Hacia las últimas décadas del siglo XIX e inicios del siglo XX, París estaba inmersa en la Belle Époque, uno de los periodos de transformación intelectual más ricos para la cultura y las artes que convertiría a la capital francesa en el epicentro de influencia global, terreno fértil para la creatividad y cuna de la vanguardia en la pintura, la literatura y, por supuesto, la música.

Podría decirse que Claude Debussy tomaba influencia, moldeaba sus ideas y se identificaba entre la estética del impresionismo pictórico y el simbolismo literario, manifestaciones que eran rechazadas por academicistas y cánones del romanticismo del momento debido a que no permitían que la estructura formal cediera el paso a mostrar estados anímicos, ambientes y colores. Y precisamente eso fue de lo más característico del compositor: rechazar las convenciones, enfatizar el sonido pintando con colores y apelar a las emociones con la experiencia.

Debussy retomó del impresionismo la recreación de atmósferas, así como la forma en que la luz y los colores afectaban en la mirada del espectador, prescindiendo de detalles y difuminando contornos, pero a través del lenguaje musical; del simbolismo, la experiencia emocional individual, lo imaginario, los relatos fantásticos y seres mitológicos, lo exótico de otras tierras y épocas y las metáforas. Sin embargo, al compositor le desagradaba que lo definieran como impresionista, adjetivo que sus críticos utilizaban para descalificarlo.

En esos años, eran comunes las reuniones amistosas en las que convivían artistas de la talla de Monet, Rodin, Valéry, Verlaine y Proust. Para esta obra, Debussy tomó como inspiración “La tarde del fauno” del poeta simbolista Stéphane Mallarmé, publicada en 1876, una compleja estructura de monólogo contado en primera persona por esta criatura mitad hombre, mitad cabra, en que despierta de una siesta en el bosque durante una tarde soleada y, sin precisar si fue un sueño o la realidad, intenta recordar un frustrado intento seductor de cortejo a una de las ninfas que pasaban por el lugar, aunque termina rendido por el calor y el cansancio.

Particularmente, los versos son libres y enfatizan el sonido de las palabras, más que en el sentido, su escritura responde a asociaciones más que en la lógica de las palabras y la narrativa.
La empresa para componer una gran pieza orquestal no pudo concretarse y quedó únicamente en un preludio de un solo movimiento que concluyera hacia 1894. En palabras del propio Debussy, no se trataba de hacer música para la narración de esa aparente historia, sino evocar las imágenes y sensaciones que el poema despierta con palabras.

“La música de este preludio es una ilustración libre del hermoso poema de Mallarmé. Por ningún motivo se pretende hacer una síntesis de este último. En vez, se trata de ilustrar la secuencia de escenas a través de las cuales sucedían los sueños y deseos del fauno en el calor de la tarde. Luego, cansado de perseguir el vuelo de las ninfas y las náyades, él sucumbe al sueño intoxicante, en donde puede lograr al fin su deseo de posesión de la naturaleza universal".

Considerado como uno de los grandes poemas sinfónicos, Preludio a la siesta de un fauno fue estrenada en diciembre de 1894 por la Sociedad Nacional de Música de París bajo la dirección de Gustave Doret. El éxito y la fama alcanzada derivó en que años más tarde, en 1912, el bailarín y coreógrafo Vaslav Nijinsky creara una pieza para el Ballet Ruso del empresario Serguéi Diáguilev con el título “La siesta de un fauno”, no sin menos escándalo en su presentación ante el público por sus formas nada sugerentes y más explícitas de representar el onírico pasaje ante el disgusto del propio Debussy.

La estadía temporal de Wieniawski en San Petersburgo tuvo dos importantes razones: la primera, cumplir con su contrato como solista de la corte del Zar Alejandro II, un prestigiado puesto que se había ganado por su enorme destreza, capacidad técnica y el reconocimiento que le daba su amplísima trayectoria ofreciendo conciertos por todos los rincones de Europa, incluido el Imperio Ruso; y la segunda, no menos importante para su vida personal, cumplir con una de las condiciones que le había impuesto el padre de su prometida que era contraer matrimonio y afianzar su situación económica.
Ya era bien sabido que el virtuosismo del violinista polaco lo llevó a ser quizá el concertista itinerante más destacado de la época, un prodigio desde su corta edad, llegando a ser comparado incluso con Niccoló Paganini.

Durante sus viajes por distintas ciudades europeas en la segunda parte del siglo XIX, Wieniawski hizo amistad con el compositor y pianista ruso Anton Rubinstein, quien en una gira por Londres le presentó a la familia Hampton. El violinista se enamoró de la joven Isabella Bessie-Hampton, con quien se casó en la iglesia de San Andrés tras una gira por Vilna y Varsovia.
Fue en 1860 cuando firmaría por una década al servicio del zar para actuar en conciertos de la corte, interpretar partes solistas en producciones de ópera y ballet en el Teatro Bolshoi, convirtiéndose también en director de orquesta y del cuarteto de cuerda de la Sociedad Musical Rusa, así como impartiendo clases de violín en la Escuela de Teatro. En esta etapa fue que Wieniawski compuso, entre muchas otras obras, Concierto para violín y orquesta no. 2 en re menor, op. 22, considerada una de sus obras cumbre, estrenada el 27 de noviembre de 1862 cuando la interpretó él mismo en San Petersburgo bajo la batuta de Anton Rubinstein.

La estructura de la pieza consta de tres movimientos, cada uno con exigencias técnicas notables e innovadoras en ese momento para su interpretación, como el Allegro moderato que da paso, sin pausa, al segundo movimiento Romance. Andante non troppo, mientras que el último, Allegro con fuoco, es rapsódico, libre para mostrar el virtuosismo del violín solista y que puede enmarcarse en el estilo gitano, influenciado probablemente por la música de Pablo de Sarasate.

Es precisamente al violinista y compositor nacido en Pamplona, Navarra, quien gozaba de enorme talento, habilidad desde niño y una técnica virtuosa que lo llevara a presentarse por distintos escenarios de Europa y América, y a quien se encontrara en diversas giras. Otros más hicieron lo propio para reconocer al virtuoso español, como Max Bruch con su Fantasía Escocesa, Op. 46; Joseph Joachim con Variaciones en mi menor, además de Camille Saint-Saëns y Antonín Dvořák, por mencionar algunos.

En sus vacaciones, Wieniawski gozaba con cada vez más periodos de libertad y lo motivaron a permanecer no más de seis años totales en San Petersburgo mientras continuaba recorriendo con sus giras diversas ciudades de Europa, como Londres, varias más en Holanda, París y Burdeos, en los países bálticos y escandinavos, en Bucarest, distintas alemanas, en su tierra natal, Bélgica y otras del Imperio Ruso. Ese intenso ajetreo de los múltiples compromisos y viajes, que alcanzaría también Estados Unidos, comenzaban a causar estragos en su salud.
Continuó tocando aún en detrimento de su salud hasta que llegaría el momento en que lo alcanzó la enfermedad y la pobreza.
Durante los últimos momentos de su vida, Wieniawski recibió el apoyo de Nadezhda von Meck, misma mecenas de Tchaikovsky, para recibir la mejor atención médica para atender su deteriorado estado, aunque no pudo recuperarse y perdió la vida días antes de cumplir 45 años de edad.

Dejó un enorme repertorio que ha sido interpretado por los más grandes violinistas, sociedades musicales llevan su nombre, uno de los concursos más antiguos de violín en Polonia, continúan reconociendo su música, no obstante, la herencia familiar, por decirlo de alguna manera, solo permaneció con la menor y séptima de sus hijas, Irena Regina, quien decidió seguir sus pasos y convertirse en compositora y pianista bajo el seudónimo de Poldowski.

En los últimos dos años, dentro de su aun naciente trayectoria como compositora, Estrella Cabildo ha logrado posicionar sus obras para orquesta sinfónica, piano y oboe para su interpretación por diversas orquestas y en las más prestigiosas e importantes salas de conciertos del país. Su música se ha presentado en festivales en Estados Unidos, Canadá, Brasil, Chile y Francia.

Con Perenne mar, la compositora veracruzana ha explicado que está libremente inspirada en el poema “Dolor” de la poetisa argentina Alfonsina Storni (1892-1938), que establece una analogía entre el interior de una mujer y una balsa que navega en el mar.

“A lo largo de la pieza me sirvo de esta metáfora para expresar los momentos obscuros en los que la vida de la mujer se ve amenazada. Aparecen nubes que amenazan con perturbar su paz, y a pesar de ello emergen destellos de dulzura que reflejan su singularidad y femineidad. En este viaje emocional se vislumbra su valentía y su fuerza. En esta contraposición de sentimientos, de miedo, de duda y dulzura, encuentra la fuerza interior para vencer cualquier obstáculo y superar cualquier desafío”, comparte.

Surgida en 2023 cuando fue galardonada con la Cátedra Extraordinaria de Composición Musical Arturo Márquez, esta obra recibió su estreno mundial el 21 de enero de 2024 por la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata (OJUEM), bajo la dirección de Gustavo Rivero Weber, en la Sala Nezahualcóyotl de Ciudad Universitaria.
Múltiplemente reconocida, la composición ha sido interpretada por la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes bajo la dirección de Antonia González; la Orquesta Filarmónica de Acapulco, con la dirección de Bartholomeus-henri Van De Velde; Nationals Arts Centre Orchestra del director Henry Kennedy, en Ottawa, Canadá, y la Orquesta Sinfónica Nacional del director Ludwig Carrasco en el Palacio de Bellas Artes; ahora, es turno de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México bajo la dirección principal y artística de Scott Yoo.

Actualmente, Estrella Cabildo cursa un Doctorado en Música con especialidad en Composición en la Facultad de Música de la UNAM y fue comisionada por el Instituto Nacional de Bellas Artes para la composición de la obra Citlalhumi para piano y orquesta de cámara para ser parte del Festival Internacional Cervantino, además de recibir la invitación de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) para unirse a la primera generación del Laboratorio de Creación de Músicas Tradicionales y de Concierto.

Iniciada en julio de1903 y terminada en 1905, Debussy puso como subtítulo a esta obra Tres bocetos sinfónicos por una aparente razón. No pretendía que fuera considerada una música propiamente sinfónica como dictaba la tradición orquestal germánica del Romanticismo, sino impulsar un nuevo estilo francés que, al cabo de unos años, acompañaría a su amigo Satie.

La inspiración no vendría de su contacto y cercanía con la entrada al océano, el agua salada, lo fuerte e intempestivo de su movimiento, sino que decidió entonces instalarse en la montaña, en Borgoña, como explicaría a través de una carta a su amigo André Messager, con el propósito de que sus recuerdos y sensaciones sean la guía que conduce la composición, como un oleaje de memorias que van trazando a pinceladas lo que plasmaría con la orquestación.

“Quizás no sepas que estaba destinado a la vida de marinero y que fue pura casualidad que el destino me llevara por otro camino. Sin embargo, siempre he conservado un amor apasionado por el mar. Dirás que el océano no baña precisamente las laderas de Borgoña... y que mis paisajes marinos quizá sean paisajes de esudio; pero tengo un tesoro inagotable de recuerdos y, en mi opinión, valen más que la realidad, cuya belleza a menudo ahora mis pensamientos”.

La mar cuenta con tres movimientos I. Desde el amanecer hasta el mediodía en el mar; II. Juegos de olas y III. Diálogo del viento y el mar. En el primero, timbales, arpas y cuerdas graves parecen gravitar misteriosos como la neblina en el agua en los primeros momentos en que asoma el sol por el horizonte, quizá retomando los paisajes marinos que conociera a través del pintor JMW Turner durante su viaje a Londres; en el segundo, asemejan la naturaleza inestable y el vaivén del oleaje, unas olas chocando con otras, que se interrumpen y vuelven a juntarse; y hacia el último, hay quienes aprecian la amenaza de una tormenta inminente.

La mar recibió su estreno el 15 de octubre de 1905 en París por la Orquesta Lamoureux, bajo la dirección de Camille Chevillard. Finalmente, parte de esta fascinación compartida por el mar es la imagen que eligió como la portada de la partitura en la edición original, un detalle de La gran ola de Kanagawa del grabador Katsushika Hokusai (1760-1849).