En el trabajo creativo de la compositora estadunidense Grace Hale se sintetizan con elegancia las formas, los géneros y los lenguajes de la música académica con una clara vocación narrativa, centrada esta última en su interés específico por la música de cine y su deseo de producir obras que, más que sólo composiciones musicales, puedan convertirse en experiencias multidisciplinarias que estimulen la imaginación del público.

Grace Hale obtuvo su licenciatura en música en el Colorado College en 2020, y concluyó sus estudios de maestría en la Universidad de Michigan en 2023, teniendo entre sus principales maestros al destacado compositor estadunidense Michael Daugherty (1954). El mismo año que completó su maestría, Hale recibió dos encargos: uno de ellos produjo la obra orquestal titulada This is Not a Dream (‘Esto no es un sueño’), y el otro fue un doble concierto para oboes, The Night Within Us (‘La noche en nuestro interior’).
Traduzco aquí en su integridad el texto que me envía Grace Hale sobre esta obra suya:

The Night Within Us (‘La noche en nuestro interior’) es un concierto colaborativo en cuatro movimientos compuesto por Grace Hale, Hannah Boissonneault, Natalia Camargo Duarte, y Madeline Merwin. Este doble concierto para oboes celebra el ethos de la sanación colectiva, la vulnerabilidad y los goces de la creatividad comunal. El título está tomado de una cita de Victor Hugo en su novela Noventa y tres:

Lo que la noche hace en nuestro interior puede dejar estrellas.

El movimiento inicial del concierto, titulado Now | Then (‘Ahora | Después’) fue escrito por Grace Hale. Alineado con el tema celestial, Now | Then está inspirado en el concepto de que observar una estrella en el momento presente significa ser testigo de la luz que emitió años atrás. Este movimiento sirve como un recordatorio de que nuestra percepción del presente con frecuencia ofrece un atisbo al pasado. El movimiento de Hale ahonda en la convergencia entre el pasado y el presente a través de un lente creativo, explorando particularmente cómo el asombro infantil permea todo su trabajo creativo. Al interior de este movimiento, los dos oboístas reflejan el diálogo interior entre el ser infantil de Hale y su ser actual dentro de su proceso creativo. La compositora sitúa a sus dos personajes imaginarios en diversos ambientes a lo largo del movimiento; comienza con una conversación mientras miran las estrellas en la cima de una montaña, haciendo una transición a una vivaz carrera por las calles de una ciudad, para terminar de nuevo con la plácida contemplación desde la cima de la montaña. Now | Then invita al oyente a redescubrir su yo infantil y a reflexionar sobre las personas y las experiencias que lo han convertido en lo que hoy es.

Este doble concierto para oboes está estructurado de esta manera:

 • I. Now | Then (Grace Hale)
 • II. Reverie (Hannah Boissoneault)
 • III. Danza mestiza (Natalia Camargo Duarte)
 • IV. Midnight Snack (Madeline Merwin)

La pieza de Grace Hale se desarrolla en tres secciones claramente diferenciadas: una primera sección lenta y expresiva, en la que acaso puedan percibirse resonancias impresionistas, seguida sin pausa de una segunda parte viva, energética y acentuada que, después de un clímax, da paso a un retorno al ambiente contemplativo del inicio; la textura sonora se adelgaza paulatinamente y la pieza se diluye en el silencio.
Este doble concierto fue encargado a las cuatro compositoras por las oboístas Sarah Pinto y Eli Stefanacci, y sus movimientos han sido estrenados por separado, algunos en su versión orquestal original, otros en su reducción para piano. El estreno absoluto del movimiento inicial, Now | Then, compuesto por Grace Hale y terminado en junio de 2023 ocurrió el 21 de junio de 2024 en el Teatro Richard F. Celeste de la ciudad de Colorado Springs, con Robert Walters y Caroline Becker en los oboes, acompañados por la Orquesta del Festival Musical de Verano del Colorado College (alma mater de la compositora), dirigida por Scott Yoo.
El estreno en México se lleva a cabo el 25 de mayo de 2025, con Fielding Roldán y Kevin Tiboche en los oboes, y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México bajo la batuta, de nuevo, de Scott Yoo.

Cuando se habla del catálogo de composiciones de Dmitri Shostakovich suele ser obligatorio referirse a sus quince sinfonías y sus quince cuartetos de cuerda como lo más importante de su producción musical. Sin embargo, sería injusto olvidar las otras áreas de su trabajo creativo, no sólo porque en ellas hay música muy interesante y muy valiosa, sino también porque ahí pueden hallarse significativas contribuciones del gran compositor ruso a la música de nuestro tiempo. En este sentido, es indispensable mencionar su importante producción en el ámbito de los conciertos para instrumento solista y orquesta.

En el área de la escritura concertante, Shostakovich fue en general menos aventurero que muchos de sus contemporáneos. Ahí donde otros compositores exploraron la sonoridad de instrumentos solistas poco convencionales, Shostakovich eligió caminos más seguros: compuso, de modo muy simétrico, dos conciertos para violín, dos conciertos para piano y dos conciertos para violoncello. A lo más que llegó Shostakovich fue a incluir en el primero de los conciertos para piano (1933) una importante parte para trompeta, instrumento que funciona casi como un segundo solista.

El primero de los dos conciertos que Shostakovich escribió para el violoncello data del año de 1959, y según el catálogo cronológico de sus composiciones, esta fue la única obra importante escrita en ese año; su único otro trabajo de 1959 fue la transcripción para orquesta de la Khovanschina de Modesto Mussorgski (1839-1881). Como tantas otras obras de la historia de la música, el Primer concierto para violoncello de Shostakovich debe su existencia a la presencia cercana de un gran intérprete: el espléndido violoncellista Mstislav Rostropovich, quien fue amigo cercano de Shostakovich y, sin duda, uno de sus intérpretes más comprometidos. Así, Shostakovich dedicó esta obra a Rostropovich, quien fue el encargado de estrenarla en la ciudad de Leningrado el 4 de octubre de 1959, con la Orquesta Filarmónica Estatal de Leningrado dirigida por Evgeny Mravinsky, otro gran intérprete de la música de Shostakovich. Cinco días después, la obra fue tocada por primera vez en Moscú, con el mismo Rostropovich como solista y bajo la dirección de Alexander Gauk. Con motivo de este estreno en Moscú, el gran director de orquesta Kiril Kondrashin escribió una reseña de la obra, en la que mencionaba las similitudes de esta obra con el Primer concierto para violín de Shostakovich. Más adelante, Kondrashin se refería a la original forma de este concierto para violoncello, a su colorido y brillante movimiento final, al concentrado lirismo de sus movimientos lentos. En otra parte de su nota, Kondrashin ponía una vez más el dedo en la llaga político-musical que marcó a Shostakovich durante toda su vida profesional. Escribía Kondrashin:

A veces, los principios del realismo socialista han sido interpretados de modo primitivo, como si la obra debiera ser comprendida a toda costa, aunque el precio sea la trivialidad. Esta errónea interpretación puede refutarse de manera general con la música de Shostakovich, y en particular, con su Concierto para violoncello.

Dicho de otra manera, Kondrashin parecía estar convencido de que esta obra de Shostakovich era una muestra suprema del credo estético del realismo socialista, aunque, según lo ha demostrado la historia, es más probable que el Primer concierto para violoncello sea sólo música y nada más. No olvidemos a este respecto que Shostakovich tuvo muchos problemas con la burocracia soviética de su tiempo, que criticó duramente su música en más de una ocasión, llegando incluso a aislar al compositor, a relegarlo a un plano secundario dentro del aparato cultural soviético, salvo cuando convenía a los intereses de las altas jerarquías del stalinismo.

En contraste con esta actitud vale la pena mencionar que cuando el Primer concierto para violoncello de Shostakovich se estrenó en los Estados Unidos, con Rostropovich como solista y la Orquesta de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy, se hallaba presente una verdadera constelación de personalidades musicales. Además del propio compositor, asistieron a este estreno otros importantes músicos soviéticos: Dmitri Kabalevsky (1904-1987), Tikhon Khrennikov (1913-2007), Konstantin Dankevich (1905-1984) y Fikret Amirov (1922-1984). Y, por otro lado, se dieron cita al estreno varios de los compositores estadunidenses más relevantes de esa época, como Henry Cowell (1897-1965), Roger Sessions (1896-1985), Samuel Barber (1910-1981), Paul Creston (1906-1985), Gian Carlo Menotti (1911-2007), Vincent Persichetti (1915-1987), Elie Siegmeister (1909-1991), Richard Yardumian (1917-1985) y Norman Dello Joio (1913-2008). Es decir, que el vacío que a veces se le hacía a Shostakovich en su patria era subsanado por la admiración que se le tenía en el extranjero.

Siete años después del estreno de esta obra, el mismo Mstislav Rostropovich se encargó de estrenar el Segundo concierto para violoncello de Shostakovich, también dedicado a él, en Moscú, el 25 de septiembre de 1966.

Siempre que se habla de la Primera sinfonía de Dmitri Shostakovich se repite el concepto de que, para ser una obra de juventud, es una obra de una madurez y una seguridad notables. Esta asombrosa Primera sinfonía lleva el número de opus 10 en el catálogo del compositor ruso y, aunque sólo sea por curiosidad, no está de más saber qué obras le precedieron. Así, tenemos que el opus 1 de Shostakovich es un Scherzo para orquesta; el opus 2, Ocho preludios para piano; el opus 3, Tema y variaciones para orquesta; en su opus 4 Shostakovich propuso Dos fábulas de Krylov para mezzosoprano y orquesta; en seguida, Tres danzas fantásticas para piano, Op. 5; para el opus 6, una Suite para dos pianos; el opus 7 es otro Scherzo para orquesta; el opus 8 fue asignado a un Trío para violín, violoncello y piano; y en el opus 9 hallamos Tres piezas para violoncello y piano. Esta última obra fue escrita en 1923 y al año siguiente Shostakovich estaba listo para dar la gran sorpresa con su Primera sinfonía. Y como esta obra tiene mucho que ver con Shostakovich el estudiante de música, se impone hacer una breve desviación y revisar sus estudios formales.

A los nueve años de edad Shostakovich estaba recibiendo las primeras lecciones de piano a cargo de su madre. A los diez entró a la Escuela Glasser de Música y pronto comenzó a realizar sus primeras composiciones, que años más tarde destruiría en un momento de autocrítica. En 1919 Shostakovich ingresó al Conservatorio de Leningrado, su ciudad natal, apoyado moral y económicamente por el compositor Alexander Glazunov (1865-1936). Cuatro años después, había terminado brillantemente la carrera de pianista; al respecto, los historiadores afirman que Shostakovich bien pudo haber realizado una gran carrera de giras y conciertos como ejecutante, pero el caso es que prefirió dedicarse a la composición, y las pocas actividades que realizó como pianista fueron casi siempre interpretando su propia música.

Entre 1924 y 1925 Shostakovich compuso una obra que debía ser presentada en el Conservatorio de Leningrado como su pieza de graduación; la obra en cuestión fue la Primera sinfonía, que causó una sensación inmediata y que hasta hoy es una de sus obras más populares. La sinfonía se estrenó el primero de mayo de 1926 en Leningrado bajo la dirección de Nikolai Malko. De inmediato, la obra se tocó en Moscú y obtuvo la aprobación unánime de los críticos. Poco después, el gran director alemán Bruno Walter llegó a la Unión Soviética en una gira y conoció la partitura de la Primera sinfonía de Shostakovich, que el propio compositor interpretó para él en el piano. La obra impresionó tanto a Walter que el director alemán se llevó copia de la partitura y a su regreso a Europa Occidental interpretó la sinfonía en Berlín, en Munich y en Viena, en 1927. Un año después, Leopold Stokowski daba a conocer la Primera sinfonía de Shostakovich en los Estados Unidos, al estrenarla en Filadelfia.
Rita McAllister, conocedora profunda de la música de Shostakovich, escribió un texto en el que da cuenta de las características principales de esta obra: concepción de temas como mosaicos, tendencia a la estructura por secciones, instrumentación muy individual, explorando los registros extremos de los instrumentos, la inclusión del piano como instrumento orquestal. La solidez de esta obra de Shostakovich, su energía y su frescura, y el hecho de que haya permanecido en un lugar de privilegio en el repertorio del siglo XX se hacen aún más admirables cuando recordamos que fue escrita por un joven de 18 años de edad. Al ser estrenada la Primera sinfonía de Shostakovich el medio musical oficial de la Unión Soviética supo reconocer el valor y el talento del compositor, quien se convirtió en una especie de músico oficial del sistema, promovido, protegido y halagado. Este estado de cosas habría de durar bien poco, porque en 1936, a raíz de su ópera Lady Macbeth de Mtsensk, Shostakovich provocó la ira de las autoridades, que comenzaron a denunciarlo y criticarlo con dureza, al grado de obligarlo a retirar su Cuarta sinfonía durante los ensayos previos al estreno. Más tarde, el compositor ofreció su Quinta sinfonía como una especie de “disculpa musical” ante la burocracia soviética, pero en realidad esta obra fue más un grito de angustia y rebeldía que una solicitud de perdón.
Además de lo anotado por Rita McAllister respecto a las tendencias de Shostakovich como sinfonista, vale la pena mencionar lo dicho por el musicólogo Robert Layton, quien afirma que en las sinfonías del compositor soviético (incluida la primera) están presentes las mayores contradicciones: lo épico, lo vulgar, lo desolado, lo pesimista, lo brutal, lo humorístico. Es decir, un mundo musical moderno muy al estilo del de Gustav Mahler (1860-1911), lo que nos lleva a suponer que, quizá, con la creación de su Primera sinfonía Shostakovich estaba dando aviso de que él era el auténtico heredero de la gran tradición sinfónica europea.