Aunque nació en el privilegio de una noble familia entre la aristocracia del Reino de Hungría del Imperio Austro-húngaro y rodeada de todas las bondades que le ofrecía este estrato social, María Theodora Paulina Pejačević, Dora, no se sentía parte de esta élite, mostrando su lado más humano, desafiando convenciones y logrando ser considerada como la primera compositora croata y la responsable de la introducción del sinfonismo en lo que hoy es este país con costas bañadas por el Mar Adriático.

La familia se mudó a Zagreb, donde al poco tiempo Dora estudió composición, para completar su formación en Dresde y Múnich, contraviniendo las férreas voces de hombres y de su círculo social. Posterior a esta etapa, durante sus visitas a Viena y Praga, pudo compartir con músicos e intelectuales de la época, siendo que sus obras fueron interpretadas en salas de conciertos y orquestas de ciudades de la región.
La Primera Guerra Mundial marca, sin duda, tanto su producción como su pensamiento crítico. Por un lado, compuso el Concierto para piano en sol menor, op. 33, que la convertiría en la primera compositora croata en escribir una obra de este género, la cual fuera estrenada en 1916 en Zagreb. Y por otro, asistiendo a los heridos como enfermera en la ciudad que vivió su infancia y ver con profundo pesar lo sucedido en las trincheras por la indiferencia y decepción de la aristocracia local a la que pertenecía. Compuesta en 1919, la Obertura en re menor, op. 49 puede enmarcarse en un estilo romántico tardío, en una forma de sonata con mayores libertades.

Pocos años antes, entre 1916 y 1917, su Sinfonía en fa sostenido menor op. 41 es considerada por estudiosos como la primera sinfonía moderna de la música croata, aunque sin el mérito pues solo firmó el programa con su apellido antecedido por la inicial de su nombre con el fin de evitar prejuicios del público masculino del momento por una obra orquestal compuesta por una mujer.
Su legado musical es de una amplia producción, cerca de 60 obras, entre composiciones para orquesta, conciertos para piano, obras para voz y orquesta, para piano solo, música de cámara, entre otras. Falleció en Múnich, con tan solo 37 años, debido a una insuficiencia renal pocas semanas después del nacimiento de su único hijo, Theo. Desde hace algunos años, la musicóloga croata Koraljka Kos ha escrito varios libros para reconocer la trascendencia de Dora.

Sensible, reflexiva, conmovedora, una metáfora sonora sobre un viaje trascendental que logra evocar imágenes de un camino de quietud y memoria, entre el duelo y la celebración a la vida, en una escena que transcurre al interior de una catedral, lugar de expresión espiritual y puerta simbólica entre mundos, elevada en el inmenso cielo azul. Esta obra orquestal contemporánea de Jennifer Higdon surgió en 1999 como un encargo para conmemorar el 75 aniversario del Instituto Curtis de Música, donde la compositora estadounidense ha impartido clases desde mediados de la década de los noventa. La pieza adquirió un cariz personal durante un proceso de duelo debido al fallecimiento de su hermano menor, Andrew Blue, a causa de un cáncer en la piel, ocurrido un año antes y, a la vez, le rinde un sentido homenaje. La compositora describe la atmósfera en sus notas del programa:

Mientras escribía esta pieza, me encontré imaginando un viaje a través de una catedral de cristal en el cielo. Como las paredes serían transparentes, vi la imagen de nubes y azul impregnando el exterior de esta iglesia. En mi mente, el oyente entraría desde la parte trasera del santuario, flotando por el pasillo entre gigantescas columnas de cristal, moviéndose en una postura contemplativa. Las figuras de los vitrales comenzarían a moverse al ritmo de una canción, cantando una música celestial. El oyente flotaba por el pasillo, ascendiendo lentamente al principio y luego a un ritmo más rápido, elevándose hacia un techo inmenso que se abría al cielo... a medida que avanzaba este viaje, la velocidad del viajero aumentaba, avanzando hacia adelante y hacia arriba. Quería crear la sensación de contemplación y paz serena al principio, avanzando hacia una sensación de celebración y expansión extática del alma, todo ello mientras cantaba al ritmo de esa música celestial.

En el texto añade que se trata de una reflexión acerca de lo que constituye una vida y conmemorarla. Una cavilación sobre el cruce con personas y compartir la representación de los viajes interiores y los lugares a los que lleva el alma, las lecciones aprendidas y el crecimiento experimentado.

La obra de un solo movimiento bien podría dividirse como una estructura musical de cuatro secciones continuas. Durante el sereno desarrollo, se plantea un diálogo de solos entre una flauta y un clarinete; el primero, instrumento que aprendió a tocar Higdon de manera autodidacta, y el segundo representa al que tocaba su hermano. En esta despedida en la última sección, el clarinete continúa su viaje y asciende como un momento de trascendencia, acompañado hacia el final de unos peculiares y suaves tintineos.

Catedral azul recibió su estreno en el 2000 por la Orquesta Sinfónica del Instituto Curtis de Música, conservatorio privado en Filadelfia. Es una de las composiciones orquestales contemporáneas con mayor número de interpretaciones adoptadas al repertorio de agrupaciones en el mundo. En este programa, es la primera vez que se interpreta en el país por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

Como un reconocimiento al virtuosismo y legado histórico como mujer compositora, la pieza orquestal de Gabriela Ortiz logra entablar un diálogo imaginario, más íntimo y personal, con la célebre pianista alemana Clara Wieck (1819-1896) para recrear ciertos pasajes de la relación con su esposo Robert Schumann en una obra sinfónica. Así lo expone la compositora en su nota del programa:

Clara parte de la idea de que la música nos dará acceso a una concepción no lineal del tiempo, más circular, donde el pasado (ellos) y el presente (yo) pueden encontrarse, conversar y conocerse. Durante estos diálogos imaginarios de naturaleza poética y musical, comenzó a gestarse en mí un diario íntimo lleno de matices, confesiones y contradicciones internas que encuentran en la música su propia referencia, significado y coherencia interna, expresando todo aquello que no se puede leer ni explicar, sino escuchar. Me gusta pensar que, a través de Clara, Clara Wieck Schumann está aquí, en esta sala de conciertos con nosotros.

Nacida por comisión del director de orquesta Gustavo Dudamel para componer una obra sinfónica basada en la relación entre los dos grandes pianistas del siglo XIX, la pieza adquirió forma en 2021 y está dividida en cinco secciones continuas, en las que cada una representa una interacción entre la pareja de pianistas, excluyendo la intermedia, una intervención de la propia compositora mexicana:

Mi idea original era plasmar en un lienzo efímero los sonidos internos de cada uno sin intentar ilustrarlos ni interpretarlos, sino simplemente expresar y crear, a través de mi oído, la expresividad y la fuerza única de sus complejas, pero también fascinantes personalidades.
En la parte central de la obra, “Mi respuesta”, persigo dos objetivos: primero, acercar a Clara y Robert a mi propio mundo, uno con una fuerza rítmica y un color característicos de mi lenguaje, de la vitalidad única que nace de las entrañas de la tierra de la que provengo; y segundo, explorar una cita considerada muy controvertida, en la que Clara escribió: “Una vez creí poseer talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer; nunca ha habido una capaz de hacerlo. ¿Debo esperar ser yo la elegida?”

Es a partir de esta reflexión que Gabriela Ortiz vuelve a cuestionarse para dar respuesta a una de las interrogantes sobre la equidad de género en la música, en la que aún en la actualidad, en pleno siglo XXI, las mujeres compositoras, sostiene, siguen rebelándose con su partitura y obra artística contra esta injusticia que no les brinda el reconocimiento que merecen en la sociedad.

Clara fue estrenada el 9 de marzo de 2022 por la Filarmónica de Nueva York, bajo la batuta de Gustavo Dudamel, en la sala de conciertos Alice Tully Hall del Lincoln Center.

Gabriela Ortiz es una de las compositoras mexicanas más destacadas de la actualidad, sus obras han sido encargadas e interpretadas por orquestas en Estados Unidos, Europa y México. Son numerosos sus reconocimientos nacionales, becas, distinciones y premios Grammy. Entre sus amplias partituras se encuentran obras orquestales, sinfonía coral, música de cámara, para cuarteto, piezas de música electroacústica, óperas, grabación de álbumes y bandas sonoras para diversas películas, entre otras. He aquí el sentido de su respuesta.

A mediados del siglo XIX, Mayer logró posicionarse entre las mujeres compositoras más sobresalientes de Europa, lidiando con limitantes para estudiar música, prejuicios de la sociedad y tragedias familiares que supo sortear para dedicarse a la música.

Durante su infancia, su acercamiento con la música se debió a clases privadas de piano. Posteriormente, casi a sus treinta años, se trasladó a menos de 100 kilómetros a Stettin, actualmente Szczecin, Polonia, a las orillas del río Óder, para continuar su formación en composición y ganarse la vida. Ahí enfrentó la prohibición para que mujeres estudiaran composición en la mayoría de instituciones y logró estudiar bajo la tutela particular de Carl Loewe, un prestigiado compositor y director de orquesta, quien pronto reconoció su talento.

Sus dotes musicales la llevaron a continuar su formación en Berlín y su carrera comenzó a despuntar publicando obras, ante la incomodidad de un medio mayoritariamente ocupado por hombres. En 1850 se interpretó un concierto únicamente con obras de su autoría dirigido por Wilhelm Wieprecht, uno de sus profesores, y el apoyo de Federico Guillermo IV y su esposa, Isabel Ludovica de Baviera, reyes de Prusia. Años después, llegaría a tocar para el beneplácito de la corte en Viena.

Compuesta en 1856, Sinfonía no. 7 en fa menor tiene una estructura de cuatro movimientos. El primero, Allegro agitato, está escrito en forma de sonata; el segundo, Adagio, comienza con un tema melódico tranquilo, llevado en la parte central a una variación solemne y regresa nuevamente a la calma; el Scherzo, Allegro vivace, inicia con un tema rítmico seguido por uno más calmado y, el Finale: Allegro vivace, expresa inicialmente un motivo con mayor potencia junto con otro más melódico. Se estrenó en abril de 1862 en Berlín.

Con casi 65 años compuso Obertura no. 6 (Obertura a Fausto) op. 46, inspirada en la tragedia de Goethe, una de sus obras orquestales más interpretadas en Europa y entre las más reconocidas en su vasto catálogo. Murió en Berlín por una neumonía, un mes antes de cumplir 71 años, sin casarse ni tener hijos.

Durante un tiempo considerable, su música quedó en el olvido. Una parte resguardada en la biblioteca de la capital alemana, aunque muchas otras, como sus últimas sinfonías -exceptuando esta séptima- no tuvieron la misma suerte a causa de la Segunda Guerra Mundial. No fue sino hasta que, en años recientes, Martina Sichardt, musicóloga originaria de Alemania, profesora jubilada de múltiples universidades, investigadora y en su momento violinista, publicó estudios sobre la compositora y causó un genuino interés entre la comunidad musical y académica por recuperar sus obras.