Un sorpresivo y cercano encuentro con tres figurillas de barro localizadas en la Mixteca poblana, lugar donde creció Jessy Pérez, la llevó a recrear con ellas secretos de otros tiempos, recordar el paso de otras civilizaciones y ahora, a incentivar la imaginación de quien la escuche mediante sus propias ideas, historias y sensaciones.

“La inspiración o impulso creativo vino de estas figurillas de barro. Sí tuve contacto con ellas, pero no son mías, me contaban que fueron encontradas justo en el lugar donde crecí… en el patio de mi casa podría ser. Para mí fue algo impactante saber eso y ser consciente de que pueden ser la historia enterrada de alguna cultura”.

Las figurillas está articulada en tres momentos diferenciados que se suceden sin pausa entre sí y aunque cada uno posee su propia estructura y carácter, se trata de una obra continua y orgánica; el primero de ellos evoca alguna danza ritual y enérgica; el segundo está caracterizado por un tempo lento y atmosférico contemplativo; el tercero es una transformación que retoma algunos motivos del primer momento para llevarlos bajo una mirada más actual.

"Es muy importante con tu música poder transmitir alguna idea, pero igual también siempre me ha parecido muy interesante que cada persona escuche lo que en su imaginación lo lleve a crear diferentes historias o dependiendo de su contexto y la forma en la que escuchan. Es interesante cuando te dan otro punto de vista sobre lo que les hizo sentir tu música o imaginar", añade la compositora.

La pieza surgió de un taller impartido por el maestro Faustino Díaz para componer una obra orquestal, y adquirió forma con el apoyo del compositor y musicólogo Gabriel Pareyón y, del también compositor, Ángel Gómez, quienes fungieron como tutores para concretar la idea.

El estreno mundial de Las figurillas tuvo lugar el 15 de marzo de 2025 por la Orquesta Sinfónica de Campeche (OSCAM) bajo la batuta de la directora invitada Inés Rodríguez, en el Teatro de la Ciudad Francisco de Paula Toro, ubicado en el Centro Histórico de Campeche.

Jessy Pérez Mendoza estudió la Licenciatura en Música (Terminal Composición Musical) en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP) y la primera de sus piezas orquestales con el título Tierra Caliente fue estrenada en un programa junto con otras obras en el Concierto debut de la Orquesta Filarmónica de la Península de Yucatán (ORFIPENY) en marzo de 2021; además, ha compuesto música para ensambles.

Si se tuviera que retratar el nacionalismo musical ruso de finales del siglo XIX y principios de siglo XX entre los colegas del Grupo de los Cinco, Rimski-Kórsakov destacaría por inclinarse hacia composiciones impregnadas de un halo fantástico, por cuentos mágicos, mitos y leyendas, mundos de tierras exóticas – en ese momento, de inspiración española, italiana y árabe, como Scheherazade sobre los cuentos de Las mil y una noches, por ejemplo- mostrado en gran parte de sus piezas orquestales, suites sinfónicas, corales, camerísticas, canciones folclóricas e incluso para la iglesia ortodoxa rusa, mientras que en la música para ópera recupera las tradiciones auténticas y populares de su país.

Terminada en 1905, la ópera La leyenda de la ciudad invisible de Kítezh y la doncella Fevróniya está dividida en cuatro actos y su base argumental son antiguas leyendas rusas de la literatura del siglo XIII. Unos sostienen que la ciudad de Kítezh, a la orilla del lago Svetloyar, se habría hundido como la Atlántida, mientras que otros aseguran que se hizo invisible para salvarse del ataque de los mongoles-tártaros gracias a las oraciones de Fevróniya; y la segunda historia es sobre la protagonista, Fevróniya personaje angelical criado en el bosque y conocedora de la naturaleza.

La composición musical está dividida en Preludio, Un himno a la naturaleza, en el cual la historia acompaña a Fevróniya compartiendo la vida con los animales; la Procesión nupcial, donde el príncipe Vsevolod, hijo de Yuri II de Vládimir, se enamora de la protagonista y la lleva a la ciudad de Kítezh; la invasión de los tártaros y la Batalla de Kerzhenets, en la que muere el amado defendiendo a la ciudad y ocurre el ruego para que se haga invisible y así salvarla de los invasores; en la Muerte de Fevróniya y la apoteosis de la ciudad invisible, la protagonista puede reencontrarse con su amado y llegan a la ciudad, solo accesible para almas puras, donde celebran su boda.

Rimski-Kórsakov asumió en parte el encargo de llevar óperas para los teatros imperiales en ese periodo de transición que terminaría con la caída del zarismo. En total fueron 13, comenzando por dramas históricos, pasando por leyendas nacionales y llegando a los cuentos folclóricos, donde el costumbrismo se entrelaza con elementos sobrenaturales, hasta las últimas, caracterizadas por teñirse de un cierto grado de oscuridad y pesimismo.

El estreno de la ópera se llevó a cabo el 20 de febrero de 1907 en el Teatro Mariinsky en San Petersburgo, bajo la dirección de Feliks Blumenfeld, y un año después fue llevada al Teatro Bolshoi de Moscú. Los arreglos para la música estuvieron a cargo del compositor Maximilian Steinberg, yerno de Rimski-Kórsakov, casado con Nadezhda, una de las hijas del alguna vez capitán de la marina rusa y docente del Conservatorio de San Petersburgo. Por si fuera poco, para seguir su legado, Steinberg también fue responsable de completar los libros “Principios de orquestación” y “Tratado práctico de armonía” que Rimski-Kórsakov dejara sin terminar.

Sin saber dilucidar aún si habría sido su naturaleza más sentimental, un romántico en el concepto propio de la escuela germana, en parte a la inestabilidad en su autoestima, o bien, que en esa etapa de su vida fuera más convulsa por cuestiones personales y con altibajos económicos, hubo un momento en el que Tchaikovski quiso distanciarse de lo que llamó “mundanal ruido” de San Petersburgo y no componía, parecía no tener suficiente inspiración.

Irónicamente, dejó escritos, algunas notas y mucha correspondencia rescatada con quien fuera su mecenas, Nadezhda von Meck, y que serían una muestra del destino en su trascendencia musical.
Sumergido en una etapa de inactividad tras 11 años de haber presentado su Sinfonía no. 4 y en un intento por demostrar que su creatividad no había muerto, se alejó para mudarse provisionalmente a la aldea Frolovskoie, en el campo, para que entre mayo y agosto de 1888 lograra concluir esta, su Sinfonía no. 5 en mi menor, op. 64, que se convertiría en la más célebre de un total de seis composiciones sinfónicas, muy a pesar de la propia crítica mordaz inicial que el mismo compositor ruso hiciera a su obra.

En una hoja de bocetos dejó algo más que trazos musicales, escribió ciertas reflexiones sobre la estructura de la sinfonía que alistaba, y de la que algunas traducciones solo ajustan ciertas palabras.

“Introducción: Sumisión total al destino o, lo que es lo mismo, a la ineludible predestinación de la providencia. Allegro: I. Murmullos, dudas, quejas, reproches a... II. ¿No es mejor lanzarse de cabeza a la fe? El programa es excelente, siempre que logre llevarlo a cabo."

La sinfonía tiene cuatro movimientos. El primero Andante-Allegro con anima; el segundo Andante cantábile con alcuna licenza; el tercero Valse Allegro moderato; y el Finale. Andante maestoso-Allegro vivace en los que se evidencia que su motivo central es el destino, cuyo comienzo es difícil y de zozobra, pero tras superar ciertas adversidades, culmina su paso a la gloria y redención.

Sinfonía no. 5 en mi menor, op. 64 recibió su estreno el 17 de noviembre de 1888 por la Sociedad Filarmónica de San Petersburgo bajo la dirección del propio Tchaikovski en el emblemático Teatro Marrinsky, aplaudida por el público, pero no con muy buena crítica. Meses después, en marzo de 1889, en Hamburgo, con la acogida de Brahms, volvió a ser aclamada y, por fin, convenció las exigencias de su compositor.