No es de extrañar que el musicalmente polifacético Bernstein conjugara su trabajo como director de orquesta con su creatividad como compositor, pianista, conferencista y pedagogo, esta última le permitió alcanzar a audiencias jóvenes con programas de televisión sobre música académica. Primero fue alumno y después asistente cercano a Koussevitzky en la Orquesta Sinfónica de Boston. Irrumpió en el podio con notable éxito a partir de un llamado de último minuto para suplir a Bruno Walter en la dirección de la Filarmónica de Nueva York en 1943. También incursionó en proyectos de teatro musical.
Tras su ópera de un acto “Trouble in Tahiti” (1952) y la musicalización de “Wonderful Town” (1953), en ese mismo año la dramaturga Lillian Hellman, de aguda crítica social y con quien Bernstein trabajaría después haciendo música incidental para “The Lark”, le propuso llevar al teatro musical una adaptación de “Candide” del escritor francés Voltaire (1694-1778), novela que casi 200 años atrás satirizaba sobre horrores de la época, como la crueldad de la Guerra de los Siete Años, el terremoto en Lisboa, la esclavitud, los castigos de la Inquisición a los herejes y doble moral de sus clérigos, entre otros temas. Para esos momentos, Hellman era observada por la misión persecutoria anticomunista del Comité de Actividades Americanas de la Cámara de Representantes en pleno Macartismo.

Con ciertos cambios en el equipo de escritores y el libreto atribuido a Hellman, terminaron la obra hasta 1956, cuando Bernstein componía “West Side Story”, una versión adaptada a la actualidad del clásico “Romeo y Julieta”. El compositor decidió entonces hacerla como una opereta cómica, en la que acabaría escribiendo letras para piezas cantables, sumadas a otras arias y dúos que la integran. La obertura, pieza inicial de la presentación, posee una orquestación de unos cinco minutos.

La historia es sobre Cándido, joven ingenuo y optimista que habita en un castillo en Westfalia, educado por Pangloss, quien le enseña que vivía en “el mejor de los mundos posibles”, pero al salir no se encuentra con la bondad y honestidad, sino con una realidad trágica desastrosa, plagada de ambición y desventuras mientras viaja por el mundo. Al final, con su amada Cunegonda, recibe una lección de vida.

El estreno de la producción ocurrió el 1 de diciembre de 1956 en el entonces llamado Martin Beck Theater, en Broadway, sin mucho éxito con solo dos meses en cartelera. Poco después, la obertura como pieza independiente fue interpretada por primera ocasión en concierto el 26 de enero de 1957 por la Orquesta Filarmónica de Nueva York, bajo la dirección del propio Leonard Bernstein en el Carnegie Hall. La pieza se popularizó en el repertorio de orquestas alrededor del mundo y es una de las composiciones orquestales del estadounidense más interpretadas.

Reconocido por permanecer más de una década al frente de la Filarmónica de Nueva York, Bernstein compuso además partituras de ballets, varios otros musicales escénicos, tres sinfonías -una con temas bíblicos, otra con jazz y la última con temas litúrgicos judíos-, una obra coral y música cinematográfica.

Habiendo cosechado el reconocimiento por sus composiciones para películas de inicios de la década de los cincuenta hasta finales de los setenta, Rota poseía también un abundante catálogo de composiciones de ópera, música sinfónica y de cámara, entre ellas, esta obra fundamental en el repertorio solista para este instrumento viento metal. Es probable que su banda sonora en la producción estadounidense “El padrino” haya sido con la que confirmara su prestigio internacional y una consolidada popularidad.

Su cercanía con el séptimo arte comenzaría hacia 1933, luego de regresar a Milán tras haber estudiado dirección de orquesta en el Instituto Curtis de Filadelfia y durante su encargo al frente del llamado Liceo Musical de Bari, a partir de 1950, donde permanecería el resto de su vida. Tras un encuentro con Federico Fellini al momento en que filmaba su primera película “Lo sceicco bianco” (1952), forjarían una sólida colaboración en películas como “La Strada” (1954), “La Dolce Vita” (1960), “8 1/2” (1963), “Satyricon” (1970), “Amarcord” (1973) y “Casanova” (1976), destacadas entre las más de 15 en total.
Como autor de bandas sonoras, trabajó con directores como Franco Zeffirelli en “Romeo y Julieta” (1968), el cineasta Luchino Visconti y varios más, aunque su cumbre llegaría a través de la historia del célebre personaje Vito Corleone y su familia, que Francis Ford Coppola adaptara a la pantalla grande basada en la novela de Mario Puzo.

Una peculiar característica en la trayectoria compositiva de Giovanni Rota, Nino, es la constante reutilización de temas propios y autocitas relativamente fáciles de distinguir entre sus propias obras, sin menoscabo de su trascendencia musical, como Sinfonía sopra una canzone d’amore de 1947 con una parte más desarrollada en la película“Il Gattopardo” (1963); un concierto bajo otro nombre 18 años después, o bien, el episodio más conocido cuando perdiera la nominación a un Oscar a Mejor Banda Sonora en 1972 por “El padrino” al descubrirse que parte de la música la utilizó con anterioridad en “Fortunella” (1958) de Eduardo De Filippo. No obstante, obtendría la estatuilla dorada con Carmine Coppola, padre del director, en la secuela del filme sobre las entrañas de la mafia y su partitura recibiría adicionalmente un Globo de Oro y un Grammy.

En el terreno de la música orquestal pueden citarse obras como Concierto Soirée para piano y orquesta, una especie de divertimento en cinco movimientos con referencias a su música para cine; Concierto para piano en do mayor y Concierto para piano en mi mayor; Divertimento concertante; Mysterium, una cantata sacra sobre textos bíblicos; La Fiera di Bari sobre la feria en la ciudad donde llevó casi toda su vida y Concierto para fagot y orquesta, por mencionar algunas.

Previo al rotundo éxito mundial en el cine, Rota compuso Concierto para trombón y orquesta en do mayor en 1966, el cual consta de tres movimientos melancólicos y elegantes. Con la interpretación del trombonista y profesor Bruno Ferrari, a quien fuera dedicada la partitura, el estreno tuvo lugar el 6 de marzo de 1969 por la Orquesta I Pomeriggi Musicali bajo la dirección de Franco Caracciolo, en el Conservatorio Giuseppe Verdi, en el centro de Milán.

El compositor milanés dejó unas 150 obras, entre ellas, tres sinfonías, una decena de óperas, cinco ballets como el especialmente reconocido “La Strada”, de la propia música para la famosa película, estrenado en La Scala de Milán, así como obra coral y diversas partituras de música de cámara.

Si dedicamos tiempo a revisar música orquestal para las infancias, podríamos encontrar un extenso catálogo de partituras que se han vuelto imprescindibles y memorables, como “El Cascanueces” de 1892. No obstante, “Suite de Mamá la Oca” de Ravel destaca sobre ellas por haber sido dedicada especialmente a dos hermanos y, particularmente, debido a que su estreno, en la versión original no orquestal, fue interpretado por dos jóvenes en una sala de conciertos.

En medio del éxito de su carrera, el compositor francés mantenía una cercana relación con el matrimonio Godebski, Cyprian y Zofia, y especialmente con los hijos: Mimí y Jean, a quienes sentaba en su regazo para contarles cuentos infantiles y de hadas, iniciando con la frase de preámbulo al mundo de fantasía y sueños: “Érase una vez, hace mucho, mucho tiempo...”, como dejara testimonio Mimí en su etapa adulta, como mecenas de artistas. En sus palabras, dejaba entrever que además de dedicárselas, el propósito de la primera composición de 1908 era que los pequeños hermanos pudieran interpretarla, aunque eso no llegaría a suceder.

La pieza concebida originalmente para piano a cuatro manos era Pavane de la Bella Durmiente, basándose en la conocidísima “La bella durmiente del bosque”, el primero de los cuentos clásicos infantiles que el escritor francés Charles Perrault (1628-1703), uno de los más grandes creadores literarios de cuentos infantiles, legara como “Cuentos de antaño”. La recopilación fue publicada en 1697 bajo el título “Les Contes de Ma mère l’Oye”, cuya traducción recurrente es “Cuentos de mi Madre, la Oca”. Se sabe que al perder a su esposa y un importante puesto en la Academia, Perrault se dedicaría a la educación de sus hijos.

Ravel retomó adicionalmente este nombre para su composición y añadiría otros cuatro para completar la suite que subtitularía como Cinco piezas infantiles. Junto con otras historias de D’Aulnoy, evoca los cuentos fantásticos de Pavana de la Bella Durmiente; Pulgarcito; Laideronette, emperatriz de las pagodas; Conversación de la Bella y la Bestia; y El jardín de las hadas.
Con la singularidad de su estreno, la suite fue interpretada el 20 de abril de 1910 por las adolescentes destacadas estudiantes de piano Jeanne Leleu y Genevière Durony en la sala de conciertos Gaveau en París, en un programa en el que Ravel tocaría una pieza de Debussy como parte del concierto inaugural de la Sociedad de Musical Independiente, misma que el compositor fundaría con otros colegas, como Fauré, a manera de protesta a la Sociedad Nacional de Música.

Como suele suceder con muchas de sus composiciones, Ravel regresaría a las partituras originales para orquestarlas, empresa que concretaría un año después, al tiempo que llegaría la oportunidad de llevarlas al ballet, para lo cual añadió un preludio, un nuevo episodio de apertura y cuatro interludios, en una función que presentó al público en enero de 1912 en el Teatro de las Artes con la participación del legendario bailarín Vaslav Nijinsky.

No hay historia de amor dramático y de trágico desenlace universalmente más conocida que la que William Shakespeare dejara a finales del siglo XVI. El relato de los amantes desdichados de Verona y sus familias enemistadas ha sido inagotable fuente de inspiración en las letras, escenarios teatrales y dancísticos, salas de conciertos, Bellini y su ópera; Tchaikovsky y su obertura fantástica o Prokofiev con su ballet; posteriormente, en el cine, múltiples adaptaciones y versiones actualizadas, como “West Side Story” de Bernstein. Berlioz hizo lo propio y compuso una sinfonía dramática, prescindiendo de actuaciones o escenografía.

En sus “Memorias”, el compositor describiría que había quedado embelesado tras asistir a una representación en el Teatro Odeón de París. Además de la fascinación por los personajes y el desarrollo, Berlioz se enamoró de la actriz Harriet Smithson, quien interpretaba los papeles Julieta y Ofelia de Hamlet. Su propia historia romántica se concretó y contrajeron matrimonio en 1833, no obstante, terminó por ser menos que idílica de lo que parecía.

Berlioz emprendió la tarea de componer la sinfonía dramática en 1830, pero se vería interrumpida por compromisos en Italia. Se dice que tomó la Novena Sinfonía de Beethoven como referencia musical y un supuesto regalo monetario de Paganini como financiamiento. Para la obra no habría drama y se omitirían pasajes y personajes shakespeareanos, pues sería una versión más parecida a la que apreció como público, en tanto que el peso expresivo recaería en que los amantes serían representados con la orquesta, los coros harían a los Montesco y los Capuleto, mientras que las voces solistas serían para personajes secundarios. Solo unos versos que acompañan serían aportación de Émile Deschamps. Dejó un manuscrito con la fecha de termino, 8 de septiembre de 1839, y la llamó Roméo et Juliette.
Aunque su interpretación es de poco más de 90 minutos, se dividió en siete movimientos estructurados en tres partes. La Parte I contiene únicamente el primer movimiento, que es la Introducción seguida de otras tres secciones.

La Parte II tiene el segundo movimiento Roméo seul. Tristesse. Bruits lontains de concert et bal-Grande Fete chez Capulet, en el que Romeo está inmerso en sus pensamientos previos y posteriores al baile; el tercero, Scéne d’amour, de comprensible naturaleza; y, el cuarto, Scherzo. La reine Mab, ou la fée des donges, por las palabras de Mercutio.
La Parte III presenta un falso cortejo fúnebre de Julieta, la entrada de Romero a la bóveda de los Capuleto, la toma del veneno y el despertar de su amada antes de morir, concluyendo con la explicación de la tragedia y una reconciliación entre las familias enemistadas.

Las primeras representaciones dirigidas por Berlioz sucedieron en noviembre y diciembre de 1839 en el Conservatorio de París. Sería la última sinfonía que presentaría en la capital francesa, las siguientes serían en Viena, Praga y San Petersburgo en 1846 y 1847, respectivamente. Solo extrajo los movimientos instrumentales que conforman la Parte II para continuar interpretándolos, por lo que adquirieron mayor popularidad y se integraron a los repertorios de las orquestas en el mundo.