Durante alguna visita a casa de su abuela, el director de orquesta Rodrigo Elorduy recuerda haberse encontrado por primera vez con este Intermezzo a través del libro “100 biografías en la historia de la música” de Guillermo Orta Velázquez (Olimpo, 1970), de clásica portada con unas partituras sobre un fondo amarillo claro. Hojeando, leyó asombrado en las páginas 269 y 270 una cita del maestro Manuel M. Bermejo:

“Para mi modo de sentir, los tres trozos orquestales más bellos que se han escrito en México son: el Intermezzo de Atzimba de Ricardo Castro, el Andante para instrumentos de arco de Rafael J. Tello y el Intermezzo de ‘El Mandarín’ de José F. Vásquez”.

Esa descripción del pedagogo, libretista y compositor del Himno de la UNAM motivó el interés del director orquestal por investigar este fragmento perteneciente al drama lírico en un acto de 1923, estrenado un 3 de abril de 1927, obra del compositor nacido en Arandas, Jalisco, y autor de unas 200 obras, entre óperas, sinfonías, conciertos para piano y orquesta, violín y orquesta, poemas sinfónicos, lieder, cantatas, un réquiem, un ballet y abundante música de cámara. Con los años, descubriría mucho más.

No obstante, a casi un siglo de aquella representación teatral y tras la muerte del compositor hace más de 60 años, diversos inexplicables motivos llevaron a dispersar varias de las partituras que conformaban el catálogo de quien fuera director internacional de orquesta, académico y fundador de la OFUNAM y la Facultad de Música de la Universidad. En una batalla contra el olvido, con la búsqueda por 40 años de sus textos musicales, algunos fueron encontrados por José J. Vásquez, hijo del compositor, en bazares de la Lagunilla, en tianguis en Madrid y Buenos Aires y, otros más, se encontraron por una segunda ocasión con Rodrigo Elorduy, quien recibió el encargo de rescatar ese mismo fragmento para interpretarlo, nuevamente, por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México en 2022. Así lo relata.

“Ese Intermezzo lo rescaté porque estaba totalmente en un manuscrito, por algunos lugares ilegible. A través de un amigo, Ángel Ramírez, el hijo del compositor me hizo llegar unas fotos desde Barcelona del manuscrito original y lo empecé a trabajar, a digitalizarlo, a realizar el full score y todas las partes; de hecho, no había particellas, solo había un manuscrito del full y… ¡es una obra preciosa! ¡me encantó! Tuve la suerte de toparme con ella, de rescatarla, de hacer todas las particellas, la partitura del director e hice una edición de corazón”.

En este fragmento, “que no le pide nada a los grandes intermezzos de ópera y está a la altura de los de Mascagni, Puccini y Leoncavallo”, considera Elorduy, trabajó minuciosamente observando detalles en el manuscrito para descubrir notas rápidas y pequeñas en la cuerda en un pasaje mágico y basarse en un tema de corte dramático compuesto en do menor. “El Mandarín” forma parte de Triada exotista de su producción operística junto con “Citlali” y “El Rajáh”.

A partir de esa recuperación, Rodrigo Elorduy sigue trabajando en otras obras autoría de José F. Vásquez, como la Sinfonietta, de la que cuenta únicamente con las particellas, y unas canciones para soprano y cuerdas.
Su labor al frente de diversas agrupaciones orquestales se ha extendido a volver a dar vida a otras composiciones que parecían quedar perdidas, como Misa de réquiem de Arnulfo Miramontes (1882-1960); Sinfonía en fa menor de Aurelio Barrios y Morales (1880-1943) y obra para piano de Gustavo Morales.

“Me ha apasionado ese tema del rescate de obras mexicanas, que están en manuscrito o están olvidadas o están perdidas, me encanta encontrarlas y presentarlas en concierto (…) Lo más importante de rescatar una obra es que se toque, que se ejecute, y ese es el fin último”, concluye.

En el programa de este concierto volverá a interpretarse por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México para mantener en el repertorio a una de las composiciones recuperadas de quien fuera llamado “uno de los grandes fantasmas de la música mexicana” y conferirle el sitio privilegiado que merece el compositor.

En la actualidad, Camille Saint-Saëns es considerado uno de los referentes de la música sinfónica francesa de finales del siglo XIX, sólido en la defensa de la tradición de su país, quien seguía la herencia que dejaron compositores como Charles Gounod (1818-1893) y que continuaría, por ejemplo, Gabriel Fauré (1845-1924), uno de los alumnos más destacados de su recién creada Sociedad Nacional de Música, cuyo propósito sirvió lo mismo para posicionar a los nuevos compositores como para promover las obras francesas frente al dominante escenario del repertorio alemán, con ciertas reservas por la reciente derrota de la guerra contra Prusia.

Aunque gozaba de cierta reputación por su trayectoria, aún se percibía un tipo de rechazo, por tanto, no recibía la aprobación plena de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio, un círculo de conservadores que lideraban presentaciones orquestales. Extrañamente, recibió apoyo necesario para programar este primer concierto para violonchelo desde las propias entrañas de ese grupo.

Saint-Saëns mantuvo una cercana relación amistosa y dedicó la partitura al parisino Auguste Tolbecque (1830-1919), reconocido violonchelista y compositor, quien posteriormente sería fabricante de violines, restaurador y coleccionista de instrumentos y pedagogo, descendiente de una reconocida familia de directores de orquesta, compositores y violinistas originarios de Bélgica afincados en Francia desde décadas atrás consolidando su privilegiada posición, y cuyo padre fue Auguste-Joseph Tolbecque (1801-1869), violinista en la orquesta de la Ópera de París por casi una década y miembro fundador de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio.

En este primer concierto, el compositor mantuvo la estructura convencional para los instrumentos solistas en tres movimientos: I. Allegro non troppo; II. Allegretto con moto y III. Tempo primo; no obstante, se desarrolla en uno solo continuo que no tiene pausas entre sí y cada uno se interpreta en diferente tempo. Como otra de sus particularidades, asoma plenamente el protagonismo del violonchelo que es antecedido por una brevísima introducción de la orquesta tras un acorde apenas al iniciar el primer movimiento y que cede paso al muy variado diálogo musical entre ambas partes.

Concierto para violonchelo y orquesta fue estrenado en enero de 1873 con el propio Tolbecque como solista, quien puso de manifiesto sus grandes habilidades con el instrumento, acompañado por la Orquesta de la Sociedad de Conciertos en el Conservatorio de París, dirigido por el violinista y compositor Édouard Deldevez (1817-1897). La obra fue bien acogida por su innovación estructural y fortaleció la presencia del compositor colocándolo en el lugar de respeto con que ahora cuenta.

Esta obra, de las dos que compuso Saint-Saëns para violonchelo, se encuentra pedagógicamente entre los mayormente utilizados como una prueba para estudiantes, así como en audiciones, debido a que requiere un mayor dominio tanto de la técnica como de la utilización de diversos elementos musicales, demostrando habilidad y explorando la amplitud de su riqueza sonora.

Al cobijo de otra cálida velada, salpicada de titilantes estrellas asomadas por curiosidad desde su lejanía, es la tierna caricia de la tenue luz de unas antiguas lámparas la que revela entre las sombras a la pareja con sus caftanes de lujosa seda de Oriente. Cómodamente posado sobre finas alfombras en la imponente y exquisita habitación de su palacio, el sultán Shariar se mantiene atónito, con los ojos bien abiertos y el oído expectante, absorto en un relato que sucede a otro y a otro más, deleitado por el dulce néctar de las palabras de Scheherazade por horas y horas durante las noches, cientos de noches, quizá mil, por las mil y una noches.

La elocuencia de la hija mayor del visir conduce los fascinantes cuentos dejándolos a medio camino entre la intriga y suspenso hasta que rompe el alba, con la promesa de continuar a la noche siguiente. Su astucia la ha salvado de la horrible venganza del sultán quien, motivado por la ira del engaño de su primera esposa con su esclavo amante, desenvainó su alfanje y le arrebató la vida a cada mujer con quien se ha casado noche tras noche, creyendo así, no lo traicionarán de nuevo. El ingenioso plan de Scheherazade era convencer a su padre de casarse con el sultán y evitar el trágico destino a otras inocentes doncellas, manteniendo en vilo sus relatos sin llegar a un final.

De la extensa serie de historias, relatos, leyendas y más, tan diversas y difusas en autoría y épocas, algunos con personajes relacionados con otros cuentos, convertidas en un clásico de la literatura universal, Rimski-Kórsakov no seleccionó varios para musicalizarlos, sino retomó la forma de contarla para conducir la composición de la suite conformada por cuatro movimientos conectados entre sí y que es narrada por un violín y, a veces un arpa solista, que representan a Scheherazade.

En las escenas, El mar y el barco de Simbad inicia con la evocación de la crueldad del sultán y luego interviene el relato de la protagonista, dando paso al tema que parece dar la sensación de balanceo por el oleaje del intempestivo mar; en La historia del príncipe Kalendar comienza igualmente con el violín solista para seguir con el fagot dando voz al príncipe y, más adelante, un llamado a la batalla con las cuerdas y metales; El joven príncipe y la joven princesa recrea una escena de amor entre las cuerdas y el clarinete y, para finalizar, Festival en Bagdad. El mar. El barco se estrella contra un acantilado coronado por un guerrero de bronce presenta todos los temas anteriores y no concluye con el naufragio, sino con el relato del violín solista… para continuar la noche siguiente.

“Todo lo que deseaba era que, si el oyente disfrutaba de mi obra como música sinfónica, se llevara la impresión de que se trataba, sin duda, de una narración oriental de numerosas y variadas maravillas de cuento de hadas, y no simplemente de cuatro piezas interpretadas una tras otra y compuestas sobre la base de temas comunes a los cuatro movimientos. ¿Por qué, entonces, si ese es el caso, mi suite lleva precisamente el nombre de Scheherazade? Porque este nombre y el título Las mil y una noches evocan en la mente de todos Oriente y las maravillas de los cuentos de hadas; además, ciertos detalles de la exposición musical sugieren que todas estas son diversas historias de una misma persona entreteniendo con ellas a su severo marido”, explicó el compositor en su libro “Mi memoria musical”, publicado en 1906.

Fuera de las páginas de esa literatura, Rimski-Kórsakov dirigió el estreno de su suite sinfónica hacia finales de 1888 en San Petersburgo y, a partir de entonces, se convirtió en una de sus obras más significativas y, al mismo tiempo, indispensable en el repertorio de las agrupaciones sinfónicas.