Ese admirable proyecto social y musical (en ese orden) que es el famoso Sistema venezolano de orquestas infantiles y juveniles ha producido un número notable de orquestas y ensambles de diversa conformación. Y, claro, ha producido también músicos individuales que han hecho importantes carreras internacionales; si bien algunos de esos músicos se han especializado en un solo oficio, otros han desarrollado diversas actividades en el ámbito de la música, lo que es reflejo de la excelencia del Sistema fundado y dirigido durante muchos años por José Antonio Abreu. Uno de esos músicos venezolanos de talento múltiple es Giancarlo Castro D’Adonna, que ejerce como trompetista, como director de orquesta y como compositor.
Castro D’Adonna es originario de Barquisimeto, capital del Estado Lara, donde inició su preparación musical. A su paso por el Sistema ha sido miembro de la ya legendaria Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, así como también del Quinteto de Metales Simón Bolívar y del Ensamble de Metales de Venezuela. Como director, ha estado al frente de numerosos ensambles venezolanos, y ha dirigido también orquestas del extranjero: Colombia, Estados Unidos, Francia, por ejemplo. En el campo de la composición, realizó lo fundamental de sus estudios con el destacado compositor y educador colombiano Blas Emilio Atehortúa (1943-2020). En diversos documentos a su respecto, incluyendo su propio sitio web, se menciona que las principales influencias de Castro D’Adonna como compositor se encuentran en la música latinoamericana, el jazz, la electrónica y la música de cine.
Como consecuencia lógica de su trayectoria como trompetista, su catálogo es particularmente abundante en obras para instrumentos de metal, tanto en calidad de solistas como en todo tipo de ensambles. Así, ha escrito obras para cuarteto de trompetas, quinteto de metales, ensamble de metales, banda de metales, banda de alientos, banda sinfónica, big band, etc. En el resto de su producción se encuentran también obras para orquesta, piezas de cámara, composiciones para violín solo y piano solo. En esta región de su trabajo compositivo destaca su Concierto sureño para violín y cuerdas, que le fue encargado por Laurentius Dinca, miembro de la sección de primeros violines de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Además, ha escrito música para cine, y ha estudiado con particular interés las técnicas más nuevas de producción y grabación de sonido.
En distintas fuentes de información se anota que la obra más conocida, difundida y exitosa de Giancarlo Castro D’Adonna es su Grand fanfare Op. 7, título que se traduce fácilmente al castellano como Gran fanfarria. La obra data del año 2004, y se hizo famosa de inmediato, desde su estreno mismo, al grado de que existen ya varias grabaciones de la Grand fanfare, tanto en audio como en video. El prestigio de la obra es tal que, entre muchos otros ensambles que la han interpretado, destaca la Banda Presidencial de los Estados Unidos. La dotación instrumental de esta obra es ciertamente espectacular: cuatro cornos, cuatro trompetas (de diversas tesituras), flugelhorn, tres trombones, trombón bajo, eufonio, dos tubas, timbales, triángulo, platillos, tarola, bombo, campanas tubulares y marimba.
La Grand fanfare es una extrovertida y potente pieza, de ambiente festivo, que bien pudiera considerarse como una breve sinfonieta para metales, ya que está dividida claramente (pero sin interrupciones) en cuatro secciones bien definidas. La primera, la segunda y la cuarta son brillantes y veloces, mientras que la tercera es más lírica y contemplativa. Y en todo momento, sobresale con luz propia el incandescente sonido de la trompeta piccolo. Si bien la partitura de la fanfarria indica claramente la marimba, es posible ver en algunas grabaciones de la obra en video en las que la parte de la marimba es ejecutada en un xilófono, que es un instrumento con mayor proyección sonora. Además de la versión original para ensamble de metales, la Grand fanfare existe en versiones para banda sinfónica y para orquesta.
Giancarlo Castro D’Adonna compuso su Grand fanfare Op. 7 especialmente para el Ensamble de Metales de Venezuela, grupo al que está dedicada la pieza, y el estreno ocurrió en Barquisimeto, ciudad natal del compositor.
Como conclusión, vale decir que la actividad múltiple de Giancarlo Castro D’Adonna lo ha hecho merecedor de diversos premios, reconocimientos, apoyos y patrocinios, y que está involucrado de cerca con la fábrica española de instrumentos de metal Stomvi, cualidad que comparte con un ilustre paisano suyo, el gran trompetista venezolano Pacho Flores.

Así como Edvard Grieg es considerado como el compositor más importante en la historia de Noruega, a Henrik Ibsen (1828-1906) se le tiene como el mayor poeta y dramaturgo noruego. Así, la colaboración entre ambos para la puesta en escena de la obra Peer Gynt puede definirse como la suma de dos talentos gigantes.
Ibsen es considerado como el creador del moderno drama realista en prosa, y como uno de los grandes dramaturgos de todos los tiempos. Si bien fue duramente criticado por algunos de sus contemporáneos, Ibsen fue admirado por muchos otros, e incluso creó escuela a través de la tendencia que George Bernard Shaw llamó “ibsenismo”, es decir, la crítica en forma dramática de la moral convencional. Además, el dramaturgo noruego es valorado hasta nuestros días por su maestría técnica insuperable, su penetrante visión psicológica, su simbolismo, y la poesía sutilmente oculta en su prosa. A continuación, cito un párrafo de un artículo enciclopédico sobre Ibsen, ideal para entrar en materia sobre su Peer Gynt:

Fue cuando Ibsen estaba al final de sus años 30s y principios de sus 40s, habiendo dejado atrás a Noruega, que escribió las obras más impactantes de toda su carrera. Brand, concebida primero como un poema dramático y después reescrita como un drama en verso, fue terminada en Roma en el verano de 1865 y publicada en Copenhague al año siguiente. Esta obra fue seguida en 1867 por su complemento, Peer Gynt. Ambas son en cierto sentido piezas polémicas dirigidas contra lo que Ibsen consideraba como la estrechez de la vida noruega y la complacencia del carácter noruego. La primera obra tiene por héroe a una figura inflexible y férrea, dedicada rigurosamente al principio de ‘todo o nada’; la segunda obra sigue la carrera de un hombre sin principios, despreocupado, que se conforma con tomar como lema en la vida ‘sé suficiente para ti mismo’. Mientras el primero es admirable pero no se le puede amar, el segundo es adorable pero criticable, y ambos pueden ser tomados como retratos del autor.

El argumento de Peer Gynt es muy complicado, pero se puede resumir en unas cuantas líneas. Este campesino noruego, presumido, egoísta y mentiroso, se va por el mundo a viajar y a vivir una serie de fantásticas aventuras. Al final, se encuentra con la horma de su zapato (como se dice coloquialmente) en la persona de un fabricante de botones, quien amenaza con derretir a Peer Gynt como un fallido experimento humano. Peer Gynt es redimido finalmente por el amor de Solvejg, quien le ha permanecido fiel a lo largo de sus andanzas.
En enero de 1874, Ibsen le pidió a Grieg que compusiera música incidental para la puesta en escena de su Peer Gynt. Al principio, Grieg pensó en componer un puñado de números musicales, pero la complejidad del Peer Gynt de Ibsen hizo crecer y crecer el proyecto, y el compositor tuvo que escribir 23 números musicales para cubrir los cinco actos de la obra teatral. La partitura quedó terminada en septiembre de 1875, y se escuchó por primera vez en la ciudad de Christiania (hoy Oslo) el 24 de febrero de 1876, acompañando a la puesta en escena de la versión revisada del Peer Gynt de Ibsen. Compuesta originalmente para voces solistas, coro y orquesta, la música de Grieg para Peer Gynt (que lleva el número de Opus 23 en su catálogo) es hoy más conocida a través de dos suites puramente orquestales; la primera de ellas, marcada con el Opus 46, está compuesta por los números 13, 12, 16 y 7 (en ese orden) de la continuidad musical, mientras que la segunda suite, Opus 55, contiene los números 4, 15, 19 y 18.
La Suite No. 1 de Peer Gynt, Op. 46 se inicia con la pieza titulada Por la mañana. Se trata de una alborada poética y evocativa, con ciertos momentos de intensidad expresiva y basada en movimientos ondulantes. La pieza está construida de forma muy sencilla (como el resto de esta música incidental), a partir de un solo tema, presentado en distintas orquestaciones. Viene después La muerte de Aase, escrita para acompañar en escena un emotivo discurso de Peer Gynt a la muerte de su madre. Está escrita para cuerdas solas, y es una pieza contemplativa y nostálgica, sin excesos expresivos y muy bien armonizada. Se trata de un lamento hasta cierto punto frío y cerebral, muy nórdico, que guarda algunos puntos de contacto con la música del gran compositor finlandés Jean Sibelius (1865-1957). El siguiente número de la suite, Danza de Anitra, se refiere a los viajes de Peer Gynt por el África. En uno de ellos encuentra un grupo de muchachas árabes que lo toman por el Profeta. Una de ellas, Anitra, baila esta danza para él. Aquí se añade un triángulo a las cuerdas, para dar color a una danza en un atractivo compás de 3/4, de ritmo contagioso y sugerentes melodías que no pretenden ser gratuitamente “exóticas”. En este trozo, Grieg hace un interesante uso expresivo y colorístico del pizzicato. La suite concluye con el número más famoso de toda la música de Peer Gynt, En el salón del rey de la montaña. Los gnomos, súbditos del rey, claman por la sangre de Peer Gynt, quien se ha atrevido a perseguir a una doncella-gnomo con intenciones fácilmente imaginables. De nuevo, Grieg logra un efecto impactante a partir de recursos muy simples: una melodía única, repetida en orquestaciones diversas y en un emotivo crescendo. Se inicia la pieza en el registro bajo de la orquesta, con cuerdas graves y fagotes jugando papeles prominentes. La textura se hace poco a poco más brillante, la intensidad aumenta, la velocidad crece, hasta un poderoso y enfático clímax final, todo esto en un brevísimo lapso de tiempo. En la Suite No. 2 destacan sobre todo, El lamento de Ingrid y La canción de Solvejg, piezas en las que se hace particularmente evidente el lirismo de Grieg y su capacidad para la creación de amplios arcos melódicos.
Para concluir con un final anecdótico, vale la pena recordar que el estreno el Peer Gynt de Ibsen con la música de Grieg fue enormemente exitoso en la vieja ciudad de Christiania, y que la temporada de la obra sólo se suspendió por una causa de fuerza muy mayor: la escenografía teatral fue consumida por el fuego.

No deja de ser interesante saber que Carmen, una de las óperas más queridas y populares del repertorio, fue recibida fríamente la noche de su estreno en la Ópera Cómica de París el 3 de marzo de 1875. De hecho, este fracaso parcial de su ópera afectó tanto a Georges Bizet que su salud se deterioró rápidamente y murió tres meses después, a la tierna edad de 36 años.
El libreto de Carmen fue escrito por Henri Meilhac y Ludovic Halévy, y está basado en una muy buena novela corta de Prosper Merimée. La acción se lleva a cabo en Sevilla, alrededor de 1820.
De un lado de la plaza, una fábrica de cigarros, y del otro, un cuartel militar. Soldados y transeúntes esperan la salida de las jóvenes mujeres que trabajan fabricando cigarros. La joven campesina Micaela busca al cabo de los dragones, Don José, que no llega. Entre las cigarreras se encuentra una hermosa mujer gitana, Carmen, quien admira la gallardía del recién llegado Don José. Carmen, coqueta y seductora, arroja una flor a Don José, quien a pesar de su frialdad no puede sino reconocer los encantos de la cigarrera Carmen. Vuelve Micaela y le da noticias de su madre a Don José. El soldado promete casarse con la joven Micaela, de acuerdo a los deseos de su madre. Se inicia una pelea en la fábrica de cigarros, y Carmen es detenida por lastimar a una de sus compañeras. Ella debe ser llevada a la cárcel por Don José, pero el soldado, seducido por la belleza de la mujer, la deja escapar.
En la posada del tabernero Lilas Pastia, Carmen baila, feliz por estar libre. Llega entonces un apuesto torero, Escamillo, que queda prendado de la belleza de Carmen. Ella, sin embargo, no le hace caso, pues espera a que llegue Don José en cuanto lo liberen de prisión, donde lo han metido por dejar escapar a Carmen. Unos bandoleros piden a Carmen que participe en una expedición esa noche, pero ella los rechaza porque debe esperar a Don José. Poco después, llega Don José a la posada, y después de pasar un rato con Carmen, desde el cuartel suena la corneta que toca retreta, y Don José debe regresar. Carmen intenta convencer a Don José de irse con ella y, después de varias dudas y el inútil intento del Capitán Zúñiga por llevarse a Don José, el soldado decide quedarse con Carmen.
En la guarida de los bandoleros en las montañas, Don José siente la culpa y empieza a dudar de Carmen, mientras que Carmen comienza a cansarse de Don José, porque ahora recuerda al guapo torero Escamillo. Carmen lee su fortuna en las cartas, que predicen la muerte de todos, pero a sus amigas Mercedes y Frasquita, las cartas les anuncian riquezas y esposos fieles. Llega Escamillo y se inicia una pelea entre él y Don José, quienes son separados por Carmen. Aparece Micaela, quien informa a Don José que su madre se muere, y que debe visitarla. Don José se marcha, advirtiendo a Carmen que muy pronto volverán a verse.
Cerca de la plaza de toros de Sevilla, la multitud aplaude a Escamillo, quien se dirige a torear en una corrida, acompañado de Carmen, quien ahora es su novia. Sus amigos advierten a Carmen que Don José está cerca de ahí. Carmen no tiene miedo del soldado, y se queda a esperarlo. Llega Don José y le ruega a Carmen que vuelva con él. Carmen se niega, y arroja al suelo el anillo que Don José le había regalado. Desde la plaza de toros se escucha el rugido de la multitud que aclama a Escamillo por su triunfo en la corrida de toros. Los celos por su rival enloquecen a Don José, quien mata a Carmen de una puñalada. Luego, sin oponer resistencia, Don José se deja arrestar por los soldados.
La afortunada invención melódica que Bizet aplicó en la creación de Carmen ha hecho que los numerosos arreglos, transcripciones, variaciones, glosas y fantasías que sobre sus temas se han hecho, incluyendo las dos suites originales de la ópera, sigan siendo muy populares en las salas de concierto. Igualmente popular es, por ejemplo, la Fantasía sobre Carmen, para violín y orquesta, escrita por el violinista español Pablo de Sarasate. Y existe también una extrovertida serie de Variaciones sobre un tema de Carmen, realizada por el gran pianista Vladimir Horowitz. Entre todas estas transformaciones de la música original de Carmen, una es especialmente atractiva: la partitura de ballet escrita por Rodion Shchedrin (1932-) para un ensamble de cuerdas y percusiones, estrenada en 1967 en el Teatro Bolshoi con la legendaria bailarina Maya Plisetskaya en el papel de Carmen. Y como una muestra más de la enorme y trascendente popularidad de la música original de Carmen, habría que mencionar que entre los muchos arreglos y versiones que de ella existen, hay un ballet sobre hielo, realizado especialmente para la hermosa y ya legendaria patinadora alemana Katarina Witt. La famosa y popular música de Carmen es, además, una de las numerosas muestras de la buena música española escrita por compositores franceses.

Aquí va una de mis clásicas historias musicales, larga, compleja y aparentemente desconectada de la obra que hoy nos ocupa.
Entre 1640 y 1698 vivió en Inglaterra (y otras latitudes) una dama llamada Aphra Amis y conocida después como Aphra Behn. Esta señora dedicó sus talentos, que al parecer eran muchos, a escribir dramas, poesías y novelas, siendo la primera mujer inglesa en ganarse la vida con sus escritos. Además, se dedicó a otras actividades poco relacionadas con la creación literaria; sirvió como agente secreto del rey Carlos II, teniendo su base de operaciones en Holanda. Viajó mucho, y quizá debido a la conexión holandesa, pasó una temporada en Surinam. De sus experiencias de viaje surgió su novela Oronooko (1688), llena de descripciones exóticas y fantásticas, considerada como un importante antecedente de la creación novelística inglesa. De vuelta en Inglaterra, donde estuvo frecuentemente involucrada en hechos escandalosos, Aphra Amis se casó con un mercader de apellido Behn, y se convirtió en Aphra Behn, nombre con el que es más conocida. A pesar de que sus poemas eran bien apreciados en su tiempo, tuvo que escribir obras complacientes para poder mantenerse, en virtud de que sus servicios como agente secreto de la corona no habían sido bien recompensados. Prolífica y versátil, Aphra Behn se dio tiempo, entre la creación de una obra y otra, para realizar adaptaciones de las piezas de otros dramaturgos. Si en vida no tuvo el reconocimiento que mereció, al menos lo obtuvo a título póstumo, ya que sus restos se encuentran enterrados en la abadía de Westminster, en compañía de numerosos ingleses muy ilustres. Una rápida revisión del catálogo de obras de Aphra Behn permite descubrir una obra teatral doblemente identificada: se le conoce como Abdelazer o como La venganza del moro.
Ahora bien, la revisión de otro catálogo, el del gran compositor inglés Henry Purcell (1659-1695) permite hallar numerosas partituras escritas como música incidental para diversas piezas teatrales. En ese catálogo se puede averiguar también que en 1695, último año de su vida, Purcell escribió algunos números musicales para acompañar la puesta en escena del Abdelazer de Aphra Behn. Esta música incidental, que lleva el número de catálogo Z. 570, consta de una canción y algunos números instrumentales. Entre éstos, hay un rondó que es conocido coloquialmente con el nombre de Rondó de Abdelazer. Y ahora, ha llegado el momento de preguntar: ¿a qué viene todo esto? Muy sencillo: el Rondó de Abdelazer (o para decirlo con mejor propiedad, el tema de su estribillo) es precisamente el tema de Purcell sobre el que Benjamin Britten compuso su famosa, instructiva y divertida Guía orquestal para los jóvenes, sin duda una de las obras más importantes en la historia de la música didáctica, y cuyo título oficial es Variaciones y fuga sobre un tema de Purcell, Op. 34.
A pesar de no haber tenido hijos, Britten sentía un especial cariño por los niños y compuso varias obras dedicadas específicamente a la niñez, no sólo para ser escuchadas, sino también para ser interpretadas por jóvenes músicos. Poco después del estreno en 1945 de una de sus obras maestras, la ópera Peter Grimes, Britten dio a conocer su Guía orquestal para los jóvenes, compuesta originalmente para acompañar una película didáctica sobre la orquesta y sus instrumentos. El mismo Britten, consciente del potencial de la obra, preparó la partitura para ser interpretada indistintamente con un narrador o sin él. En esta serie de variaciones con una fuga final, Britten sigue un esquema sencillo y lógico de análisis y síntesis. Primero, el tema de Purcell es presentado por toda la orquesta y re-expuesto en seguida por cuerdas, maderas, metales y percusiones. Viene después una serie de variaciones muy libres sobre el tema original de Purcell, una para cada instrumento de la orquesta; inician las maderas, luego las cuerdas y el arpa, siguen los metales y finalizan las percusiones. Después de haber desarmado así a la orquesta, Britten la vuelve a armar, construyendo una gran fuga sobre el mismo tema, en la que los instrumentos van entrando en el mismo orden que en las variaciones. Antes de la coda, los metales se encargan de presentar el tema original de Purcell en todo su esplendor.
Si a alguien le causa curiosidad el saber por qué Britten eligió a Purcell como fuente musical para esta obra, la explicación es lógica y sencilla. Los musicólogos están de acuerdo en que Britten fue el primer compositor inglés después de Purcell en alcanzar una estatura universal. Además, Britten admiraba y respetaba mucho a Purcell y a su música, y no sólo se inspiró en el trabajo de su ilustre predecesor (en especial en lo que se refiere a la ópera y otras músicas vocales, en las que su respeto por el idioma inglés es semejante al de Purcell) sino que realizó versiones y ediciones de algunas de sus obras, como Dido y Eneas, La reina de las hadas, Orpheus Britannicus y otras.
Un penúltimo dato respecto a la música que nos ocupa: la Guía orquestal para los jóvenes de Benjamin Britten fue estrenada el 15 de octubre de 1946 en Liverpool, con la orquesta filarmónica de esa ciudad dirigida por Malcolm Sargent, y con la narración escrita por Eric Crozier.
Último dato, estrictamente trivial: la revisión del catálogo de Purcell en la preparación de esta nota me llevó a encontrar una música incidental suya escrita para una obra teatral de John Dryden titulada El emperador indio o La conquista de México.