La historia de Romeo y Julieta, tal y como fue escrita originalmente por William Shakespeare y como ha sido transformada, retrabajada y reinterpretada a lo largo de los siglos por artistas de diversas disciplinas, es sin duda una de las tragedias de valor universal que más han conmovido a sus intérpretes y al público. El mundo de la música no ha sido ajeno a la fascinación ejercida por los malogrados amantes de Verona, y diversos compositores han puesto en música la historia de Romeo y Julieta. Además de la obertura-fantasía de Chaikovski, tenemos una sinfonía dramática de Héctor Berlioz (1803-1869), un ballet de Sergei Prokofiev (1891-1953), una ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835) y varias otras obras sobre el tema.

Reducida a su esencia mínima, la historia contada originalmente por Shakespeare es la simplicidad misma: Romeo y Julieta se quieren, pero su amor es obstaculizado por sus respectivas familias, los Montesco y los Capuleto, que se odian a muerte desde tiempo atrás. Los dos jóvenes, con ayuda de un fraile amigo, fabrican un plan para engañar a sus familias y consumar su pasión. La suerte interviene, echa por tierra sus planes, y ocasiona la muerte de ambos. Al final, las familias enemigas se reconcilian.

Es fácil ver que lo narrado por Shakespeare es de una validez tal que a lo largo del tiempo ha trascendido fronteras, ideologías, idiomas y clases sociales: los siglos, los países, las ciudades de toda la historia, han estado llenos de Romeos y Julietas enamorados trascendentalmente, y de Capuletos y Montescos peleados a muerte. De ahí la atracción universal de esta obra maestra del teatro, y de ahí el interés que revisten las diversas piezas musicales que sobre ella se han compuesto.

No deja de ser significativo el hecho de que la fama y la popularidad de la música de Chaikovski se deben en parte al hecho de que fue probablemente el menos ruso de los compositores rusos. En este sentido vale la pena recordar que mientras el Grupo de los Cinco (Balakirev, Borodin, Cui, Mussorgski, Rimski-Korsakov) pugnaba por mantener y difundir el carácter auténticamente ruso de la música de concierto, Chaikovski se mantuvo al margen de ellos, y siguió sus propias inclinaciones musicales, que ciertamente estaban más inclinadas a lo europeo que a lo eslavo. Es por ello que llama la atención el hecho de que la idea original para la composición de Romeo y Julieta haya sido sugerida a Chaikovski por Mili Balakirev (1837-1910), guía e inspiración del famoso Grupo de los Cinco. Se dice que además de la sugerencia de Balakirev hubo otro personaje que influyó notablemente en el desarrollo musical de esta obertura-fantasía. En el año de 1868 Chaikovski se enamoró de una cantante belga llamada Desirée Artot, y el asunto creció a tal grado que llegaron a estar comprometidos. Sin embargo, la cantante acabó por casarse con otro hombre, para gran contrariedad de Chaikovski. Para esas fechas el compositor aún no había asumido plenamente su condición homosexual, por lo que el fracaso de su compromiso con Desirée Artot le afectó profundamente. Un año después, a instancias de Balakirev, el compositor comenzó a trabajar en Romeo y Julieta, y la fuente de inspiración para esta música sobre un amor imposible fue su propio amor imposible por la cantante belga. La primera versión de la obertura-fantasía Romeo y Julieta fue terminada por Chaikovski en 1870 y se estrenó en marzo de ese mismo año bajo la dirección de Nicolás Rubinstein. Una década después, hacia 1880, Chaikovski revisó la partitura de la obra y le hizo algunas alteraciones, al mismo tiempo que trabajaba en su Obertura 1812.

Como música programática, la obertura-fantasía es relativamente simple en su desarrollo narrativo. La introducción, solemne y de carácter casi religioso, parece describir a fray Lorenzo, amigo y cómplice de Romeo y Julieta. La sección tormentosa que sigue nos pinta el ancestral feudo entre los Capuleto y los Montesco, y a ésta le sigue la sección más romántica de la obra, el famoso tema de amor que describe la relación entre los amantes. Después, otra sección agitada que describe la tragedia generada por la intolerancia. Finalmente, la muerte de los jóvenes amantes y el fin de la historia. Uno de los hallazgos musicales más notables de Chaikovski en esta obra es el uso alternativo de dos acordes disonantes, irreconciliables, que simbolizan el amor imposible de los protagonistas. En su momento, sin embargo, este inteligente recurso armónico fue duramente atacado, entre otros por el crítico vienés Eduard Hanslick, quien afirmó que el empleo de esos dos acordes era como la fricción de un cuchillo afilado contra un vidrio. Considerando que hoy en día nadie se asusta con el par de acordes disonantes de Romeo y Julieta, la observación de Hanslick indica que nadie es profeta en su propio tiempo.

La historia de la música es venturosamente rica en ejemplos de compositores y ejecutantes cuya vocación y trayectoria han sido influidas directamente por haber nacido, vivido o estudiado en alguna ciudad particular. Uno de esos ejemplos, muy reciente, es el del francés Emmanuel Séjourné. Su ciudad natal es Limoges, y si Séjourné hubiera permanecido ahí, quizá hoy lo conoceríamos como un famoso y admirado diseñador y fabricante de porcelanas. Pero no. La vida lo llevó temprano a Estrasburgo, y cuando en el ámbito musical se menciona esta ciudad, la asociación es inmediata: percusiones, percusiones, y más percusiones. La razón es histórica y es de peso: el más importante ensamble de percusiones que existe es, hasta que alguien demuestre lo contrario, Las Percusiones de Estrasburgo. Dicho de otra manera: es casi imposible para un músico pasar por esta ciudad y no recibir la benéfica influencia percusiva de ese formidable grupo. Así le ocurrió a Séjourné, quien después de estudiar materias diversas (incluyendo el violín y el piano) en el Conservatorio de Estrasburgo, fue a dar a la clase de Jean Batigne, hecho que lo marcó para siempre. Resulta que Jean Batigne fue el fundador de Las Percusiones de Estrasburgo. Así, al paso del tiempo, Séjourné se convirtió en un percusionista de alto nivel, hecho que evidentemente ha marcado de manera decisiva su catálogo como compositor. Este catálogo, sin embargo, no se limita a la percusión ni mucho menos; hay en él obras para muchos otros medios y, hablando de medios, resulta que Emmanuel Séjourné ha escrito música para danza, para teatro y para televisión. La cercanía del compositor/percusionista con diversas manifestaciones escénicas queda demostrada, por ejemplo, en una de sus obras más relevantes: Planeta Teclados, un espectáculo que le fue encargado por el Festival Grame para el grupo Teclados de Percusión de Lyon, y que ha sido puesto en escena cientos de veces.

La región del catálogo de Emmanuel Séjourné que se refiere a la música concertante es rica en obras con percusiones protagónicas, como era de esperarse. La lista incluye el Concierto GOTAN para cuatro marimbas, el Doble concierto para marimba y vibráfono, el Concierto Magallanes para percusión y cuerdas, el ConCerto Fuoco para marimba/(percusión y banda, el Concierto Copa América para multipercusión y orquesta sinfónica, el Concierto para tres percusiones y banda de metales, el Concierto para vibráfono y cuerdas, y la que probablemente sea su obra más difundida en este rubro, el Concierto para marimba y curdas que escribió originalmente en el año 2005.

De manera general, puede decirse que el Concierto para marimba y cuerdas de Séjourné está caracterizado por una expresión neo-romántica, sazonada aquí y allá con algunos gestos y armonías que parecen provenir del mundo del jazz, y algunas fugaces pinceladas de elementos más modernos. En el contexto de la combinación de todo ello, el segundo movimiento de la obra, designado como Tempo souple, resulta especialmente atractivo, con su ambiente evocador y sus sugestivas armonías.

Nada hay de extraño en que se consignen dos fechas de este Concierto para marimba y cuerdas: 2005 y 2015. Ello se debe a que el compositor escribió la primera versión en solo dos movimientos, y años después revisó la obra y realizó una versión definitiva de la partitura, añadiendo un movimiento más, que es el que ahora ocupa el primer lugar. Los nombres de los movimientos en castellano son: Con fuerza, Tempo flexible, y Rítmico, enérgico. La primera versión se estrenó en Linz en julio de 2005, y la segunda en Bucarest en abril de 2015. Este Concierto para marimba y cuerdas fue escrito por Séjourné por encargo del experto marimbista rumano Bogdan Bacanu, quien estrenó la obra y más tarde la grabó en un CD acompañado por Cristian Mandeal al frente de la Orquesta Sinfónica Rumana. Para aquellos interesados en los puntos finos de la ejecución instrumental, valga el comentario de que este concierto no se toca en cualquier marimba, de cualquier manera. Su ejecución requiere una marimba de concierto de cinco octavas, y se toca a cuatro baquetas. Se dice, en diversas fuentes, que el de Emmanuel Séjourné es el concierto para marimba interpretado con mayor frecuencia en el mundo. Como tantas otras obras concertantes de la era moderna, el Concierto para marimba y cuerdas de Emmanuel Séjourné existe en otras versiones: la tradicional reducción para marimba y piano, y un arreglo para marimba y banda de alientos realizado por Jordan Gudefin.
Para concluir cerrando elegantemente un ciclo, estrasburgués, cabe mencionar que Emmanuel Séjourné es un respetado pedagogo, y que su actividad docente se concentra en el Conservatorio de Estrasburgo y la Academia Superior de Música de Estrasburgo.

En una espléndida edición de las obras completas del gran dramaturgo inglés William Shakespeare (1564-1616), publicada en Nueva York en 1937 por Walter J. Black, hallamos a manera de introducción el resumen de la trama de cada una de sus obras dramáticas. Cada resumen lleva un epígrafe, seleccionado por el editor, y tomado del texto mismo de la obra. En el caso de Romeo y Julieta, el epígrafe dice así:

                       >¿Qué hay en un nombre? Aquello que llamamos una rosa,
                       Por otro nombre aún tendría el mismo dulce aroma.

Esta cita pertenece a la segunda escena del segundo acto de una de las tragedias más universalmente conocidas en la historia de la literatura y el teatro. El diálogo citado forma parte de la famosa escena del balcón, el encuentro violentamente apasionado entre Romeo y Julieta, amantes desdichados, condenados a un triste destino. Sin darse cuenta todavía de la presencia de Romeo bajo su balcón, Julieta habla:

                       >Es sólo tu nombre el que es mi enemigo
                        Pero tú eres tú mismo, no un Montesco
                        ¿Qué es un Montesco? No es la mano, ni el pie
                        Ni el brazo, ni el rostro, ni parte alguna
                        De un hombre. ¡Oh, si fueras otro nombre!
                        ¿Qué hay en un nombre?.....

A lo que se refiere Julieta es al triste hecho de que su familia, la de los Capuleto, es enemiga mortal de la familia de Romeo, los Montesco. Esa añeja rivalidad les impide un amor abierto y libre, y finalmente ha de conducirlos a la desgracia.
Como otras obras de Shakespeare, la trágica historia de los infortunados amantes de Verona ha sido fuente de inspiración para creadores de otras disciplinas, entre ellas la música. Vincenzo Bellini (1801-1835) escribió en 1830 su ópera Los Capuleto y los Montesco; Héctor Berlioz (1803-1869) compuso una sinfonía dramática (como una ópera sin actuación, ni vestuario, ni escenografía) titulada Romeo y Julieta; Piotr Ilyich Chaikovski (1840-1893) creó en 1870 su obertura-fantasía Romeo y Julieta. Era evidente que una historia tan conocida y de atractivo tan universal, que podía ser tocada, cantada y actuada, no tardaría mucho en ser bailada.

Sergei Prokofiev abordó la composición de su ballet Romeo y Julieta a partir de un encargo del Ballet Kirov de Leningrado. El compositor se dedicó a la elaboración de la partitura en el año de 1935, en la casa de descanso del Teatro Bolshoi cercana a la localidad de Tarusa, a orillas del río Oka. La música de este ballet le ocasionó a Prokofiev muchos dolores de cabeza. El Ballet Kirov le rechazó la partitura original, y lo mismo hizo el Ballet Bolshoi. Los directores de ambas compañías de danza calificaron la música de Prokofiev como imposible de bailarse. Esto no es de extrañarse; lo mismo dijeron coreógrafos y bailarines sobre el Dafnis y Cloe de Maurice Ravel (1875-1937), sobre La consagración de la primavera de Igor Stravinski (1882-1971), y sobre muchas otras músicas de danza que hoy son indispensables en el repertorio coreográfico moderno.

El estreno del ballet Romeo y Julieta tuvo que realizarse fuera de Rusia, debido al rechazo de las principales compañías de danza de la Unión Soviética, y se llevó a cabo en la ciudad checoslovaca de Brno el 30 de diciembre de 1938. A partir del estreno, Prokofiev revisó repetidas veces la partitura, haciendo cambios sustanciales a su música. Finalmente, un par de años después, el ballet fue estrenado en la patria de Prokofiev, en el Teatro Kirov, el 11 de enero de 1940, con la coreografía de Leonid Lavrovski, ante la cual Prokofiev no quedó muy satisfecho. A manera de antecedente histórico, es preciso mencionar que la música de Romeo y Julieta, sin danza, se había estrenado en Moscú en un concierto sinfónico del 24 de noviembre de 1936. A pesar de los conflictos ocasionados por su Romeo y Julieta, es claro que Prokofiev mantuvo siempre un especial interés en esta partitura. En el año de 1937 extrajo de su ballet diez piezas que transcribió para piano. Antes, en 1936, Prokofiev había condensado su ballet en dos suites distintas, cada una de siete movimientos, y diez años después, en 1946, realizó una tercera suite orquestal, de seis movimientos.
Sobre su música para el ballet Romeo y Julieta, Prokofiev escribió lo siguiente:

He tomado especial cuidado para lograr una simplicidad que, espero, llegará al corazón de quienes escuchan la obra. Si la gente no encuentra emoción y melodía en esta obra mía, me dará mucha pena, pero estoy seguro de que, tarde o temprano, las hallarán.

En efecto, después de los rechazos sufridos inicialmente, el ballet Romeo y Julieta de Prokofiev fue incorporado al repertorio permanente del Ballet Kirov y del Ballet Bolshoi, y se realizó una película a colores sobre el ballet, con Galina Ulanova en el papel de Julieta. Y en efecto, la gente muy pronto encontró la emoción y la melodía en esta sólida partitura de Prokofiev.