Cuarteto Arditti 50 años. Brad Lubman, director | Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México

Esta página documenta un concierto pasado.

Sábado 29 de junio, 18 horas
Domingo 30 de junio, 12:30 horas
Sala Silvestre Revueltas CCOY

BRAD LUBMAN, director
CUARTETO ARDITTI

György Ligeti (1923-2006)

Cuarteto de cuerdas N°. 2

Juan Arturo Brennan

György Ligeti (1923) es sin duda el más importante compositor surgido en Hungría después de Bela Bartók (1881-945), y una figura indispensable en la historia de la música del siglo XX, no sólo por su labor como compositor sino también por sus posiciones estéticas, políticas e ideológicas, que forman una unidad indivisible con su pensamiento musical.

En 1950, Ligeti compuso una pieza para cuarteto de cuerdas que más tarde descartó de su catálogo, solo para finalmente publicarla hacia el final de su carrera. Sus dos cuartetos de cuerda formales datan respectivamente de 1953-1954 y 1968.

El Cuarteto No. 2 de Ligeti tiene como dos de sus expresiones principales la influencia (asimilada, no imitada) de los espléndidos cuartetos de cuerda de su paisano y predecesor Bartók, y sus propias ideas sobre la micropolifonía. Una de las características sobresalientes del Cuarteto No. 2 de Ligeti es su simetría, expresada no sólo en su estructura de cinco movimientos, sino también en los contrastes entre las intenciones expresivas de cada uno. Así, un primer movimiento nervioso da paso a uno calmado; a un movimiento brutal sigue otro delicado. Y en el centro de estos dos pares, un movimiento mecánico, insistente, sustentado en buena medida como es lógico esperar, en el uso intensivo del pizzicato. Con un poco de imaginación, es posible escuchar en la apretada polifonía de este breve movimiento algunas sonoridades análogas a las del Poema sinfónico para 100 metrónomos que Ligeti compuso en 1962. En referencia a este movimiento, algunos comentaristas han utilizado el término "puntillismo", que no es del todo inapropiado. El especialista Misha Amory afirma que hay una idea musical común a los cinco movimientos del Cuarteto No. 2, pero que no es ni una melodía, ni un Leitmotiv, ni un patrón o figura rítmica. Se trata más bien de un concepto de textura instrumental que se percibe del principio al final de la obra. György Ligeti apreciaba particularmente su Segundo cuarteto, y llegó a afirmar que se trata de la obra que más aprecia de ese período de su producción.

Ligeti dedicó su Segundo cuarteto de cuerdas al Cuarteto La Salle, ensamble que estrenó la obra el 14 de diciembre de 1969 en Baden-Baden, en el ámbito de la radiodifusora SWF. En el año 2012 fueron descubiertos, en los archivos de la Fundación Paul Sacher, bosquejos de Ligeti para otros dos cuartetos de cuerda, los que serían formalmente el tercero y el cuarto de la serie.

Cerrar / Close

Allegro nervoso
Sostenuto, molto calmo
Come un meccanismo di precisione
Presto furioso, brutale, tumultuoso

Toshio Hosokawa

Fluss

Fluss

Juan Arturo Brennan

Toshio Hosokawa, compositor japonés, hizo sus estudios musicales básicos en Tokio y después se mudó a Berlín para continuar su preparación. En Alemania tuvo como tutores principales a Rolf Kuhnert, Witold Szalonen e Isang Yun, y más adelante estudió con Brian Ferneyhough y Klaus. Huber. Como tantos otros destacados compositores contemporáneos, Toshio Hosokawa participó (en el año 1980) en los legendarios Cursos de Verano de Darmstadt. Su perfil biográfico y musical ha producido en Hosokawa un singular enfoque que le permite escribir obras firmemente ancladas en la tradición occidental de la música académica y, a la vez, informadas por el gran legado cultural de la cultura japonesa, incluyendo en particular la música cortesana gagaku. En diversas ocasiones, Hosokawa ha mencionado como sus guías tutelares en la tradición europea a compositores como Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Nono, Lachenmann y Huber. Además de sus contribuciones a las formas y géneros instrumentales y orquestales de rigor, Toshio Hosokawa ha creado óperas, obras con instrumentos tradicionales del Japón y partituras cinematográficas. En la ficha biográfica de Hosokawa que se encuentra en la página web del IRCAM de París, su música es caracterizada con estas palabras:

Hosokawa da prioridad a la lentitud en su lenguaje, que está caracterizado por un sentimiento flexible y meditativo cuya dimensión espiritual nunca está lejana. Con frecuencia, compone obras en grandes ciclos [...] y otro de sus temas usuales es el del viaje interior y las ligas entre la naturaleza y el individuo.

Entre los numerosos premios y reconocimientos que ha recibido cabe destacar el primer premio otorgado a su obra orquestal Preludio, en el concurso que organizó en 1982 la Orquesta Filarmónica de Berlín con motivo del centenario de su fundación. El compositor japonés ha realizado, además, una importante labor de enseñanza, tanto en su natal Japón como en Europa.

Una revisión al concepto de "las ligas entre la naturaleza y el individuo" que se menciona más arriba es claramente perceptible a lo largo del catálogo de Hosokawa, donde están presentes obras relacionadas (en su título y/o su contenido) con aves, nubes, flores, paisajes, jardines, océanos, capullos, etc. Como uno de varios ejemplos específicos, cabe mencionar la presencia del río en sus obras. En 1982, compuso una pieza para arpa sola titulada Neben der Fluss ('Junto al río'), y en 2014 redactó la partitura orquestal titulada sencillamente Fluss ('Río'). Si bien la obra es conocida sencillamente con ese título, Fluss, la partitura lleva, a manera de epígrafe o subtítulo, esta frase en alemán:

Ich wollt \', ich wäre ein Fluss und Du das Meer

Su traducción al castellano sería esta:

Quisiera yo ser un río, y tú, el mar.

Toshio Hosokawa escribió Fluss, para cuarteto de cuerdas y orquesta, gracias a un encargo conjunto de la Radiodifusión del Oeste Alemán, Casa da Música y el Festival Internacional de Música Eurasia. La obra recibió su estreno absoluto el 24 de octubre de 2014 en la Filarmonía de Colonia, Alemania, con el Cuarteto Arditti y la Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión del Oeste Alemán bajo la dirección de Peter Rundel. Fluss se escucha por primera vez en México el 29 de junio de 2024, con el Cuarteto Arditti y Brad Lubman al frente de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

Cerrar / Close

Hilda Paredes

Recordare

Recordare

Juan Arturo Brennan

A manera de introducción, estas palabras del ideario musical y personal de la compositora mexicana Hilda Paredes:

La música me ha llevado a descubrir múltiples significados y misterios del alma humana. Más que un acto de creación individual, considero mi trabajo como un viaje de descubrimiento. Con frecuencia necesito tomar riesgos para articular la música que me guíe a otros descubrimientos; un proceso que continuamente le da sentido al quehacer musical y a la vida.

Después de una breve reflexión sobre estas elocuentes palabras, he aquí la materia propia de la obra a que se refiere este texto.

Para su temporada 2006-2007, la Dirección de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México encargó a Hilda Paredes una obra sinfónica, destinada a ser estrenada por la Orquesta Filarmónica de la UNAM en el otoño de 2006. El encargo en cuestión conllevaba una acotación: la intención de que la nueva obra se insertara en el marco de la conmemoración del llamado Año Mozart, a los 250 años del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Con motivo de este encargo y el subsecuente estreno de la obra, sostuve por aquel tiempo una variada correspondencia electrónica (ente la Ciudad de México y Londres) con Hilda Paredes. En una primera instancia de ese intercambio, la compositora me informó que, para dar cabal cumplimiento a la parte estrictamente mozartiana de la encomienda universitaria, tomó la decisión de incluir en su partitura algunos elementos específicos de la música de Mozart; a la vez, decidió retomar algunos materiales previos de su propia música. Así, la breve enumeración de las fuentes a las que la compositora alude en esta obra es como sigue:

El material temático fundamental de la obra de Hilda Paredes está derivado de las primeras cuatro notas del tema del Recordare, Jesu pie (que forma parte de la secuencia del Dies irae) del Réquiem K. 626, última obra del catálogo de Mozart.
A su vez, el material armónico de la pieza surge directamente de la introducción al Cuarteto K. 465 de Mozart. Este cuarteto es el último de la espléndida serie de seis que Mozart dedicó a su colega y amigo Franz Joseph Haydn (1732-1809), y data de 1785. Se trata del famoso cuarteto Disonancias, así llamado por lo que el musicólogo Lewis Lockwood llama "los célebres misterios armónicos de la introducción Adagio del primer movimiento".
En esta obra, la compositora hace referencia a algunos materiales tratados previamente en su ópera El palacio imaginado. Se trata de una ópera cuyo libreto (sobre el cuento de Isabel Allende) fue escrito por Adriana Díaz Enciso. El estreno de la ópera se realizó el 12 de junio del año 2003 en el Festival of Arts and Ideas de New Haven, en los Estados Unidos, y poco después se puso en escena en el Theater Pragsattel de Stuttgart. La narración de la ópera gira alrededor de las culturas ignoradas de los indígenas de América Latina, y de la impunidad con la que los poderes coloniales han ejercido su opresión sobre ellas, particularmente en el siglo XX.

La propia compositora hizo esta descripción más específica y completa de los procedimientos compositivos y el contenido musical de su obra Recordare:

El material temático de 4 notas inicial en el Recordare del Réquiem es el punto de partida para elaborar mi material melódico, y aparece en mi obra en su transposición original en varios momentos, y hacia el final, aparece en espejo. La introducción de mi obra parte del mismo material armónico en los primeros compases del Cuarteto K. 465. Como en el Recordare, las relaciones interválicas son semejantes y hay muchas referencias a las quintas y a los tritonos en ambos. La relación Do-La bemol de sexta es también importante en la elaboración de mi material armónico. El Do como nota pedal del inicio en el cuarteto de Mozart es también nota pedal en el inicio de mi obra. La armonía que se construye sobre el Do en los primeros compases del cuarteto de Mozart aparece en mi obra yuxtapuesta para elaborar la introducción de ésta. Las referencias al material de El palacio imaginado son pasajeras, pero más evidentes en la sección donde aparece una fanfarria que inmediatamente puede referirse a la fanfarria de la primera escena de mi ópera, donde el Palacio de Verano es inaugurado por el Benefactor. Mi decisión de integrar algunos elementos fue debido a que es muy difícil producir ópera y mucha gente me pregunta que cuándo se podría escuchar ésta en vivo, lo cual es muy difícil responder dado que no hay aún planes de una reposición o nueva puesta en escena o presentación en versión de concierto. Fue entonces que decidí integrar algunos elementos que aparecen en la ópera. Además, creo que esta idea tiene congruencia con la relación mozartiana dado que su pensamiento era profundamente dramático-operístico, incluso en sus obras de cámara.

En lo que se refiere a aspectos generales de la forma de Recordare, Hilda Paredes afirma también que la introducción gradual de una idea musical sobre otra ya existente es un procedimiento que predomina a lo largo de la obra, y que se presenta desde la introducción. La discusión entre las dos ideas establecidas inicialmente es la parte medular del discurso en Recordare. La orquestación de la obra es hasta cierto punto convencional, pero a lo largo de la partitura la compositora plantea la producción de sonoridades propias de la música contemporánea: en las cuerdas, armónicos, col legno batutto y Tonloss (término alemán que se refiere a tocar sin alturas específicas, como si fuera una respiración). En los instrumentos de aliento, se requieren efectos como el jet whistle en la flauta, sonidos percutidos producidos en el fagot sin la caña, así como sonidos percutidos y de aliento (sin alturas) en los metales.

Recordare recibió su estreno absoluto el 16 de diciembre de 2006 en la Ciudad de México, con la Orquesta Filarmónica de la UNAM dirigida por Daniel Boico.

Cerrar / Close

Pascal Dusapin

Cuarteto VI, Hinterland, hapax

Cuarteto VI, Hinterland, hapax

Juan Arturo Brennan

El francés Pascal Dusapin es uno de esos músicos contemporáneos que se han preparado a conciencia en el estudio de disciplinas distintas a la música; en su caso, arte, ciencia, estética y artes visuales, en la Sorbona de París. Entre 1981 y 1983 fue residente en la Villa Medicis en Roma, y una parte sustancial de su aprendizaje musical fue realizado en los talleres y seminarios conducidos por Iannis Xenakis (1922-2001). Fue, además, alumno de Franco Donatoni (1927-2000). Su destacada trayectoria lo ha hecho merecedor de numerosos premios y reconocimientos, entre los que destacan los de Comandante de la Orden de las Artes y las Letras y el de Caballero de la Orden Nacional de la Legión de Honor. Además de los dos compositores arriba mencionados, Dusapin tiene entre sus figuras tutelares la de su paisano Edgar Varèse (1883-1965), cuyas sonoridades se reflejan en su propia música. La música de Dusapin presenta, entre otras características, una poderosa energía, una tensión interna constante, y un uso progresivo del microtonalismo. Si bien Dusapin ha escrito música en la que aborda muy diversas formas, géneros y dotaciones, es posible señalar dos rubros particularmente destacados en su catálogo: la ópera y el cuarteto de cuerdas.

Pascal Dusapin compuso su Cuarteto VI en 2009 gracias a un encargo conjunto de la Orquesta Sinfónica de Lucerna, el Cuarteto Arditti, los Días Musicales de Donaueschingen, Casa da Música, el Festival Wien Modern y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena. Este Cuarteto VI lleva un título que requiere ser explorado. En alemán, la palabra hinterland (literalmente "tierra de atrás" o "tierra posterior") se refiere a la zona de influencia inmediata a un puerto. De modo más general, el término puede referirse a la zona de influencia próxima de una ciudad, una instalación de infraestructura industrial, un hub aeroportuario, etc. Sin embargo, la palabra hinterland en inglés tiene un significado distinto. Dice el Diccionario Oxford que hinterland se refiere a las regiones remotas de un país alejadas de la costa o de importantes cuencas fluviales; es decir, el interior profundo.

El término hapax (citado también como hapax legómenon) proviene del ámbito de la lingüística y la semántica, y se refiere a una palabra que aparece una sola vez en un idioma, en la obra entera de un autor o en un texto completo. Se dice que poco después de crear este Cuarteto VI, Pascal Dusapin comentó que había utilizado el término hapax en el sentido de indicar que nunca más volvería a componer un cuarteto con orquesta.

El Cuarteto VI de Dusapin está dividido en cuatro movimientos que llevan todos el mismo título, con un número consecutivo. Ese título es Tentative d'épuisement, que en castellano significa "tentativa de agotamiento".

El Cuarteto VI, Hinterland, hapax de Pascal Dusapin data de 2009, y se estrenó el 28 de abril de 2010 en la Sala de Conciertos del Centro Cultural de Lucerna, Suiza. La interpretación estuvo a cargo del Cuarteto Arditti y la Orquesta del Festival de Lucerna dirigida por Jonathan Nott. La obra recibe su primera audición en México el 29 de junio de 2024 con el Cuarteto Arditti y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México dirigida por Brad Lubman.

Los interesados en profundizar su contacto con esta singular obra de Dusapin pueden acceder a una espléndida grabación del Cuarteto VI realizada por el Cuarteto Arditti y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por Pascal Rophé. En 2009, año de composición del Cuarteto VI, Pascal Dusapin compuso la siguiente obra de la serie, el Cuarteto VII, Open Time.

Cerrar / Close

Primera tentativa de agotamiento
Segunda tentativa de agotamiento
Tercera tentativa de agotamiento
Cuarta tentativa de agotamiento

Brad Lubman
Director(a)
Leer más

Brad Lubman

Director(a)

Brad Lubman, director de orquesta y compositor estadounidense, ha obtenido un amplio reconocimiento por su versatilidad, su imponente técnica y sus reveladoras interpretaciones a lo largo de más de dos décadas.

Frecuente director invitado de las más distinguidas orquestas y conjuntos de nueva música del mundo, Lubman ha dirigido actuaciones con orquestas como la Orquesta Real del Concertgebouw, la Filarmónica de la Radio Francesa, Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de San Francisco, la Orquesta Sinfónica Nacional Danesa, la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara, la Orquesta sinfónica WDR y la Orquesta Sinfónica
alemana de Berlín. Tras recientemente dirigir a importantes orquestas internacionales como la Orquesta Sinfónica de la BBC, la Filarmónica de la Scala y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín durante la temporada 2021-22, Brad Lubman actuará con la Orquesta sinfónica SWR, la Orquesta de la Elbphilharmonie NDR, la Sinfónica de la Radio de Frankfurt y la Orquesta Filarmónica de Bruselas, entre otras.

Además, ha trabajado con algunos de los más importantes conjuntos europeos y americanos de música contemporánea, como el Ensemble Modern, la Sinfonietta de Londres, el Klangforum de Viena, así como con Steve Reich and Musicians. Lubman ha sido conductor en festivales de nueva música en toda Europa, incluyendo ciudades como Lucerna, Salzburgo, Berlín, Huddersfield, París, Colonia, Fráncfort y Oslo. Ha recibido el
premio Ditson Conductor 2019, en reconocimiento a su distinguida trayectoria en la interpretación y defensa de la música contemporánea estadounidense.

Lubman es codirector artístico y director del Ensemble Signal, con sede en Nueva York. Desde su debut en 2008, el Ensamble ha ofrecido más de 350 conciertos y coproducido diez grabaciones. Su grabación de Music for 18 Musicians (Música para 18 músicos) de Reich en harmonia mundi fue galardonada con un premio Diapason d'or en junio de 2015, además de figurar en las listas Billboard Classical. En la primavera de 2019, dirigió alconjunto en el estreno de Reich/Richter de Steve Reich como parte del proyecto Reich Richter Pärt en la inauguración del espacio de arte neoyorquino The Shed.

Brad Lubman ha grabado para harmonia mundi, Nonesuch, AEON, BMG/RCA, Kairos, Mode, NEOS y Cantaloupe. En 2017, fue compositor residente en el Festival de Grafenegg; sus composiciones han sido interpretadas por aclamados ensambles como el de la Orquesta Tonkünstler de Austria y el de los músicos de la Filarmónica de Los Ángeles. En 2020 se estrenó una nueva pieza escrita por Lubman para Rudolf
Buchbinder, la cual se estrenó en el Musikverein de Viena y también fue grabada para la disquera Deutsche Grammophon.

Lubman también es profesor de conducción y ensambles en la Escuela de Música Eastman, así como miembro del profesorado del Instituto de verano Bang on a Can.

Cerrar / Close

Cuarteto Arditti

Leer más

Cuarteto Arditti

El Cuarteto Arditti goza de una reputación internacional por sus tecnicamente refinadas y brillantes interpretaciones de la música contemporánea desde principios del siglo XX hasta nuestros días. Cientos de cuartetos de cuerdas y muchas otras obras de cámara han sido escritas para ellos desde que Irvine Arditti, el primer violín, lo fundó en 1974. Muchas de estas obras han dejado una marca permanente en el repertorio del siglo XX y le han dado al Cuarteto Arditti un firme lugar en la historia de la música. Estrenos mundiales de obras de compositores como Ades, Andriessen, Aperghis, Birtwistle, Britten, Cage, Carter, Denisov, Dillon, Dufourt, Dusapin, Fedele, Ferneyhough, Francesconi, Gubaidulina, Guerrero, Harvey, Hosokawa, Kagel, Kurtag, Lachenmann, Ligeti, Maderna, Manoury, Nancarrow, Reynolds, Rihm, Scelsi, Sciarrino, Stockhausen, Xenakis y cientos más, demuestran el amplio rango del repertorio del Cuarteto Arditti.

El grupo cree que la colaboración cercana con los compositores es vital para el proceso interpretativo de la música nueva y por ello intenta trabajar con cada compositor que interpretan. La extensa discografía del Cuarteto Arditti tiene ahora más de 200 cds.

Cuarenta y dos discos fueron editados como parte de la serie del grupo en el sello Naïve Montaigne . Con esta serie se inició la tendencia de presentar monográficos de compositores contemporáneos, grabados en presencia de los compositores, así como la primera versión digital de la música de cámara para cuerdas de la Segunda Escuela de Viena. Además el Cuarteto ha grabado para más de veinte distintos sellos discográficos y junto con estos, esta colección de cds es la más extensiva disponible en la literatura para cuartetos de cuerda de los últimos cuarenta y cinco años. Sólo para mencionar a algunos: desde la música de cámara para cuerdas de Xenakis hasta Berio, Cage, Nono y Lachenmann e inclusive el famoso Cuarteto de Helicópteros de Stockhausen.

Algunas de las más recientes grabaciones están editadas en el sello francés Aeon que incluye monográficos de Birtwistle, Dusapin, Ferneyhough, Gerhard, Harvey y Paredes.

Durante los últimos treinta años, el grupo ha recibido numerosos premios por su trabajo. En varias ocasiones han sido galardonados con el Deutsche Schallplatten Preis y el Gramophone Award por la mejor graba ción de música contemporánea en 1999 (Elliott Carter) y en el 2002 (Harrison Birtwistle). En el 2004 recibieron el premio “Coup de Coeur” de la Academia Charles Cross en Francia por su excepcional contribución a la difusión de la música contemporánea. El prestigioso Ernst von Siemens Music Prize, les fué otorgado en 1999 por sus logros vitalicios en música. Hasta el día de hoy, el Cuarteto Arditti es el único grupo que ha recibido este premio.

La Fundación Sacher en Basilea, Suiza alberga el archivo completo del Cuarteto Arditti.

(Tomado del sitio de la agrupación)

Cerrar / Close