Estudió composición y teoría de la música en el CIEM. Es licenciado en teoría, literatura y crítica de la música y composición por el Trinity College de Londres y tiene el título de maestro por el Conservatorio de Rotterdam, Holanda. Ha compuesto música de concierto, para danza y cortometrajes que ha sido interpretada en México, Holanda, Reino Unido, Grecia y Japón y Estados Unidos, por ensambles como el Asko-Schoenberg o Lontano y que le ha valido premios y distinciones como el 2° lugar en el Concurso Internacional Senzoku, organizado por la Sociedad para la Música Contemporánea de Japón, una mención del jurado en el Concurso Carl Von Ossietzky en Alemania, y las becas Jóvenes Creadores y para Estudios en el Extranjero del Fonca. Actualmente trabaja como compositor y maestro independiente y es candidato a doctor por el King’s College de Londres.

Figuraciones

La obra es una exploración libre sobre las posibilidades narrativo-musicales del género de la variación en el medio sinfónico. En estas variaciones no hay un tema, una melodía o un motivo fácilmente reconocible que sea sometido a evidentes procesos de transformación; en su lugar, múltiples personajes musicales con un marcado carácter, pero definidos aquí de una manera mucho más ambigua, son transformados simultáneamente para crear una forma dramática, en la que el escucha descubre e interpreta sus distintas cualidades y tendencias -lo que los define distingue y relaciona- a partir de escuchar sus cambios, interacciones y reiteraciones en el transcurso de la pieza, tal como sucede en otros géneros narrativos como la literatura o el cine.

Víctor Rasgado, proveniente de una familia con raíces musicales en el estado de Oaxaca, comienza sus estudios de piano a los seis años y posteriormente composición en la Escuela Nacional de Música, y en el Centro de Investigación y Estudios Musicales en México. En 1984 estudia en la Royal School of Music (Inglaterra), y en Italia de 1985 a 1993, en las siguientes instituciones: Conservatorio G. Verdi de Milán, Academia Chigiana de Siena y Academia de Alto Perfeccionamiento Lorenzo Perosi de Biella (Italia). Sus principales maestros e influencias han provenido de María Antonieta Lozano y Franco Donatoni.

Durante su carrera ha obtenido apoyos económicos y becas del INBA, SEP, FONCA, (México), IILA AcademiaChigiana, (Italia), UNESCO-Gaudeamus (Holanda), Arts International (EUA); y ha sido ganador del primer lugar en cuatro concursos internacionales de composición OLYMPIA (Grecia-1993), ALFREDO CASELLA (Italia- 1993), IBEROAMERICANO (España-1992), y ORPHEUS (Italia-1994). En este último su ópera "Anacleto Morones" con libreto del cuento homónimo de Juan Rulfo, fue premiada, publicada y estrenada en Spoleto Italia, siendo el compositor Luciano Berio, presidente del jurado internacional.

Sus obras abarcan los géneros de ópera, música sinfónica, música electroacústica, ballet, obras de cámara y para instrumentos solistas, han sido grabadas en México e Italia y publicadas principalmente por Ediciones Mexicanas de Música y Ricordi-Italia. Fue miembro fundador en Italia del Ensamble Sones Contemporáneos, y organizó en México los cinco Cursos Internacionales de Composición "Franco Donatoni" (1993-98), de quien fue su asistente. Ha sido distinguido con la Medalla Mozart y como Creador Artístico del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México

Sus composiciones han sido estrenadas en foros y festivales en varias partes del mundo, sobresalen las presentaciones de sus óperas en el Festival Internacional Cervantino, Versalles en Francia, Spoleto en Italia, Smithsonian en Washington, Teatro Macedonio Alcalá en Oaxaca, Ilkhom Theatre en Uzbekistan, y el estreno de obras en el Palacio de Bellas Artes, Foro de Música Nueva, (México), Festival Spaziomusica, Accademia Chigiana di Siena, Antidogma Musica, Nuove Sincronie, (Italia) Netherlands KamerOpera Festival, PROMS-Festival, Concertgebow, (Países Bajos), Festival “Sonidos de las Americas”, Carnegie Hall, Mexican Contemporary Music Festival, (USA), así como en Argentina, Colombia, España, Francia, Ucrania, Bélgica, Suecia, Uzbekistan y Finlandia. Ensambles y orquestas como “La Camerata de las Américas”, “Nederlands Vocaal Laboratorium”, “San Diego Chamber Orchestra”, “Icarus Ensemble”, “Guildhall Chamber Orchestra and Choir”, "Omnibus Laboratorium", entre otros, han dedicado programas enteros a la interpretación de sus obras.

Actualmente, Víctor Rasgado participa también en diversas iniciativas dedicadas a la difusión y pedagogía de la música contemporánea. Es fundador y director del Taller de Creación Musical de Oaxaca (2004 a la fecha) y tiene a su cargo el taller de composición del Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM) y la dirección artística del Festival Eduardo Mata en Oaxaca. Como complemento a su actividad musical, obtuvo la Licenciatura en Historia en la Universidad Autónoma Metropolitana de México, donde fue distinguido con la medalla al Mérito Universitario finalizando sus estudios con una tesis sobre el Nacionalismo Musical Mexicano. Es Miembro activo del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

La obra, esta basada en un ejercicio de composición, originalmente pensado para piano solo, y que, utilizando un mecanismo simple de lectura del material musical, provoca pulsaciones rítmicas constantes e irregulares. Con el tiempo me he dado cuenta que hay ideas musicales efectivas que pueden llegar a tener muchas formas de expresarse. Estas ideas a veces son frases musicales, o mecanismos numéricos de composición, algunas tienen posibilidades de relectura que como material musical pueden generar obras muy distintas con un mismo material.  Este es el caso de esta obra sinfónica. Estrenada en Oaxaca, durante el Festival Eduardo Mata 2015 por la Sinfónica de Oaxaca, bajo la batuta de Juan Trigos. Está dividida en dos partes ininterrumpidas, y fue concebida con el interés de crear una obra de carácter rítmico que al mismo tiempo explore algunos de los recursos instrumentales de la tuba.

En el año 2005, siempre ocupada, llena de encargos y proyectos, la compositora mexicana Gabriela Ortiz escribió, entre otras obras, Trifolium, para el Trío de Las Américas y El águila bicéfala para el Ensamble Ónix. Al inicio del 2006, y como ocurre con tantos otros compositores, Gabriela Ortiz se enfrentó a algunos encargos que tenían como tema la celebración del primer cuarto de milenio del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Del primero de estos encargos surgió una obra para cuarteto de cuerdas titulada Aroma foliado: gesto deMozart, dedicada al Cuarteto Latinoamericano, que la estrenó en la ciudad de San Diego, California, el 27 de mayo del 2006, en el contexto del festival Mainly Mozart. El segundo encargo mozartiano fue una obra para la Orquesta Sinfónica de Minería, y la compositora afirma que, tan distintas como son, ambas obras parten de su personal visión de los procesos compositivos de Mozart, así como de su percepción de ciertos elementos muy mozartianos como la fluidez, la libertad, el espíritu lúdico en la composición, la expresión cantabile. De manera más específica, Gabriela Ortiz se refiere a un interesante punto de arranque para este par de obras interconectadas. En el 2005, conoció una obra plástica singular: Todos los pétalos de El sentido del olfato de Jan Brueghel el Mayor, realizada en el 2002 por la artista Suzanne Bocanegra. En el cuadro original de Brueghel, aparece una mujer con un ramo de flores, con profusión de pétalos. Para su obra, Suzanne Bocanegra pinta al óleo un número igual de pétalos, los recorta y, por medio de listones atados a los pétalos, forma una especie de mapa floral sobre un muro blanco. Lo que llamó la atención de Ortiz en la obra de Bocanegra fue el proceso de deconstrucción y el cambio total de contexto a partir del original de Brueghel. Así, al concebir Aroma foliado: gesto de Mozart, la compositora se hizo, entre otras estas preguntas, que también son válidas para la obra orquestal:

¿Cómo deconstruir y jugar con motivos musicales ajenos? ¿Cómo explorar la significación de estos elementos cuando se yuxtaponen y chocan entre sí diferentes sistemas de lenguajes estéticos? ¿Cómo trabajar la transformación? ¿Cuáles son los puntos de contacto entre la música de Mozart y la mía?

Como resultado de estas y otras especulaciones, la compositora decidió incorporar fugazmente algunos motivos mozartianos en la obra para cuarteto de cuerdas, y trabajar la obra de orquesta a partir de material estrictamente original, rescatando los elementos mozartianos arriba citados. Una vez tomada esta decisión, Gabriela Ortiz decidió que el elemento fundamental de la obra de orquesta, titulada Fronteras híbridas, fuera un ostinato variable. Afirma la compositora:

La idea es elaborar un modelo de construcción formal que me otorgue la posibilidad de responder a los diferentes mundos que habito, reconociendo que sus componentes y significados son siempre fluidos y cambiantes, y que el proceso cognoscitivo es una constelación inestable de redes, fusiones e híbridos. El material puede ir desde lo más abstracto en su concepción racional hasta lo más concreto en el aspecto auditivo, siempre en una constante transformación orgánica, creando así dimensiones variables de lectura. La idea es transgredir las fronteras del tiempo, en una especie de integración de la memoria musical.

De estas palabras de Gabriela Ortiz vale la pena enfatizar las que se refieren a la constante transformación orgánica del material, ya que es este concepto el que subyace la otra fuente de motivación para la creación de Fronteras híbridas. Se trata de un “graffito mutante” creado por su hermano, el artista visual Rubén Ortiz, un diseño gráfico que se proyecta sobre un camión en movimiento, lo que da lugar entre otras cosas a esas dimensiones variables de lectura que menciona la compositora. Así, Fronteras híbridasrepresenta la exploración y desarrollo del ostinatovariable planteado, a través de diferentes tipos de lenguaje estético, en distintos contextos, a través de diversas fronteras, en modos alternos de integración con su entorno. El espíritu de la pieza es el de una obertura breve, directa y clara, de forma libre, que consta de una introducción que da paso a la presentación y transformación del ostinatofundacional de la partitura. En la obra se plantean, además, algunas exigencias virtuosísticas, como los divisien las cuerdas y el rol protagónico asignado a los metales, particularmente las trompetas. A diferencia de la anterior pieza sinfónica de la compositora (Altar de piedra, escrita por encargo de Esa-Pekka Salonen y la Filarmónica de Los Ángeles), en esta obra la percusión juega más un papel de apoyo que un rol protagónico. Fronteras híbridas, de Gabriela Ortiz, recibió su estreno absoluto el 15 de julio del 2006, en la Sala Nezahualcóyotl, con la Orquesta Sinfónica de Minería, dirigida por Carlos Miguel Prieto. Al momento del estreno, la compositora se encontraba enfrascada en un proyecto de largo alcance, una ópera titulada Únicamente la verdad, que realizó en colaboración con su hermano Rubén. La ópera se estrenó exitosamente en agosto del 2008 en la Universidad de Indiana y posteriormente se representó en México.

Comenzó sus estudios en el Conservatorio de las Rosas donde obtuvo la licenciatura en composición bajo la tutela de Eduardo Solís. Ha tenido revisiones y clases magistrales con Angelo Sturiale, Javier Álvarez, Robert Platz, Mario Lavista y Marcos Balter, entre otros. Fue acreedora del apoyo Foescam en Michoacán y Jóvenes Creadores del Fonca 2010-2011. En 2012 le fue otorgado el premio Ron Nelson Composition Award for Restful Music. Ha participado en los festivales Internationale Ferienkurse für Neue Musik,Electroncic Music Midwest, Electronic Barn Dance y Visiones Sonoras. Sus piezas han sido tocadas por los ensambles Birds on a Wire, Liminar, Fonema Consort y el Dúo Alcántara-Terrazas. Obtuvo su maestría en la Western Michigan University bajo la dirección de Christopher Biggs. Durante 2013 asistió al programa Arte Sonoro en la Universidad de Columbia con Douglas Repetto y Brad Garton.

El letargo de las ballenas

Fue compuesta para la Orquesta Sinfónica de la Western Michigan Universitybajo la comisión del premio Ron Nelson Composition Award for Restful Music. Siempre me he sentido inclinada a componer para ensambles pequeños, hay algo acerca de la intimidad y el control en los aspectos técnicos que me atrae. Escribir esta pieza fue salir de esa zona de confort y buscar la manera de adaptar mis intereses tanto técnicos como colorísticos a las exigencias y el contexto de la orquesta universitaria.

Realizó sus estudios de composición y canto en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y cursó la maestría en la Universidad de Indiana y en el California Institute of the Arts. Ha estudiado composición con Gabriela Ortiz, Don Freund, Luis Pastor y Wolfgang Von Schweinitz. Sus obras se han presentado en Francia, Rusia, Alemania, México, Costa Rica, Venezuela y Estados Unidos. Ha tenido varios reconocimientos como el Merit Based Dean´s Award de la Universidad de Indiana y la beca para estudios en el extranjero del Fonca. Ha sido seleccionada como compositora para participar en festivales internacionales como el Foro Internacional de Música Nueva y en el Saarburg Music Festival en Saarbrücken, Alemania. Fue miembro de Vox LaTina, el trío Maskensamble y Túumben Paax, con quienes realizó giras en México y ganó la beca de Artes por todas Partes y Coinversiones del Fonca. Sus obras han sido comisionadas y grabadas por Alejandro Moreno, el Trio Coghlan, Túumben Paax, Isabel Beteta, Luis Mora y Olivia Abreu, entre otros.

Colección de realidades

Instantes eternos en recuerdos de fotografías coleccionadas a lo largo del tiempo son guardados en algún lugar escondido de la casa. En ese lugar los recuerdos permanecen intactos esperando ser descubiertos por personas tal vez ajenas a ellos. Esta es la imagen de miles de fotografías que cuentan historias y son impresión única de vidas pasadas. Son testigos que hacen cómplices a gente que nunca estuvo presente pero que forma parte de la historia sólo con ver la imagen de lo sucedido. ¿Qué pasará con todos esos recuerdos cuándo la gente muera? Los únicos que recordarán lo que verdaderamente pasó es la gente que lo vivió. Lo demás puede ser sólo una fantasía, y podríamos sorprendernos de lo sencillo que es manipular la realidad con una simple imagen. Esta obra habla de esas miles de fotografías recopiladas con muchas realidades en las que cada una cuenta una historia diferente. Esta obra es un homenaje a mis padres Fernando y Susana. También está dedicada a Francisco Cortés de quien me inspiró para componer con una pequeña cita musical de su obra orquestal Lepidópteros que aparece en algunas partes de la pieza. Como una de tantas realidades que permanece constante en el conjunto de sucesos que conforman una vida musical.

Estudió composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, (ENM). Radio UNAM y Radio Televisión Francesa le otorgaron una beca para seguir su instrucción en París. Posteriormente fue becado para tomar un curso en España. Ha destacado por su labor de investigación, recolección y ejecución de la música mexicana del siglo XX. Obtuvo una mención honorífica en el Concurso de Composición Silvestre Revueltas y el primer lugar del concurso Lan Adomian. Fue coordinador del taller de composición del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical Carlos Chávez. Además de sus actividades como compositor y pianista, escribe regularmente en publicaciones mexicanas y tiene a su cargo diversas cátedras en la ENM.

Constructores de lo efímero

Desde la consolidación de la orquesta moderna a mediados del siglo XVIII con la Orquesta de Mannheim hasta las actuales orquestas sinfónicas, han sucedido muchas cosas que han transformado su estructura enriqueciéndola y diversificándola hasta convertirla en uno de los instrumentos más complejos, delicados y prodigiosos en la historia de la humanidad. Su funcionamiento, tanto en lo estrictamente musical como en todo aquello que hace posible su existencia, fue abordado con gran ironía en el cine por Federico Fellini en su filme Ensayo de orquesta. Sin embargo, lo cierto es que pocas cosas hay tan asombrosas como contemplar tal cantidad y variedad de talento unir sus habilidades y su sensibilidad para la consecución de un objetivo tan misterioso como lo es construir una arquitectura tan frágil y evanescente como el mismo tiempo. Para celebrar los ochenta años de la fundación de la Orquesta Filarmónica de la UNAM y a su vez reflexionar musicalmente sobre ese misterio que subyace en la esencia del sonido Federico Ibarra compuso Constructores de lo efímero. Comenta Federico Ibarra:

Mi intención en un principio fue escribir una obra que expresara el quehacer de una orquesta. Sin embargo, a medida que avanzaba me di cuenta que la esencia de ese quehacer era la misma que el de todos los que nos dedicamos a la música, en cuanto que nos enfrentamos a la construcción de mundos a partir de algo tan efímero como el sonido, buscando dejar un rastro en la memoria.

Desde El proceso de las metamorfosis (1970), su primera obra para orquesta, hasta Constructores de lo efímero — pasando por obras tan importantes como sus cuatro sinfonías, Los cinco misterios eléusicos o Duelo de siglos — la obra orquestal de Federico Ibarra se despliega en un arco que se tiende a lo largo de cuarenta y seis años caracterizados por un tratamiento orquestal de extraordinaria fuerza rítmica, riqueza tímbrica y por la exploración de las posibilidades estructurales de la forma sonata, características presentes en Constructores de lo efímero obra que, en palabras del compositor, fue hecha con profunda emoción y amor por una agrupación que ha logrado mantener­se en un primer plano a lo largo de tantos años.