La primera obra del programa nos acerca a una de las figuras más relevantes en la toma de conciencia y acción frente a las desigualdades de género en la sociedad mexicana: Gina Enríquez. Pianista, compositora y directora de orquesta, Enríquez ha desarrollado una destacada trayectoria musical, siempre consciente del impacto que la música puede tener en quienes la escuchan. Su compromiso la llevó a fundar en 2002 la Orquesta Sinfónica de Mujeres del Nuevo Milenio, la primera agrupación profesional de México integrada únicamente por mujeres. En su más reciente etapa, su trabajo ha estado vinculado con el activismo en favor de especies en peligro de extinción y la “conservación de la vida”, como ella misma afirma. Sin embargo, su catálogo también incluye piezas como Tango, donde expresa su amor por esta música surgida a finales del siglo XIX en Argentina y Uruguay, resultado de la fusión de influencias como los ritmos africanos, la habanera cubana, la milonga y la música europea.

Compuesta en 2001, Tango fue estrenada ese mismo año por la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Hidalgo bajo la batuta de la propia compositora. Desde entonces, la obra ha tenido una larga vida en México y el extranjero, incluyendo con ello varias grabaciones: la primera en 2003 con la orquesta que Enríquez fundó y dirigió; otra en 2010 con la Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, bajo la dirección de Gabriela Díaz Alatriste, y la más reciente en 2018 con la Orquesta Sinfónica de Puebla, dirigida por Fernando Lozano.

Se trata de uno de los pocos tangos sinfónicos compuestos originalmente para orquesta, en contraste con los numerosos arreglos de obras de compositores como Astor Piazzolla, uno de los favoritos de Enríquez. Aunque la obra sigue el estilo del tango tradicional, lleva en sí misma la impronta de la compositora, quien incorpora gestos del jazz en la escritura de los alientos, evocando por momentos el sonido de las big bands de la década de 1930. Tras una breve introducción, Tango nos arrastra al universo de esta danza sensual, capturando la energía del baile y la mirada de quienes lo presencian. En la sección central, el tango se transforma en un idilio, con un pasaje entre los alientos que, como comenta la autora “bien podría simular las caricias de los bailarines”. Pero, como el tango no es tal sin drama, el tema de la primera parte regresa con su marcha marcada, impulsándonos nuevamente al movimiento hasta el último compás.

La artista estadounidense Georgia O’Keeffe (1887-1986) dedicó gran parte de su obra a pintar flores, pues decía que “la mayoría de la gente en la ciudad corre tanto, que no [tenía] tiempo de mirarlas”. Esta frase nos remite, por un lado, al ajetreo citadino y, por otro, a la contemplación, elementos centrales en SkyLine de Jennifer Higdon.

Nacida en Brooklyn, Nueva York, e hija de un padre pintor, no fue extraño que Higdon explorara distintas artes antes de dedicarse a la música. Primero incursionó en la batería, luego en la flauta, hasta que finalmente encontró su camino en la composición, disciplina que la ha llevado a obtener numerosos reconocimientos. Entre ellos destacan el Premio Pulitzer de Música en 2010 por su Concierto para violín y tres Premios Grammy a la Mejor Composición Clásica Contemporánea por su Concierto para percusión (2010), Concierto para viola (2018) y Concierto para arpa (2020).

Higdon escribió SkyLine en 2002 como parte de un encargo de la Orquesta Sinfónica de Atlanta. Esta pieza es la primera de un tríptico titulado City Scape, en el que la compositora, al igual que O’Keeffe con sus flores, nos invita a detenernos y contemplar el paisaje de la ciudad donde vivió los primeros diez años de su vida.

En SkyLine, Higdon aprovecha los recursos orquestales para construir un movimiento dinámico y constante. Como ella misma describió, la obra evoca “ese horizonte urbano distintivo: un perfil de acero que se alza en el cielo con formas y edificios monumentales que constituyen su sello característico. Las estructuras de acero proyectan una imagen de audacia, fuerza y crecimiento, rebosante de comercio y de la vida de quienes trabajan y habitan allí”. En medio de este bullicio, la música se detiene en un momento de calma, reflejando la quietud nocturna. Pero con el amanecer, la ciudad despierta. Poco a poco, cada instrumento de la orquesta se une nuevamente al movimiento acelerado de la gran urbe, reflejando así su incesante vitalidad.

Originaria de Montevideo, Uruguay, Florencia Di Concilio (1979) proviene de una familia con varias generaciones de músicos, lo que le permitió familiarizarse tanto con la música clásica como con la música popular. Tras estudiar en la Escuela de Artes del College of Charleston en Carolina del Sur, continuó su formación en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y posteriormente obtuvo una maestría en composición y orquestación en el Conservatorio de París. Fue precisamente en Francia donde incursionó en la musicalización de películas, un trabajo que ha desarrollado a lo largo de los años en filmes entrañables como Calamity (2020), una película animada ambientada en el Viejo Oeste estadounidense, basada en la vida de la legendaria Calamity Jane. Hábil jinete y tiradora, Jane trabajó como exploradora para el ejército, guió caravanas y participó en diversas actividades fronterizas en una época dominada por hombres.

Pero, como la misma compositora ha reconocido: “Para hacer música de cine, primero tienes que saber cómo hacer música”, y es así como hoy nos encontramos con su Concierto para piano núm. 2. Compuesto por encargo de la Orquesta Sinfónica de Miami y estrenado por esta misma agrupación en octubre de 2016 con el pianista uruguayo Ciro Foderé como solista, bajo la batuta del director venezolano Eduardo Marturet.

Esta obra de tres movimientos ha sido descrita como el “Concierto para piano núm. 5 de Rachmaninoff”, y en efecto, el carácter romántico del primer movimiento evoca las ensoñaciones propias de los conciertos del compositor ruso. Sin embargo, la manera en que Di Concilio desarrolla las variaciones del tema central revela tanto su formación pianística como su experiencia en la música cinematográfica, donde el tema principal adquiere un carácter entrañable. Incluso, por momentos, la obra nos remite a improvisaciones jazzísticas y guiños a la música cinematográfica de Ennio Morricone.

El segundo movimiento, descrito como una evocación de la luz de la luna, continúa la atmósfera onírica en un episodio lento donde el piano y la orquesta dialogan íntimamente, en un intercambio de igual a igual. En el tercer movimiento, Di Concilio hace honor a su apellido (concilio), fusionando el lirismo romántico con un lenguaje contemporáneo, entrelazando influencias europeas, estadounidenses y latinoamericanas. Este movimiento retoma un pulso acelerado, con pasajes de gran exigencia para el solista que llevan la tensión in crescendo hasta un clímax final de gran intensidad.

Descendiente de una distinguida familia de Nueva Inglaterra, Amy Marcy Cheney aprendió a tocar el piano a los seis años gracias a su madre, Clara Imogene, quien, acorde con la época, tocaba el piano y cantaba. Sin embargo, la pequeña Amy ya cantaba con ella desde el primer año de vida y, según se dice, a los cuatro imaginaba piezas que luego interpretaba al piano de forma autodidacta.

En 1875, la familia Cheney se mudó a Boston, donde Amy recibió clases privadas de piano con profesores de origen alemán radicados en Estados Unidos: Ernst Perabo y Carl Baermann. Su formación también estuvo supervisada por otras figuras, como Percy Goetschius —profesor reconocido internacionalmente en la enseñanza de la composición y la teoría musical—, así como Henry Harris Aubrey Beach, un médico y cantante aficionado 24 años mayor que ella, con quien contrajo matrimonio en 1885, adoptando así el apellido por el que hoy la conocemos.

Además de su virtuosismo al piano, Amy Beach estudió con avidez tratados de composición y orquestación de sus propios maestros y de compositores como Hector Berlioz. Durante este periodo escribió su Misa en mi bemol Op. 5, así como canciones y piezas corales. Tras su matrimonio, con el apoyo de su esposo —algo poco común en la época—, dedicó su tiempo a la composición. Así, en 1894 escribió y publicó su Sinfonía Gaélica, convirtiéndose en la primera sinfonía compuesta y publicada por una mujer estadounidense. La obra fue estrenada en 1896 por la Sinfónica de Boston.

Esta sinfonía se inscribió en el imaginario creativo de la música del Nuevo Mundo, influida por la sinfonía que Dvořák había escrito en 1893. Sin embargo, a diferencia de otros compositores que incorporaban tradiciones africanas y nativas americanas, Beach encontró inspiración en la cultura gaélica tradicional, vinculada a la lengua celta de Escocia y sus descendientes, pues consideraba que esta herencia reflejaba con mayor fidelidad su identidad angloamericana.

Estructurada en cuatro movimientos, la Sinfonía Gaélica no solo evidencia la maestría de la compositora, sino que nos transporta a los vastos paisajes de Escocia. En el primer movimiento se combinan cierto aire heroico con un carácter bucólico. Las evocaciones de esos paisajes continúan en el segundo movimiento, que desarrolla un tema conmovedor y pastoril, seguido por una escena que sugiere un día de caza. El tercer movimiento despliega un diálogo entre diferentes instrumentos de la orquesta, que entrelazan bellos temas. Finalmente, el último movimiento nos remite a la vida cotidiana de la comunidad celta, la llegada a una tierra prometida y las esperanzas de quienes cruzaron el Atlántico en busca de un nuevo hogar. Con esta obra, Amy Beach ofrece una mirada distinta sobre la diversidad de la identidad estadounidense, de la que ella misma era resultado.