Empatizar con las personas migrantes, quienes por sus comprometidas situaciones los empujan a intentar buscar una vida mejor dejando todo atrás, abandonar a los suyos y llevar consigo la nostalgia de quienes eran, mientras enfrentan una riesgosa travesía de un entorno inclemente, violencia y abusos que los deshumanizan. Esta composición de Paulina A. Monteón es un homenaje a esas vulnerables historias que logran conocerse y, más aún, intenta darle voz a aquellas desvanecidas como huellas en el camino entre el silencio y el olvido.

En su obra aborda el complejo fenómeno de quienes echan su suerte al salir de su país para llegar a otro, representado en dos segmentos diferenciados; el primero, emotivo y de ilusión por un nuevo comienzo; y el segundo, agitado, en el desamparo al no portar documentos. La pieza termina de manera abrupta... tal como la vida de los más desafortunados.

“El primero es el iniciar de este viaje y la nostalgia de dejar a la familia, la ciudad de origen, todo lo que ya conoces, las cosas que tienes y, al mismo tiempo, con mucho anhelo decir que se está haciendo por un mejor futuro, por amor a la familia, por la necesidad que puede orillar a las personas a tomar una decisión tan extrema como migrar a otro lugar. Irse sin la certeza, pero buscando cómo llegar”, explica.

Historias trágicas que suceden a diario en cualquier latitud del mundo. Y añade:

“La segunda parte son las trabas que hay en el camino, es una especie de persecución: gente migrando por desiertos, ríos, en condiciones deplorables, y gente que abusa del poder y de la confianza, pues hay historias que se conocen y otras tantas que tristemente no conocemos de personas que no pueden llegar a su destino. Esta segunda parte es tensión, mucho movimiento, y acaba de golpe, acaba en seco, precisamente porque su vida se interrumpe”.

A medio camino… recibió su estreno mundial el 19 de octubre de 2025 por la Orquesta de Cámara de Bellas Artes dirigida por Luis Manuel Sánchez, en el Teatro Principal de Guanajuato y días después, en el Palacio de Bellas Artes. La obra formó parte del programa “Jóvenes compositoras” en el 47 Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez y del Circuito Cervantino, en el que cinco de ellas, entre mexicanas y latinoamericanas participantes, fueron comisionadas por INBAL tratando la premisa de las migraciones con su propia perspectiva.

Originaria de Mazatlán, Sinaloa, Paulina A. Monteón tuvo sus primeros acercamientos musicales al piano en el Centro Municipal de Arte. En 2015 se trasladó a la Ciudad de México para estudiar la Licenciatura en Composición en la Facultad de Música de la UNAM con los maestros Gabriela Ortiz, Leonardo Coral y María Granillo. En su trayectoria, su música ha sido interpretada por las más reconocidas orquestas del país; fue ganadora del Concurso de Composición “Arturo Márquez” para Orquesta de Cámara 2023 y de la “Cátedra Extraordinaria Arturo Márquez de Composición Musical” en el 2022, además, recibió distintas becas, reconocimientos y concursos nacionales, así como haber sido seleccionada para una residencia en Estados Unidos.

Entre los recuerdos de su adolescencia hubo dos conciertos que la indujeron a dedicarse a la composición por las intensas emociones que le causaron: la interpretación de Las cuatro estaciones de Vivaldi por un cuarteto de cuerdas en una iglesia dejándola "anonadada", y después, quedó fascinada por una gira de la OFUNAM en noviembre de 2013 en el Festival Cultural Mazatlán, cuyo programa incluía Sinfonía no. 9 “Del Nuevo Mundo” de Antonín Dvorak y Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo.

Y algo ronda en su mente compositiva. Su deseo es provocar esas mismas sensaciones entre quienes escuchen sus obras. “

Lo que más me ha gustado de componer es que puedo hacer que la gente sienta algo y para mí eso como compositora es muy importante, porque es, al final de cuentas, lo que a mí me hizo querer dedicarme a esto. Fui a un concierto y me movió, la música me hizo sentir muchas cosas, y dije: ‘Yo quiero poder hacer eso con las personas también’. Si a mí esto me mueve, yo espero que a alguno también lo haga”, concluye.

Es difícil imaginar lo indivisible que es José Pablo Moncayo (1912-1958) de su Huapango. Es bien conocido que se trató de un encargo del director de orquesta Carlos Chávez para componer una obra orquestal basada en la música popular mexicana, para lo cual, el compositor tapatío se adentró en los sones como “El Siquisirí”, “El Balajú” y “El Gavilancito”, tradicionales de la fiesta del fandango en Alvarado, Veracruz. Desde su estreno en el Palacio de Bellas Artes en 1941 se convertiría entonces en la obra sinfónica nacional más aclamada y famosa de México ante el mundo.

En esa misma idea de rasgos nacionalistas que profundizan en las raíces musicales y lo más genuino del folclore es equiparable a lo sucedido con Heitor Villa-Lobos en su país natal, Brasil, trascendiendo a Latinoamérica y el mundo, con ciertas peculiaridades sonoras.

Sería su padre, bibliotecario amante de la música, quien le enseñó a tocar el violonchelo. Tras su pérdida, Villa-Lobos se ganaba la vida tocando en cafés y tendría acercamientos con la música del ambiente callejero carioca también con su guitarra, como los canticos choros, el “blues de Brasil”, hasta que en su juventud lo llevara a recorrer el Amazonas y gran parte del territorio explorando las más ricas tradiciones musicales que integraría después a sus obras.

En esos años, entre 1930 y 1945, compuso nueve Bachianas brasileiras, cada una con diferente instrumentación. Ese conjunto de obras musicales conjuga su profundo interés y admiración por Johann Sebastian Bach (1685-1750), - he de ahí el epónimo bachiano- incentivado desde su infancia por su padre y, aparentemente, también por una tía, quien tocaba los preludios y fugas reunidas en los dos libros de El clave bien temperado, logrando que el estilo propio del maestro del barroco y su forma de componer europea pudieran asociarse técnicamente con lo tradicional autóctono de su país.

Compuestas para piano solo, son cuatro los movimientos que conforman Bachiana brasileira no. 4: Preludio (Introdução); Coral (Canto do Sertão), con referencias a la música de la región de Sertón, que comprende los estados al noreste como Bahia, Piauí, Pernambuco, Alagoas, Paraíba, Rio Grande do Norte y Ceará; Ária (Cantiga) (sobre um tema do Nordeste) desarrolla una melodía de la tradicional canción “Oh Mana deix’eu ir” y, Dança (Miudinho) con ritmos de la popular “Vamo Maruca, vamo”.

Habría de ser el pianista y compositor José Viera Brandão (1911-2002), el más reconocido de sus intérpretes, el encargado del estreno el 27 de noviembre de 1939 en Río de Janeiro. Debido al buen recibimiento, Villa-Lobos volvió a las partituras para terminar arreglos para orquesta, presentando el concierto dos años después, a mediados de 1942, llevando él mismo la batuta.

Sería con las Bachianas brasileiras no. 5 para soprano y ocho violonchelos la obra más reconocida y popular y la colección de los Choros los que consolidarían a Villa-Lobos en la privilegiada posición entre los más influyentes de la música orquestal representativa de su país.

Hacia finales del siglo XIX predominaba un entorno convulso en el entonces Ducado de Helsinki. Un movimiento nacionalista finlandés adquiría cada vez más fuerza intentando enfrentar los planes del zar Nicolás II de incorporar esos territorios al imperio ruso y terminar con la autonomía de la que gozaban. Inserto en ese ambiente político de revueltas independentistas y férreas medidas por mantener controlada esa región fue que Sibelius compuso su primera sinfonía.

Si bien es cierto, no se conoce que Sibelius haya tomado partido por esa creciente lucha de liberación o participado en algún otro tipo de activismo, sus composiciones adquirieron ese cariz combativo y nacionalista por el contexto de este proceso histórico.

Es precisamente en 1898 mientras trabajaba en su primera sinfonía cuando desde el imperio ruso dictaban las políticas para esos territorios. El general retirado Nikolay Bobrikov fue nombrado gobernador del Ducado de Finlandia, dedicado entonces a imponer por la fuerza prácticas rusas, disolver al ejército finlandés y reducir los derechos de los finlandeses. Al poco tiempo, y con mayor concentración de poderes, reprimió los levantamientos usando arrestos, la censura, la destitución de funcionarios y el exilio de quienes se resistieran, hasta su trágico final ocurrido en 1904.

Estructurada con la forma tradicional de cuatro movimientos, el estreno de Sinfonía no. 1 en mi menor, op. 39 se llevó a cabo el 26 de abril de 1899 bajo la batuta de Sibelius en Helsinki. En el programa de ese concierto tuvo lugar de igual modo la presentación coral de Canción de los atenienses, recibida por los nacionalistas finlandeses como una invitación a la resistencia. Meses después, tras una protesta masiva, Sibelius contribuiría esa sensación patriótica al componer Música para recoger pensiones para la prensa para una representación de ciertos momentos históricos finlandeses dividida en un preludio y seis cuadros en el que finalizaría con Despierta Finlandia, retomado como himno para la lucha.

La buena acogida de la primera sinfonía en su país comenzó a darle prestigio por salas de conciertos en varias ciudades de Europa, entre ellas Estocolmo, Hamburgo y en París, interpretados por la Orquesta Filarmónica de Helsinki y dirigidos por el mismo compositor. Tres años después, llegaría su consagración que lo erigiría como pilar de la identidad cultural finlandesa y símbolo patriótico con Sinfonía no. 2 en re mayor, op. 43 a la que Robert Kajanus, director y fundador de esa Orquesta, contribuyera a otorgarle un espíritu de lucha ante la “rusificación” finlandesa.