Si bien Maurice Ravel fue un compositor con una voz y un estilo plenamente individuales e identificables, también es cierto que nunca tuvo inconveniente en exhibir sus raíces musicales y en rendir tributo, implícito o explícito, a antecesores o colegas suyos que hubieran sido importantes para el desarrollo de su oficio. Entre los homenajes explícitos, encontramos algunos muy interesantes, localizados en el área de su producción para piano. En 1913, Ravel compuso A la manera de Borodin, Chabrier; en 1922, escribió la pieza titulada Sobre el nombre de Gabriel Fauré; entre 1914 y 1917 creó La tumba de Couperin.

Con la última de las tres obras mencionadas, Ravel no sólo rendía homenaje a uno de los grandes compositores franceses del pasado, sino que contribuía a perpetuar una añeja costumbre musical: la de escribir tombeaux (tumbas), obras en memoria de colegas ilustres y amigos cercanos. Las piezas más representativas de este tipo de música memorial se encuentran, precisamente, en el siglo XVII francés.
Así pues, en primera instancia, La tumba de Couperin es un homenaje explícito de Ravel a la música y la figura de uno de los grandes compositores franceses de aquella época, François Couperin (1668-1733). Conocido en su tiempo como Couperin el Grande, François Couperin fue sobre todo un distinguido organista y clavecinista, oficio que desarrolló principalmente como organista titular de la iglesia de San Gervasio, en París, un puesto que heredó de su padre, Charles Couperin (1638-1679), quien a su vez lo había heredado de su hermano, Louis Couperin (ca. 1626-1661). Por si esta conexión familiar no fuera suficiente, cabe aquí mencionar que, a su vez, François Couperin heredó el puesto de San Gervasio a su primo Nicolás (1680-1748), quien lo dejó en manos de dos generaciones más de la familia Couperin. El rey Luis XIV tuvo a Couperin a su servicio, primero como director de música de la corte, y más tarde como tutor de clavecín de sus hijos. Si bien Couperin compuso un buen número de piezas sacras y de música instrumental, su herencia más significativa se encuentra en sus más de 200 piezas para clavecín, muchas de las cuales llevan títulos muy imaginativos, y entre las cuales encontramos pequeñas obras maestras, como Las barricadas misteriosas.

Si fuera preciso encontrar para nuestra discusión de La tumba de Couperin un punto de contacto entre el gran clavecinista del barroco y Maurice Ravel, ese punto de contacto bien podría ser el teclado. Si Couperin dejó establecidas algunas de las bases más importantes de la técnica y la expresión del clavecín de su tiempo, Ravel fue un innovador admirable en el campo de la técnica pianística en los albores del siglo XX. Es preciso recordar, sin embargo, que el propio Ravel mencionó que La tumba de Couperin se refería no tanto a la figura de su ilustre antecesor, sino en general a la música francesa del siglo XVIII. Por otra parte, si el título lleva una dedicatoria muy precisa, la intención de Ravel fue más amplia: cada una de las piezas de la obra está dedicada a la memoria de algún amigo o conocido muerto durante la Primera Guerra Mundial. En su versión original para piano, La tumba de Couperin estaba formada por seis piezas: Preludio, Fuga, Forlana, Rigaudon, Minueto y Toccata. Al realizar la transcripción orquestal en el año de 1919, Ravel dejó fuera la Fuga y la Toccata, que son quizá las más específicamente pianísticas de las seis piezas, y cambió el orden de las cuatro restantes para conformar la suite tal y como la conocemos. Las dedicatorias de las seis piezas de la suite original son éstas:

Preludio: A la memoria del teniente Jacques Charlot
Fuga: A la memoria del subteniente Jean Cruppi
Forlana: A la memoria del teniente Gabriel Deluc
Rigaudon: A la memoria de Pierre y Pascal Gaudin
Minueto: A la memoria de Jean Dreyfus
Toccata: A la memoria del capitán Joseph de Marliave

El último de los personajes homenajeados aquí por Ravel, Joseph de Marliave (1873-1914), fue un musicólogo notable que había sido esposo de la pianista Marguerite Long. Respecto a los movimientos incluidos por Ravel en ambas versiones, es preciso recordar que al componer estas tombeaux musicales en memoria de sus colegas ilustres, los músicos franceses del siglo XVIII no produjeron solamente melopeas fúnebres, sino que se sintieron con la libertad de incluir en ellas algunos de los movimientos de danza más comunes de su tiempo.
En la versión original para piano de La tumba de Couperin, Ravel plantea una escritura en la que, a través del parco uso del pedal y de la presencia de ciertas resonancias, es posible hallar analogías con la técnica de ejecución del clavecín. En este sentido, la obra se refiere tanto a Couperin como, en menor medida, a otro gran tecladista de aquellos tiempos, Domenico Scarlatti (1685-1757). Por otra parte, en la transcripción de La tumba de Couperin hallamos una orquestación hasta cierto punto parca, siempre ligera y transparente, muestra de las mejores cualidades de Ravel como orquestador, y con sutiles referencias a las músicas cortesanas de la época de Couperin. Como colofón a esta nota, parece oportuno citar las elocuentes palabras del musicólogo Gilbert Chase al respecto de La tumba de Couperin:

La tendencia a la simplificación continúa en La tumba de Couperin. En esta obra Ravel afirma sus fuertes ligas espirituales con el siglo XVIII, cuando el intelecto y las emociones se tenían un respeto mutuo, y la inspiración y la formalidad caminaban juntas con toda naturalidad.

Cerca de ochenta años después de la composición de La tumba de Couperin, el pianista y director húngaro Zoltán Kocsis realizó una interesante y muy verosímil orquestación de las otras dos piezas de la suite original, la Fuga y la Toccata, que procedió a grabar con el resto de las piezas al frente de la Orquesta Filarmónica Nacional Húngara.

Amable lector: si al leer el nombre de Leoncio Lara Bon algo comienza a hormiguearle en la memoria, no se apure, que yo le resuelvo la duda. Leoncio fue, hace ya muchos años, el fundador, guía espiritual y voz cantante del emblemático grupo de rock mexicano Bon y los Enemigos del Silencio. Sin embargo, y parafraseando aquel viejo refrán, no sólo de rock vive Bon. Como compositor, ha creado poco más de una docena de partituras, cinco de ellas sinfónicas. Y también ha tenido una interesante carrera como creador de cerca de una treintena de soundtracks para todo tipo de películas. Por ejemplo, Bon es el compositor de la música de la muy exitosa versión fílmica mexicana de Don Gato y su pandilla. También ha compuesto música para tres películas de Arturo Ripstein: La virgen de la lujuria, La perdición de los hombres y Así es la vida. Y por qué no, también compuso música para Terror en la mafia, una joya fílmica más de los hermanos Almada.

Para pasar de inmediato al tema que nos ocupa, hay que iniciar diciendo que Tochin, el conejo de la luna es una obra para narrador y orquesta, creada por Leoncio Lara Bon a partir de un hecho evidente que el compositor discutió con su amigo el director de orquesta José Areán: que hay pocas obras nuevas y buenas dedicadas específicamente a niños y jóvenes, y que los programas sinfónicos con este perfil suelen incluir siempre las mismas obras, que se repiten una y otra vez. Esta percepción de los dos músicos amigos no es abstracta, ya que ambos tienen niños a los que querrían ofrecer algo distinto en el ámbito de la música sinfónica. Ante este panorama, Bon decide escribir el cuento sinfónico Tochin, el conejo de la luna, un poco a la manera de Pedro y el lobo de Sergei Prokofiev (1891-1953). El texto fue escrito por Paola Jauffred, y está basado en una de las leyendas del México antiguo recogidas por Fray Bernardino de Sahagún en su Historia general de las cosas de la Nueva España. En el capítulo 2 del libro séptimo de la obra, titulado De la luna, se habla de la creación del sol y la luna. Los dioses, a petición de Quetzalcóatl, se ofrecen en sacrificio para crear ambos cuerpos celestes, pero el resultado es que ambos brillan con la misma intensidad, impidiendo que existan el día y la noche. Para resolverlo, Quetzalcóatl lanza un conejo a la faz de la luna, consiguiendo con ello que su resplandor disminuya. En la adaptación de la leyenda que Leoncio Lara utiliza como cimiento de su obra, Tochin (conejo, en náhuatl) es el protagonista que se ofrece heroicamente a ser lanzado hacia la cara de la luna.

En cuanto a la función del texto al interior de la obra, Bon señala que en ocasiones la voz del narrador se superpone a la música, a la manera de un melodrama, y a veces es independiente de los sonidos orquestales. Respecto a la esencia de la música que ha creado para Tochin, el conejo de la luna, Bon hace esta lúcida observación:

Otra discusión que he tenido con Pepe Areán trata el tema de que la música concebida especialmente para niños, en realidad primero debe ser adecuada para los grandes, y que también los niños puedan escucharla y comprenderla. Porque de otra manera, y lo hemos visto y escuchado muchas veces, hoy en día se escribe música para niños que resulta muy ñoña y sin chiste. No se trata tampoco de escribir para ellos obras demasiado largas o demasiado complejas, sino encontrar un justo medio.

En cuanto al perfil musical de la obra, Leoncio Lara afirma que ha utilizado sobre todo elementos de los lenguajes establecidos en el siglo XX. Así, es posible hallar en Tochin, el conejo de la luna episodios tonales, otros modales y algunos más politonales, con breves adornos de lenguajes más de vanguardia. Ante estos datos, se impone claramente una pregunta: ¿hay en la partitura de la obra alguna influencia del pasado (y presente) rockero de Bon? Responde el compositor:

No de manera muy evidente. Pero sí es posible encontrar por ejemplo algunas cuestiones rítmicas que remiten, si no directamente al rock, sí al elemento básico del beat, el pulso usualmente asociado con el rock y otras músicas similares. Y a veces a las orquestas se les dificulta enfrentarse a esta clase de patrones rítmicos.

No puedo concluir este texto sin profundizar un poco más en la conexión que hay entre Leoncio Lara Bon y José Areán a través de un indispensable dato histórico-musical. Hábil director de orquesta graduado en Viena, con un repertorio creciente y ciertamente demandante, José Areán fue, hace largos años (y con algunos centímetros más de cabellera) el bajista del grupo Bon y los Enemigos del Silencio, y hoy asume cabalmente su pasado rockero como un paso más en su arduo aprendizaje musical. Fue precisamente José Areán el encargado de dirigir el estreno absoluto de Tochin, el conejo de la luna de Leoncio Lara Bon, el 6 de octubre de 2012, al frente de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México. Más recientemente, José Areán y Leoncio Lara han colaborado en otro proyecto musical de raíz popular: Los Señores Blues Band.