estatua de su víctima y, socarronamente, la invita a cenar. Para su mayúscula sorpresa, la fantasmal aparición llega, efectivamente, a cenar, y de paso a llevarse a Don Juan al infierno. A partir de este esbozo narrativo, la figura mítica de Don Juan ha hecho su aparición en numerosas obras poéticas, dramáticas, narrativas, y musicales; la más notable de estas últimas es, sin duda, la magistral ópera de Mozart.

Después de asistir en Praga al exitoso estreno de su ópera Las bodas de Fígaro, K. 492, Mozart recibió otro encargo del empresario Pasquale Bondini, quien le ofreció cien ducados a cambio de una nueva ópera. En principio, la ópera debía estrenarse a mediados de octubre de 1787 en Praga, como un homenaje a la hermana del emperador José II, quien por entonces estaría de visita en la ciudad. Sin embargo, la partitura no estuvo lista en la fecha indicada, y en su lugar fue puesta en escena Las bodas de Fígaro en honor de tan ilustre dama. Como respuesta al encargo, Mozart compuso Don Giovanni, una de sus mejores óperas, y una de las grandes obras maestras del género. El libreto escrito por Lorenzo Da Ponte, estuvo basado en general en la leyenda de Don Juan como expresión y símbolo del libertinaje y la conducta desordenada regida por los apetitos carnales. De modo más particular, Da Ponte se basó en el libreto previo que Bertati había escrito para una ópera del compositor Giuseppe Gazzaniga. Como en ninguna otra de sus colaboraciones, Mozart y Da Ponte lograron en Don Giovanni una perfecta unidad entre música y drama, y una continuidad narrativa de la que muchas óperas carecen. Además, la música complementa de modo ideal cada situación dramática del libreto y los personajes están soberbiamente caracterizados. El libreto de Don Giovanni sigue con fluidez las aventuras del seductor Don Juan y su sirviente Leporello, y a través de la magistral partitura, Mozart y Da Ponte lograron estupendos retratos musicales y dramáticos de estos personajes y de los demás que completan el reparto de la obra: el Comendador, burlado y muerto por Don Juan; Doña Ana, la hija del Comendador; Doña Elvira, una de las numerosas conquistas de Don Juan; Zerlina y Massetto, novios campesinos; y Don Octavio, amante de Doña Ana. No es extraño, dada la perfección de esta ópera, que a lo largo del tiempo el Don Giovanni haya sido considerada como una de las más grandes óperas jamás escritas, y que innumerables críticos, musicólogos y comentaristas de todo tipo hayan dicho y escrito muchísimas palabras a su respecto, sin faltar, claro, los complejos tratados psicoanalíticos de rigor sobre los personajes y sus truculentas relaciones.

Entre las transformaciones diversas a las que el Don Giovanni de Mozart ha sido sometido en diversos medios, hay algunas que son particularmente interesantes, y que vale la pena mencionar:

Los fragmentos de la puesta en escena de Don Giovanni en la película Amadeus (Milos Forman, 1984), que además de ser visualmente muy ricos sirven para hacer interesantes observaciones sobre la relación entre Mozart y su padre, y entre el compositor y la muerte. Hacia el final de la película, una compañía de vodevil hace una divertida e irreverente parodia de la escena final del Don Giovanni, para gran regocijo de Amadeus.
La película Don Giovanni, versión cinematográfica de la ópera de Mozart, filmada por el director inglés Joseph Losey, con altos valores musicales y de producción.
La versión de la ópera, para piano y actrices, realizada en México por Jesusa Rodríguez y Alicia Urreta bajo el título de Donna Giovanni, en la que los sexos, los roles, las convenciones y los mitos son transformados, retrabajados y alterados en una forma muy interesante.

Respecto a la obertura de Don Giovanni, se puede decir que si bien en tiempos de Mozart todavía se acostumbraba escribir oberturas que no tenían relación musical alguna con sus respectivas óperas, ésta es una brillante excepción. La obertura inicia en un tono oscuro (el re menor original de la ópera) y pausado, y sus primeros compases anuncian la música de la dramática escena final de la ópera, cuando la estatua del Comendador se aparece, aceptando la invitación de Don Giovanni a cenar. Más adelante, la obertura presagia algunas frases musicales del diálogo entre Don Giovanni, Leporello y el Comendador en esa misma escena. Después de esta introducción, la obertura se desarrolla en un allegro muy compacto y bien orquestado, pero no demasiado extrovertido ni alegre, conservando la expresión dramática del inicio.

Esta genial ópera de Mozart, cuyo título original era Don Giovanni o el disoluto castigado, fue estrenada en el Teatro Tyl de Praga el 29 de octubre de 1787, y la puesta en escena fue supervisada personalmente por Mozart y Da Ponte. La historia registra que en una de las primeras funciones de Don Giovanni en la ciudad de Praga, entre el público se hallaba presente el gran libertino de su tiempo, el legendario Giacomo Casanova, quien quizá se vio reflejado en el escenario, y quien quizá tembló horrorizado ante la aparición del convidado de piedra que venía a llevarse al seductor al infierno.

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Carlos Chávez (1899-1978)

Concierto para violín y orquesta

Concierto para violín y orquesta

Juan Arturo Brennan

La mejor manera de abordar la elaboración de esta nota de programa hubiera sido tener una entrevista personal con Carlos Chávez. Ante la imposibilidad de hacerlo, tengo la fortuna de obtener la información necesaria de la segunda mejor manera posible...

Mientras por un amplio ventanal se filtra la última, enrojecida luz del atardecer, y en la lejanía se dibuja el pétreo perfil del Cerro del Tepozteco, escucho una grabación del Concierto para violín de Carlos Chávez, en la que el solista es Emanuel Borok, acompañado por Eduardo Mata al frente de la Orquesta Sinfónica de Dallas. La audición de esta grabación es complementada por la siempre cálida presencia de Eduardo Mata (1942-1995) quien, partitura en mano, me guía a través del poderoso discurso musical de su maestro. Es difícil hallar en México a alguien que conozca mejor la música de Carlos Chávez que Eduardo Mata, de modo que la audición del concierto en estas condiciones resulta sumamente reveladora. De entrada, aprendo que si bien la obra se toca como un solo movimiento continuo, de hecho está claramente dividida en secciones, nueve de ellas para ser exactos. Lo interesante de esta división es que Chávez se la planteó como un reto estructural de grandes alcances, que tiende sobre todo a la simetría. Así, una forma muy sencilla de esquematizar este concierto sería la siguiente:

A-B-C-D-X-D-C-B-A

En este esquema, los elementos A, B, C y D son, respectivamente, una introducción, una sección rápida, una sección lenta y un scherzo, mientras que el elemento X es una extensa, compleja cadenza para el violín solo. Así, Chávez ha construido su Concierto para violín de manera que la primera y la segunda partes son simétricas, siendo la segunda un espejo de la primera y con la cadenza a la mitad como elemento de equilibrio. Para más señas, los temas de la segunda parte (el espejo) aparecen invertidos en relación a su primera aparición en la obra. Lo más interesante de esta singular estructura musical está en el hecho de que el artificio formal que me ha explicado Eduardo Mata no es evidente para el oído, de modo que la obra fluye naturalmente, y sólo el estudio atento de la partitura permite desentrañar el proceso constructivo aplicado por Chávez en su Concierto para violín.

Desde el punto de vista del que escucha, esta obra se mueve en un ámbito sonoro permanentemente tenso, de una intensidad poco común. La tensión es generada, sobre todo, por el inteligente empleo que hace Chávez de la politonalidad, mientras que la intensidad expresiva de la obra es explicada así por el propio compositor:

El violín es un instrumento cantante, pero también puede ser percusivo. Depende de la manera en que el arco trata a las cuerdas, ya sea deslizándose suavemente o golpeándolas nerviosamente. Ambas formas son válidas y cada una corresponde a un modo distinto de expresión. En este concierto lo que hay es fundamentalmente música cantabile.

Es interesante notar asimismo que si bien el violín solista se mueve casi permanentemente en esa dinámica expresiva a la que alude Chávez, la orquesta propone en general un acompañamiento contrastante, lleno de momentos percusivos, y de gran solidez. Como excepciones muy notables a este planteamiento cabe señalar el solo de corno que precede a la cadenza y el solo de oboe que la sucede. Siguiendo el plan de construcción en espejo de este concierto, el solo de oboe es como el espejo del solo de corno; mientras el de corno se mueve en un ambiente casi pastoral, el de oboe se mueve en un terreno melódico y armónico más austero. Este es apenas uno de los muchos ejemplos de que Chávez abordó en su Concierto para violín la construcción simétrica sin aplicarse una camisa de fuerza musical, sino con la inteligencia y flexibilidad necesarias para redondear satisfactoriamente el discurso sonoro.

Desde el punto de vista vocacional, el origen de esta obra puede hallarse en el aprecio de Chávez por el violín, instrumento del que le gustaba no sólo su sonido sino también su aspecto y sus sugestivas formas curvilíneas. Desde el punto de vista práctico, el Concierto para violín surge de un encargo hecho a Chávez por Murray D. Kirkwood, hombre de negocios de Nueva York, para la violinista Viviane Bertolami. Al abordar la realización de la obra, Chávez rescató algunos temas para el violín que se le habían ocurrido un par de años antes, en 1945, durante un largo viaje en tren. La idea principal de la obra fue descrita así por Chávez:

Quise aprovechar la ilimitada flexibilidad y virtuosismo del violín para dar forma a una arquitectura musical diferente y algo atrevida.

Chávez trabajó en el Concierto para violín entre 1947 y 1950, y a medida que progresaba el trabajo, iba enviando trozos de la obra a Viviane Bertolami, quien, según sus propias palabras, soportó la larga espera con la convicción de que la obra estaba destinada a ser una pieza de capital importancia en el repertorio violinístico. El Concierto para violín y orquesta de Carlos Chávez se estrenó el 29 de febrero de 1952, en el Teatro de Bellas Artes, con la Orquesta Sinfónica de México dirigida por el compositor, y actuando como solista Viviane Bertolami, quien por cierto era la esposa de Mr. Kirkwood.

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Piotr Ilyich Chaikovski (1840-1893)

Sinfonía No. 5 en mi menor, Op. 64

Sinfonía No. 5 en mi menor, Op. 64

Juan Arturo Brennan

No deja de ser curioso el hecho de que a medida que pasa el tiempo las obras musicales más duramente criticadas con motivo de su estreno resultan ser las más gustadas por el público y, a la larga, incluso por la crítica. Desde que la crítica musical comenzó a ser ejercida en forma sistemática allá por los tiempos de Ludwig van Beethoven (1770-1827), uno de los compositores más atacados por los críticos ha sido Piotr Ilyich Chaikovski. Esto no deja de ser muy significativo si consideramos que en la actualidad la música de Chaikovski es casi universalmente apreciada dondequiera que se hace música de concierto. Hoy, la Quinta sinfonía de Chaikovski es considerada como una de sus obras maestras, superior incluso a la a veces incomprendida Patética, y sin embargo, en su tiempo, la obra fue duramente castigada por los críticos, como casi toda la producción de Chaikovski.

En el verano de 1888, después de casi diez años de no producir ninguna obra sinfónica importante, Chaikovski se decidió de nuevo a abordar la empresa de componer una sinfonía. En una carta dirigida a su benefactora Nadezhda von Meck el compositor afirmaba que el impulso de componer su Quinta sinfonía nacía, ante todo, de la necesidad de probarse a sí mismo que aún no estaba agotado y acabado como compositor. Como en el caso de muchas otras de sus obras, Chaikovski acometió la composición de esta sinfonía lleno de dudas y cuestionamientos. A pesar de ello, trabajó rápidamente en la nueva sinfonía y la terminó en el breve lapso de tres meses; el compositor dedicó la partitura al músico y profesor alemán Theodor Avé-Lallemant.

La Quinta sinfonía fue estrenada en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo el 17 de noviembre de 1888, bajo la batuta de Chaikovski; poco después, fue repetida en la misma ciudad y luego fue estrenada en Praga. Desde entonces los críticos volcaron su ira en contra de la obra. ¿Y quién fue el primer crítico feroz de esta sinfonía que hoy es tan popular? Nada menos que Piotr Ilyich Chaikovski. Después de la ejecución de la obra en Praga, el compositor escribió a la señora Von Meck:

He llegado a la conclusión de que mi Quinta sinfonía es un fracaso. Hay algo repelente, superfluo, irregular y poco sincero, y el público lo reconoce instintivamente. Fue obvio para mí que las ovaciones que recibí fueron debidas más a mis anteriores obras, y que la sinfonía no agradó realmente al público.

El paso del tiempo probó que esta vez Chaikovski se equivocaba respecto a su propia obra. Muchos analistas han comparado esta Quinta sinfonía con la más famosa de las quintas, la Quinta sinfonía de Ludwig van Beethoven (1770-1827), por el hecho de que en ambas es perceptible el mismo concepto estético y humano de la victoria a través de la lucha. Así como la Quinta sinfonía de Beethoven nace y crece, se reproduce y permanece, a partir de su fogoso tema inicial, la Quinta sinfonía de Chaikovski está caracterizada por el tema con que comienza el primer movimiento, expresado por los clarinetes en forma solemne y reflexiva. Este tema vuelve al primer plano una y otra vez a lo largo de la sinfonía, como una idea fija a través de la cual el compositor trató, quizá, de reafirmar sólidamente su presencia en el mundo de la música. Este tema inicial cobra particular importancia estructural y expresiva en el último movimiento de la sinfonía. Como en otras obras suyas, Chaikovski pareció dar gran importancia al elemento fatal en esta obra. En uno de sus comentarios sobre la sinfonía, el compositor dijo que su Quinta sinfonía representaba “la total sumisión ante el destino, o lo que es lo mismo, ante los insondables decretos de la Providencia.”

Respecto a las críticas dedicadas a la obra, hay que señalar como dato interesante que durante las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del XX, una gran parte de los textos escritos sobre las obras de los compositores rusos incluían comentarios de tipo claramente étnico, cuando no francamente racista; es evidente que la Europa Occidental y los Estados Unidos no estaban preparados en ese entonces para aceptar el temperamento eslavo claramente expresado en la música. En 1889 apareció en el periódico Musical Courier de Nueva York una crítica sobre la Quinta sinfonía de Chaikovski, en estos términos:

La Quinta sinfonía de Chaikovski fue una desilusión. Busqué en ella, inútilmente, la coherencia y la homogeneidad. El segundo movimiento mostró lo mejor de este excéntrico ruso, pero el Valse fue una farsa, un trozo de papilla musical, un lugar común, mientras que en el último movimiento el compositor fue traicionado por su sangre de origen kalmuko: una masacre, terrible y sangrienta, se apropió de la tormentosa partitura.

Este tipo de referencias al origen eslavo de Chaikovski son, en perspectiva histórica, sumamente interesantes, si recordamos que, para horror de sus colegas, él fue el compositor ruso de su generación más orientado hacia la música occidental. Es decir que, a pesar de los insultos racistas de los críticos, es claro que la sangre rusa de Chaikovski estuvo siempre diluida con un poco de sangre francesa heredada de su madre, cuyo apellido de soltera era Assier. Para la trivia etnográfica, queda el dato de que los kalmukos son miembros de un pueblo de origen mongol que quedó concentrado básicamente en la ex – república soviética de Kalmykia.

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Andante - Allegro con anima
Andante cantabile con alcuna licenza
Valse: Allegro moderato
Finale: Andante maestoso - Allegro vivace

Philip Mann
Director(a)
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Philip Mann

Director(a)

Reconocido por la BBC como “un talento que merece ser observado por la gran madurez de su expresión”, el joven director de origen estadounidense Philip Mann está siendo rápidamente apreciado como un artista de una "expresión elegante y apasionada”, con una amplia gama de repertorio sinfónico, que además incluye ópera, música nueva y colaboraciones experimentales.

Ha sido merecedor de importantes becas en Europa, como la beca Rodhes Scholar, la beca Karajan de la Filarmónica de Viena del Festival de Salzburgo y la beca American Conducting Fellowship.
En el 2017, el sello discográfico Decca lanzó su colaboración de Brahms con la Orquesta Sinfónica de Londres y el pianista Norman Krieger logrando una gran ovación.
Bajo su dirección musical, la Sinfónica de Arkansas en Estados Unidos ha experimentado un gran crecimiento artístico, con mayor audiencia a sus programas, construcción de nuevas salas de conciertos, reconocimiento nacional por innovación y liderazgo y gran expansión de su actividad a nivel estatal. Sus próximos compromisos incluyen l'Orchestre Philharmonique de Radio France, Royal Scottish National Orchestra, Sofia Philharmonic, National Radio Orchestra de Romania y Voronezh Philharmonic, además de diferentes participaciones con orquestas, óperas y festivales importantes de Europa, Estados Unidos y Asia. Recientemente dirigió la Opera Estatal de Georgia, la Filarmónica de Busan, la Sinfonía Nacional de Chipre, la Sinfónica de Phoenix, la Sinfónica de Sarasota, la Sinfónica de Grand Rapids, entre otras. Previamente fue el director musical de Oxford City Opera y Oxford Pro Musica Chamber Orchestra, también ocupó cargos de dirección en la Sinfónica de San Diego, Sinfónica de Indianápolis, Music in the Mountains Festival y, mas recientemente, el Batumi International MusicFest.

Thomas Mann se ha presentado como director asistente con The Cleveland Orchestra, Berlin Philharmonic, Vienna Philharmonic y Royal Concertgebouw Orchestra. Promovido dos veces en la Sinfonía de San Diego a Director Asociado, Mann ha dirigido cientos de conciertos con gran acogida. El periódico Union Tribune de San Diego describió su dirección de Strauss, Debussy y Mozart como "magistral ... un experto arquitecto musical, Mann elaboró una interpretación impecable, la música parecía tener vida propia, como si no proviniera de seres humanos”. Su debut en Canadá con la orquesta sinfónica de Québec fue descrito por el periódico Le Soleil como un "Tour de Force,"el cual fue acogido inmediatamente.
En su país natal es admirado por su extenso conocimiento del canon musical y por sus colaboraciones con artistas destacados, ha dirigido estrenos mundiales de obras de compositores contemporáneos como John Corigliano, Michael Torke, Jennifer Higdon, Christopher Theofanidis y Samuel Adler. Ha asistido a importantes artistas como Franz Welser-Möst, Simon Rattle, Leonard Slatkin, Jaime Laredo, Mario Venzago, Bramwell Tovey y Pinchas Zukerman.
Thomas Mann se ha desempeñado como destacado alumno y maestro en la Universidad de Oxford y en la Universidad de Indiana.

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Adrián Justus
Violín
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Adrián Justus

Violín

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Ausente, al menos más de lo que quisiéramos en las salas mexicanas, el concierto para violín de Chávez es ejecutado por Justus, bajo la conducción de Philip Mann.

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